Alfonsoi

Alfonsoi

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LagosPhoto

LagosPhoto is the first and only international arts festival of photography in Nigeria. In a month long festival, events include exhibitions, workshops, artist presentations, discussions and large scale outdoor prints displayed throughout the city with the aim of reclaiming public spaces and engaging the general public with multifaceted stories of Africa. LagosPhoto aims to establish a community for contemporary photography which will unite local and international artists through images that encapsulate individual experiences and identities from across all of Africa.LagosPhoto presents and educates about photography as it is embodied in the exploration of historical and contemporary issues, the sharing of cultural practices, and the promotion of social programmes.

Staging Reality, Documenting Fiction, this year's festival,examines contemporary photographers working in Africa that toe the line between photography and truth, incorporating conceptual practices and performative strategies that expand traditional photographic approaches and techniques.

By incorporating genres such as staged narratives, performance, appropriation, self-portraiture, and still life, these artists push the temporal and spatial boundaries of the photographic medium. In doing so, Staging Reality, Documenting Fiction explores how we imagine different futures and charter fictive worlds, using photography as a catalyst to explore the changing realities of Africa.

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  • Open:
    Saturday, 25 October 2014
  • Close:
    Wednesday, 26 November 2014
  • Address:
    54 Raymond Njoku Street , Lagos, Nigeria
  • Mail:
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  • Web:
    LagosPhoto
  • Photo credits:
    1. Bénédicte Vanderreydt, I am 14, 2014; 2. Cristina de Middel, This is What Hatred Did, 2014; 3. Glenna Gordon, from the series Sin is a Puppy That Follows You Home: Romance Novelists in Northern Nigeria, 2014. Courtesy of the artist and LagosPhoto.
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Paris Photo

The 18th edition of Paris Photo presents 35 countries world-wide including for the first time Brazil, Chili, Greece, Saudi Arabia, Taiwan, and Turkey, 143 galleries and 26 art book dealers/publishers will showcase both contemporary and historic works encompassing the prolific medium of photography today.

A rich ensemble of exhibitions completes this panorama offering visitors a broad perspective and appreciation of the field. For the first time in Paris in the Salon d'Honneur, there will be two important exhibitions: the MoMA presents their programme of Recent  Acquisitions, demonstrating the institution's pioneering force for the promotion of the language of photography, and the Private Collection of The Alkazi Collection of Photography, with meticulously staged and ornamented painted photographs from India and Southern Asia.

The Paris Photo Platform, organized by independent curator Urs Stahel, reunites artists, curators, historians, and writers, promoting reflection and exchange with a cycle of conversations. Continuing the narrative of the photobook, this year's Open Book exhibition is dedicated to artists books published between the 1960s and today with singular works by many of photography's most innovative protagonists. In partnership with the Aperture Foundation, Paris Photo presents the 4th annualPhotobook Awards  introducing a new category for the "Photography Catalog of the Year".

The programming is made possible thanks to the support and participation of various partners: Giorgio Armani and the "Acqua #5" exhibition; J.P. Morgan with a selection of works from the JPMorgan Chase Art Collection; BMW Art and Culture with works by Mazaccio & Drowilal; "Silenzio!" by François Fontaine presented by Leica; "Hiroshi Sugimoto" presented by amana; an exhibition of Khalid Al-Thani by Steidl and finally, the SFR Jeunes Talents Awards.

Special Events:

12 November

11am – 2pm | GUEST opening (GUEST badges only)
2pm – 5pm | VIP opening (VIP badges only)
5pm – 9pm | Private opening (invitation only)

13 Nov, 11am 12.30pm | GUEST & VIP private access (GUEST & VIP badges only)

 

 

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  • Open:
    Thursday, 13 November 2014
  • Close:
    Sunday, 16 November 2014
  • Address:
    Grand Palais, Avenue du Général Eisenhower 3, Paris
  • Mail:
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  • Phone:
    + 33 1 47 56 64 69
  • Web:
    Paris Photo
  • Opening hour:
    13 Nov - 15 Nov | 12.30pm - 8pm, 16 Nov | 12.30pm - 7pm
  • Admission:
    One Day: 30 €, 15€ reduced
  • Transport:
    Metro: Champs-Élysées — Clémenceau
  • Photo credits:
    1. Grand Palais, Exhibition view, 2. A Lady on the couch with a telephone, Commercial Photographer, c. 1920-40, The Alkazi Collection of Photography, 3. Massimo Vitali, Lampedusa #4659; Courtesy of Paris Photo
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Documenta 14. An Interview with Marina Fokidis

In 2017 documenta 14 will establish a second site — Athens, where it will be inaugurated in April - and two months later it will open in Kassel, the host of documenta since its inception in 1955. With this choice, Artistic Director Adam Szymczyk and his team, want to question the idea of documenta and Kassel in their role of hosts to artists and cultural practitioners from around the globe.

As part of the team that is organizing documenta 14, in the role of Head of Artistic Office in Athens, Marina Fokidis explained us a bit more what is the spirit that will drive the 2017 edition.

Mara Sartore - documenta 14 will have two locations: Kassel and Athens. It has been stated that: "this decision has to do with the current social and political situation both in Europe and globally, which motivates artistic action"*. Could you tell us how this will alter the visitors' experience of Documenta and how artistic action can play a role in current social and political situation?

Marina Fokidis - I think it is too early in the process to speculate on how a model of sharing a mega exhibition between two locations – whilst maintaining a certain kind of autonomy and completeness in each of the two places – will alter the visitor's experience. Similar can be said about the role of artistic action in the current socio-political situation at large. Generally speaking one cannot predefine – with words – the role of art in a society. It would equal canceling this very role. Yet, as we all know, this is something that does happen in various ways and sometimes quite essentially. If I may say so: The context of art has often been assuming the role of a prophetic discourse for a new era of political life (political after the term polis) that is yet to be determined – an era that does offer a genuine possibility for democracy.

A more precise hint to answer your question can be found Adam Szymczyk's "the two projects, realized in different ways while learning from their respective places and from each other, will form two pictures that could never be superimposed to form a single image. Nor will the two shows be possible to be grasp from a one vantage point. By asking Documenta visitors to take a similar route as its makers, and to take their time, allowing a break in visibility while journeying between the two locations, my hope is that the exhibition will again engage in a process of cultural transformation".

MS - For documenta 14 the participating artists will be invited to think and produce"within the dynamic between these two cities"*. Could you explain better the meaning of this idea and tell us about the process and criteria of selecting these artists?

MF - This is a question that should be addressed to the Artistic Director ofdocumenta 14 at this stage. Of course, when dealing with such a complex task of sharing documenta14 between two specific locations, I feel that artistic research and criteria should be thoroughly developed. It's a process that needs time and patience and lots of back and forth. Maybe the constant interchanging between the two cities, among other places, is a very interesting dynamic that will be producing unforeseen artistic results. Adam Szymczyk has been very generous by establishing a - not yet completed - fairly large team with whom he can discuss and reflect upon his ideas.

In his words "Documenta can only visit Athens as a guest, with all the limitations and possibilities such status implies. The exhibition will need thorough onsite research to forge connections, including political ones, and to find local allies willing to engage. The terms of invitation will have to be negotiated and forms of collaboration will need to be developed".

MS - It has been made a parallel between Kassel in 1955 that embodied the trauma of destruction and Athens in 2014 as icon of European cultural and economical dilemmas. I feel this parallel more weak in compare to the one that puts Kassel and Athens as two poles of a tension between the North and the South: will Documenta help to eviscerate the week points in the European Union? Can art action help the dialog and, if yes, how?

MF - I would not agree that "trauma of destruction", as well as the parallelism between a city that suffered the outcomes of war, and a city that suffers the outcomes of a sovereign crisis are weak comparisons. Of course one has to consider that in the context of an exhibition the cities and situations have also a symbolic meaning. They provide platforms from which the rest of the world can be addressed. The economical crisis has triggered a severe existential crisis, maybe the most severe after World War 2, demonstrating its full magnitude in Greece as we speak; possibly soon to be spread all over Europe.

In our consumption society between multiple parallel digital lives and hundreds of false paradises it is difficult to detect a situation like this. But numbers like a 407% up in suicide rate the last five years in Greece, homelessness, and unemployment, as well as the absence on any sense of solid hope for the future are not exactly uplifting. This is what reality looks like, maybe dressed in a colorful coat.

Yet, I believe people here have been trying their best not to loose dignity and stamina, despite the fact that few can even pay their rent at this point. People here might not want to be neither the "black sheep", nor the "demanding child" of Europe. This is why one can find few new alternative ways in Greece. The energetic art scene that emerged during the last years, in terms of new synergies and actions and institutions (not even institutional as such) is a kind of proof for that. The positive issue is that Greece, (maybe even Europe as a whole) is undergoing a certain kind of "forced" transition to adulthood. Nevertheless, balancing at this stage is quite tough. Swimming in deep waters without having sight of the land you left behind nor of the land you aim to arrive at,– beautifully described by philosopher Michel Serres in his book Les Temps de Crises – is a difficult call. But this is what is essential now for a future based on democratic ideals.

In my view Szymczyk's decision to make these connections is quite brave and focused on the current affairs. It is for sure not just a decision that contributes to the methodological shaping of maga-shows in the future. Now, the North-and-South-polarization and "forced" tension within the European Union, is also a symptom or a side effect of the world's economic crisis, the crisis of capitalism in its current state. North-South-friction, as real as it is, can also be an ideological construction. Everything is more "southern" or "northern" than something else and reflect a large spectrum of diverse cultural political or social characteristics on each respective sides. Yet, one could say that fresh, additional networks are being at quest and the idea of a symbolic "South" with "shared intensities", can also serve towards the initiation of different discussions.
The idea of Szymczyk to share documenta 14 between the so called "North" and "South" – acknowledging all political, social and cultural implications – seems to be the most accurate answer towards this dialogue.

MS - Is there any chance, now that Athens will host the most important international art exhibition, to redeem Mediterranean life style and culture in the eyes of northern Europe? Is there any chance for cultural difference to become a new territory for respect and dialogue?

MF - It might be wise to first establish a common understanding of what "Mediterranean life style and culture" means. Does it even exist ? Or can it be defined? And if so, on what terms – without reinforcing dangerous clichés? The Mediterranean is a very troubled and precarious area at the moment. Parallel to local and international tourism who indulge into the blue waters, and the fresh fish in the quest for a calm break from life.

Two and a half years ago when we initiated the magazine called South as a State of Mind we caught ourselves in a similar discussion, and tried to reflect on characteristics of a style attached to a set of specific locations. We acknowledged of course that this is a task which is as much inclusive as it is exclusive, but nevertheless wanted to start off a metaphor. A metaphor though, (which in Greek also means "transport") that translates both ways. One solution we came up with at that point, was to built upon these very clichés that were being repeated and reproduced in the media – to start a constructive dialogue.

Possessed by a spirit of absurd authority, as noted in our mission statement, we tried to contaminate the prevailing culture with ideas that derive from southern mythologies such as the 'perfect climate', 'easy living', 'chaos', 'corruption', and the 'dramatic temperament', among others. Of course the idea was to renegotiate the southern attitude (as formed in the global imagination) partly to re-define it and partly to re-invent it, within the post-crisis world, and to provoke a number of unexpected reactions.

Does the "Mediterranean style" as an entity need or want to be redeemed? That I don't know. I feel though that collectivity, respect, togetherness on a human level before anything else, is key for entering the difference. I believe that the organic coexistence with a great exhibition like documenta will yield Athens a certain kind of visibility which goes beyond clichés. Maybe documenta 14 will shed some light on the grey space between the Parthenon and the Port of Piraeus that lead to the beautiful islands. And this might be the way for a mutual understanding of diversity or styles.

In Szymczyk's words, documenta 14 might become a lesson in breaching the normative economic, political, and geographic divisions, and attempting a shared experience mediated by culture and, more specifically, the contemporary art exhibition. Athens stands metonymically for that "rest" of the world that has not become (and could not yet become) a part of documenta in a proper sense, due to lacking privileges.

Marina Fokidis is a curator and writer based in Athens, founding and artistic director of Kunsthalle Athena, and founding and editorial director of the biannual arts and culture publication South as a State of Mind. She was curator of the 3rd Thessaloniki Biennale for Contemporary Art (2011), the commissioner and curator of the Greek Pavilion at the 51st Venice Biennale (2003) and will be Head of Artistic Office in Athens for documenta 14.

*(Quote from the communication sent to the press following the symposium titled "documenta 14, Kassel: Learning from Athens")

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  • Web:
    Documenta 14
  • Photo credits:
    Photo by Kostas Katsigiannis
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Al Roverella arriva il Demone della Modernità

Mostra a cura di Giandomenico Romanelli

L’irrompere della modernità nel mondo tardo Ottocentesco e il suo deflagrare nei primi tre decenni del “secolo breve” sono il soggetto vero di questa sorprendente mostra affidata dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo a Giandomenico Romanelli, curatore della fortunatissima mostra che Palazzo Roverella ha dedicato quest’anno a L’Ossessione Nordica. Una modernità particolare, popolata da angeli e demoni, tra inquieto e ineffabile, tra conscio ed inconscio, tra prefigurazioni di morte e destini di luce.

È certo una mostra in grado di dare forti emozioni, che accosta a vitalismi sfrenati e ambigui eterei straniamenti, incubi e sogni. Una mostra insolita e forse unica, e non solo per l’Italia. E’ un viaggio, pregnante, forte, carico di emozioni che accompagna nelle profondità più oscure dell’inconscio e fa ascendere alle terse luminosità dello spirito.

Assieme ad alcune irrinunciabili icone dell’universo simbolista, saranno presentate opere che uniscono la suggestione del simbolo e la libertà visionaria e utopistica dell’ideale, facendo compiere al visitatore un percorso teso tra scoperte di un’arte esclusiva e misteriosa e la rappresentazione drammatica e cruda, talvolta sommessa, della follia della guerra.

Ma, tra resistenze e cadute, quella che viene messa in scena è la irruzione di una modernità inquieta e tempestosa, prefiguratrice di morte non meno che sfrenata celebratrice di un vitalismo tutto proteso verso nuove conquiste e nuovi miti.

Anche i linguaggi dell’arte si rinnovano tumultuosamente, infrangono gli schemi rigidi di ogni classicità, le tradizionali connessioni e relazioni spazio-temporali, introducono il movimento, le sonorità estreme, le contaminazioni tra i generi.

Non si tratta di una narrazione sistematica: attorno a impareggiabili figure del mondo nuovo, ad angeli di un destino di luce e alle tenebre gelide e sulfuree che circondano il maledetto e il reietto, le nuove forme dell’arte spalancano orizzonti insospettati e fanno esplodere sopra le macerie del passato la potenza incontenibile e pur ambigua del moderno. 

A raccontare, interpretare e vivere nelle loro opere queste emozioni sono grandi artisti europei: James Ensor, Franz Von Stuck, Leo Putz, Odillon Redon, Arnold Boecklin, Paul Klee, Carlos Schwabe, J.A.G. Acke, M. Kostantinas Ciurlionis, Max Klinger, Leon Bakst, Alfred Kubin, Felicien Rops, Gustav Moreau, Hans Unger, Lovis Corint, K. Wilhelm Diefenbach e gli italiani: Mario De Maria, Guido Cadorin, Cagnaccio di san Pietro , Bortolo Sacchi, Alberto Martini, tra gli altri. 

In una sinfonia che inevitabilmente si contrappunta alle musiche di Wagner e alle originalissime immagini di New York di Gennaro Favai. 

Per chi ama la grande arte, i confronti con le altre arti e soprattutto le forti emozioni.

“Il demone della modernità. Pittori visionari all'alba del secolo breve” è una mostra promossa ed organizzata dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo, e l’Accademia dei Concordi, a cura di Giandomenico Romanelli.

Info: www.palazzoroverella.it

Relazioni con i media: 

dott.ssa Alessandra Veronese – Responsabile

dott. Giovanni Cocco

Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo

Telefono: 049 8234800 (int. 3)

Ufficio Stampa: STUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo 

Tel. 049 663499; www.studioesseci.net; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Perfecto e Virtuale. L'Uomo Vitruviano di Leonardo

Una innovativa riproduzione digitale dell’uomo vitruviano 

realizzata appositamente per la Mostra “Perfecto e Virtuale”

Il Foglio di Leonardo diventa 3D

L’Uomo di Leonardo in 3D si presenta muscoloso, dal volto maschio e deciso, un vero macho, si direbbe con i parametri di oggi. 

A dare, per la prima volta, fattezze in tre dimensioni all’Uomo Vitruviano, disegno di culto di Leonardo,  è il Centro Studi Vitruviani di Fano (Pesaro e Urbino), in collaborazione con La Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico Artistico ed etnoantropologico per il Polo Museale della Città di Venezia.

I risultati di questa ricerca sono al centro della mostra “Perfecto e Virtuale. L’Uomo Vitruviano di Leonardo” allestita sino al 6 gennaio, a Fano,  nel Complesso rinascimentale di San Michele, curata da Annalisa Perissa Torrini, direttrice del gabinetto dei disegni (dove il disegno è conservato) del Polo museale veneziano e ideata e coordinata da Paolo Clini, Coordinatore scientifico del Centro Studi Vitruviani.

Che non si tratti di un “giochetto” per informatici perditempo lo dimostrano i risultati visibili nella mostra marchigiana e l’interesse che il progetto sta riscuotendo nel mondo scientifico internazionale. 

Nell’esposizione al San Michele, il famoso foglio, canone rinascimentale della bellezza perfetta, si presenta ai visitatori in 3D per la prima volta. Una veste esclusiva e senza precedenti, abbinata a un innovativo sistema touch screen di visualizzazione che consente di entrare nel disegno fino al centesimo di millimetro e cogliere ogni più incredibile dettaglio non visibile a occhio nudo, andando al di là di quello che forse lo stesso Leonardo da Vinci poteva vedere. Come il tratto della matita e delle punte a secco, i segni e le incisioni sul foglio, il colore e la consistenza della carta in una visione 3D navigabile interattivamente di recto e verso. L’applicazione è stata realizzata, in collaborazione con il Centro Studi Vitruviani di Fano e il Gabinetto dei disegni delle Gallerie dell’Accademia di Venezia diretto da Annalisa Perissa Torrini (curatrice della mostra) da Marco Gaiani e Fabrizio Ivan Apollonio (Alma Mater Studiorum Università di Bologna), Massimo Zancolich (TabulaRasa), Mirko Barone (3DXcite) con Paolo Clini e Gianni Plescia (Univpm Marche). Il modello tridimensionale del foglio in particolare è stato realizzato da Marco Gaiani su uno dei più avanzati software di modellazione e visualizzazione (Deltagen) messo appositamente a disposizione da 3DXcite per questa applicazione. Il foglio è così navigabile in modo interattivo, senza alcuna limitazione dovuta alle necessità di conservazione. Tale applicazione può costituire una possibile risposta alle sempre crescenti difficoltà di circolazione e divulgazione di opere delicate e che, come nel caso dell’Uomo di Leonardo, possono essere esposte solo ogni 5 anni, a fronte di continue richieste di musei di tutto il mondo. 

Tutto il contesto della mostra, allestita spazialmente ripercorrendo i segni principali del disegno leonardesco, scorre comunque sui binari della spettacolarizzazione, pur mantenendo la sua rigorosità scientifica. Superata la prima sala dell’esposizione, che ruota intorno al sofisticato touch screen per navigare il foglio dell’opera in 3D, gli occhi dei visitatori vengono subito catturati dalla piramide olografica dell’Uomo Vitruviano. Grazie a una tecnica teatrale chiamata “Pepper’s ghost” (utilizzata per la prima volta nella serie di Star Wars), l’opera leonardesca ruota a 360°, proiettando il disegno a grandezza originale (34 x 24  centimetri circa) e muovendosi a mezz’aria all’interno di una piramide mostrando diversi angoli di visione. Il divertimento e l’esplorazione delle proporzioni ideali continua con il mirroring interattivo, un gioco mimico che mette a confronto le forme di ogni visitatore con quelle dell’Uomo Vitruviano, con sistemi di natural interaction e computer vision appositamente sviluppati. Basterà salire su una pedana a pavimento per scoprire quanto ognuno di noi si avvicini alle misure della perfezione classica. Gli allestimenti tecnologici e le interfacce software per la piramide e il mirroring sono state realizzate da Eve spin off srl. L’uomo in 3d che fluttua nella campana è stato realizzato da Fabio Severini. Gli allestimenti sono stati curati dagli architetti Adriana Formatio e Anna Paola Pugnaloni.

Orari di apertura (fino al 6 gennaio 2015)

Giorni feriali h. 17-19.30

Sabato e domenica h. 10.30-12.30 / 17-19.30

Mattina solo su prenotazione per scuole e gruppi.

Lunedì chiuso

(tel. 338.4234702 oppure 328.3790087)

www.centrostudivitruviani.org

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L’ingresso è libero

 

Organizzata da 

Il Centro Studi Vitruviani di Fano, il Dipartimento di Ingegneria civile edile e Architettura dell’Università Politecnica delle Marche, la Fondazione Cassa di Risparmio di Fano e il Comune di Fano – Assessorato alla Cultura.

In collaborazione con 

La Soprintendenza speciale per il Patrimonio storico-artistico ed etnoantropologico per il Polo museale di Venezia e dei Comuni della Gronda lagunare ed il Dipartimento di Architettura Alma Mater Studiorum dell’Università degli studi di Bologna.

Con il patrocinio 

Del Ministero dei Beni e delle attività culturali e del Turismo, della Regione Marche e dell’Assemblea regionale delle Marche.

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Nuovi allestimenti e grandi mostre nel 2015 del Polo Museale Veneziano

Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo

SOPRINTENDENZA SPECIALE PER IL PATRIMONIO STORICO ARTISTICO ED ETNOANTROPOLOGICO E PER IL POLO MUSEALE DELLA CITTÀ DI VENEZIA E DEI COMUNI DELLA GRONDA LAGUNARE

Polo Museale Veneziano

I grandi appuntamenti per il 2015

Comunicato Stampa

La Soprintendente Damiani annuncia 4 eventi espositivi. Plessi alla Ca’ d’Oro, una grande proposta della Tagore Foundation al Grimani e, mentre prende il via l’allestimento delle “Grandi Gallerie dell’Accademia”, de Kooning e Manuzio alle Gallerie dell’Accademia.

Grandi appuntamenti annunciati dalla Soprintendente Giovanna Damiani per il 2015 nelle diverse sedi del Polo Museale Veneziano. 

Il programma, messo a punto dalle strutture della Soprintendenza speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia coinvolge le Gallerie dell’Accademia, la Ca’ d’Oro e Palazzo Grimani. Restano, per ora, escluse la quarta e quinta sede del Polo, ovvero il Museo Archeologico e il Museo d’Arte Orientale ospitato aCa’ Pesaro, Museo che per altro è stato recentemente oggetto di un importante, ampio “speciale” della Rai andato in onda sul canale tematico di Rai Scuola e che, proprio pensando all’utenza scolastica, è stato dotato di un ulteriore programma di attività e servizi per i più giovani ed i giovanissimi. Altre puntate del medesimo programma Rai sono state realizzate anche nelle altre sedi del Polo.

Cominciamo dalla Ca’ d’Oro. La Soprintendente Damiani annuncia la grande mostra dal titolo “PLESSI. LIQUID LIFE. Il flusso della memoria - 1000 progetti”, una installazione site specific sul tema dell’acqua, tema che Venezia ha scelto come propria “cifra” in occasione di Expo 2015, accanto all’alimentazione e al cibo. Acqua come bene primario, elemento connaturato alla fama e all’identità internazionale del sito, emblematica dell’intera produzione di Fabrizio Plessi e che diviene nella sua opera, attraverso il tema del fluire liquido e dello scorrere, metafora primaria della memoria, della storia e del processo creativo stesso. Verrà proposta, articolandosi su due piani del palazzo, una grande installazione video accompagnata da una cornice di 1000 disegni, “un’opera - afferma la Soprintendente- di sicura suggestione, in linea con la tradizione di stimolanti contaminazioni tra antico e contemporaneo avviata e perseguita negli ultimi anni dal museo”. 

Proseguiamo con Palazzo Grimani dove, in contemporanea con la prossima Biennale d’Arte, la Soprintendenza e la Tagore Foundation International presenteranno “Frontiers Reimagined”. 38 artisti internazionali, affermati o emergenti, esplorano il superamento dell’idea di frontiera culturale, testimoni e loro stessi protagonisti di un dialogo interculturale che crea gangli sempre nuovi, dove più culture si scontrano e si fondono, come mai prima avvenuto nella storia dell’umanità. E’ un nuovo mondo, stimolante e caotico, dove ogni frontiera fissa, stabilita, codificata risulta superata, dove ogni giorno gli artisti concorrono a creare delimitazioni nuove che non sono più frontiere ma opportunità. La mostra, che si apre con un omaggio a Rauschenberg, antesignano di questa esplicita ricerca, propone opere di Sebastian Salgado, Lee Waisler, Robert Yasuda, Joel Shapiro, Susan Weil, Golnaz Fathi, Kenro Izu, Donald Sultan, Nino Suwannee Sarabutra, Hiroshi Senju, tra gli altri.

Passiamo infine alle Gallerie dell’Accademia. La Soprintendente Damiani innanzitutto prefigura l’avvio dell’allestimento delle nuove sale: “Stiamo attendendo il collaudo da parte degli uffici competenti dei lavori già completati sulle strutture murarie”, dichiara la dottoressa Damiani. “Nel contempo stiamo cercando di capire su quanti fondi si possa concretamene contare per realizzare l’allestimento. Nell’attesa di questi due fondamentali elementi che non sono di nostra diretta gestione, i nostri uffici hanno già studiato e previsto, sala per sala, il percorso allestitivo. Non solo: abbiamo già avviato il restauro delle tele che andranno ad arricchire l’attuale percorso e siamo pronti per dare funzione ai nuovi locali, appena disponibili collaudo e fondi. E’ stato un lavoro molto approfondito, che ha impegnato le nostre strutture per molto tempo ma che darà un volto nuovo alle Gallerie. Posso anticipare che, all’attuale percorso, si aggiungeranno sezioni dedicate all’arte dell’Ottocento, alla statuaria, e troveranno uno spazio di grande respiro la pittura barocca del Seicento di scuola italiana e non, e i dipinti di quella importante stagione artistica rappresentata dal Settecento veneziano”.

Mentre si lavorerà al nuovo allestimento, le Gallerie ospiteranno due rilevanti eventi temporanei. “L’esperienza positiva, in termini di pubblico e di interesse, vissuta lo scorso anno con la mostra dei disegni di Leonardo - continua la Soprintendente - ci ha convinto a programmare, per la primavera, una grande mostra, questa volta dedicata all’arte contemporanea, che si terrà in concomitanza con la Biennale. Sono in corso di definizione proprio in queste ore i termini ultimi dell’accordo, ma posso già anticipare che si tratta di una mostra dedicata all’opera di Willem de Kooning, organizzata con la collaborazione della The Willem de Kooning Foundation di New York”. 

Per l’autunno ospiteremo infine una esposizione, promossa da questa Soprintendenza e, tra gli altri, dalla Regione del Veneto, che riguarderà l’opera di Aldo Manuzio, straordinario stampatore e intellettuale, e la cultura veneziana tra Quattro e Cinquecento. Per la qualità delle opere, non solo libri, e per il taglio innovativo che i curatori hanno scelto, si tratterà di una vera mostra-evento di straordinario spessore culturale ed interesse.

Ufficio Stampa della Soprintendenza speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia – Sandra Rossi, Valter Esposito, Roberto Fontanari, tel. 041 2967611 www.polomuseale.venezia.beniculturali.it

in collaborazione con:

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Palazzo della Gran Guardia a Verona ospita Floreani

Palazzo della Gran Guardia di Verona, dopo le mostre dedicate a Paolo Veronese, a Monet e il paesaggio e alla Collezione Panza di Biumo, ospita nel piano nobile Roberto Floreani (Venezia, 1956) con suo nuovo progetto titolato La Città ideale (dal 23 novembre 2014 al 31 gennaio 2015). L’invito che il Comune di Verona ha voluto rivolgere a Floreani costituisce un importante riconoscimento alla carriera ultratrentennale di un artista, a ragione considerato uno dei più maturi e convincenti della sua generazione. 

La mostra veronese viene dopo oltre sessanta personali tenute dall’artista in Italia e all’Estero, di cui sedici realizzate, negli ultimi vent’anni, in spazi pubblici e museali, tra le quali,oltre a quella al Padiglione Italia della Biennale di Venezia nel 2009 e la partecipazione alla Quadriennale di Roma nel 2005, quella alle “Stelline” di Milano nel ’99; ai Musei di Stato di San Marino nel 2001; al Museo Revoltella di Trieste nel 2003; in Germania, ad Aschaffenburg e Gelsenkirchen e alla Mestna Galerija di Lubiana nel 2007; al MaGa di Gallarate nel 2011; al Centro Internazionale di Palazzo Te nel 2013.

L’imponente spazio espositivo accoglierà un progetto di pittura appositamente realizzato da Floreani site specific, caratterizzato da una grande installazione composta da oltre sessanta opere su tela e integrato dalla novità della presenza di una decina di sculture, che saranno posizionate a semicerchio nel salone centrale. Completerà la mostra, nelle altre quattro sale, un'ampia antologica con altre trenta opere selezionate, anche di grande formato. Nel suo complesso quindi, con le oltre centoventi opere esposte, la mostra alla Gran Guardia è la più importante esposizione personale realizzata da Floreani fino ad oggi.

Le tematiche della mostra riguarderanno l’evoluzione della presenza tematica del Concentrico, autentica “sigla” espressiva dell’artista, abbinato ad una nuova ricerca sul pattern geometrico e sulle tonalità cromatiche (con un importante inserimento del blu Klein), che evocano anche suggestioni legate all’Oriente delle arti marziali, praticate dall’artista da quasi cinquant’anni. 

Il progetto La Città ideale prende lo spunto dalla celeberrima opera rinascimentale conservata nel museo di Urbino e considerata l’immagine dell’utopia e della perfezione. In questa scelta, appare evidente l’intenzione da parte di Floreani di ribadire la centralità della pittura nell’ambito del contemporaneo, la sua continuità storica, il superamento degli stili, l’importanza della tecnica, la rilevanza espressiva riferibile alla Bellezza, alla Misura e alla possibilità che l’opera d’arte possa contenere anche un messaggio di natura spirituale. 

Quest’ultimo aspetto in particolare, suscita, da anni, grande interesse da parte dell’artista che, attivo nell’ambito della ricerca astratta dal 1981, intende attualizzare le tematiche espresse dallo “Spirituale nell’Arte” di Kandinskj, già nel 1912, riprese poi daiSublime Optics di Josef Albers, fino alla sacralità cromatica di Ettore Spalletti o alle astrazioni di Sean Scully, Peter Halley e Lawrence Carroll, riconducibili al medesimo ambito tematico.

Completerà il progetto la pubblicazione di una monografia, arricchita da un’estesa sezione antologica e da due ampie interviste di Luca Beatrice e Angelo Crespi.

L’evento è patrocinato dalla Regione Veneto, dal Comune e dalla Provincia di Verona e realizzato in collaborazione con le associazioni culturali La Centrale e Quinta Parete.

Info utili:

Orari: tutti i giorni dalle 10.30 alle 20 

Chiuso 25 e 26 dicembre 2014 e 1 e 6 gennaio 2015

Ingresso: libero

Ufficio stampa: Studio ESSECI – Sergio Campagnolo. 

Tel. 049 663499; www.studioesseci.net; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. 

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A Milano il racconto interrotto di Bepi Romagnoni

All’età di 34 anni, un incidente di pesca subacquea ha drammaticamente posto la parola fine alla vita e alla carriera di Bepi Romagnoni, artista di punta in ambito europeo, oltre che italiano.

“Bepi Romagnoni. Il racconto interrotto”, a cura di Ruggero Montrasio e Raffaele Bedarida, testimonia la folgorante parabola artistica, i livelli raggiunti da Romagnoni sino alla prematura scomparsa.

“La sua è una ricerca - riconosce Montrasio – che, anche letta con gli occhi di oggi, ovvero a cinquant’anni dalle sue ultime risultanze, si conferma attualissima per unicità ed inventiva, e che continua ad essere fonte di ispirazione e confronto”

A proporre ed ospitare la grande retrospettiva di Romagnoni, promossa nel cinquantesimo della scomparsa, è la Galleria Gruppo Credito Valtellinese, la cui direzione artistica è curata da Cristina Quadrio Curzio e Leo Guerra, per iniziativa della Fondazione Gruppo Credito Valtellinese. 

L’esposizione focalizza, con ricchezza di opere, i tre momenti del breve ed intensissimo percorso artistico di Romagnoni. 

La prima sezione è dedicata all’esperienza che, secondo la definizione di Marco Valsecchi, è definita del “Realismo esistenziale” e che riguarda gli anni tra il ’54 e il ’56. Romagnoni, in quegli anni, è protagonista di un gruppo formato da Floriano Bodini, Giuseppe Banchieri, Mino Ceretti, Gianfranco Ferroni, Giuseppe Guerreschi. Le sue opere suscitano un grande interesse, com’è confermato dalla sequenza di premi che gli furono conferiti: il San Fedele (Milano 1954), il Junk (Milano 1954), il Diomira (Milano 1955), il Burano alla XXVIII Biennale (Venezia 1955) e il Suzzara (Suzzara 1956). La prima personale è organizzata presso la Galleria Schettini (Milano 1955), cui seguono quelle alla galleria Del Cavallino (Venezia 1956), galleria Alibert (Roma 1956), galleria Il Segno (Roma 1956).

Il capitolo informale, seconda sezione della mostra, prende in esame il triennio 1957-1960. Sono gli anni del servizio di leva (1956 – 1957) che impegnano Romagnoni a Roma, ed è in questo contesto che prendono forma i cicli dedicati a: I Priori, Soldato che spara, Ufficiale e Mitragliatrice, opere costruite su campiture nere molto materiche, dalle quali emergono immagini di soldati, armi, Priori. Terminato il servizio militare Romagnoni avvia una intensa ricerca improntata ad un informale espressionista. Nella primavera del 1958 compie un lungo viaggio di studio in numerose città europee: Parigi, Londra, Amsterdam, Bruxelles, Basilea, Zurigo. Di questi anni sono le personali da: Bergamini (Milano 1957), alla Bussola (Roma 1957), Annunciata (Milano 1960).

La sezione conclusiva, riecheggiata dal sottotitolo della mostra, è denominata Racconti e riguarda gli ultimi anni dell’artista, dal ’61 al 1964. 

Risale al 1960 il primo “Racconto” di Romagnoni, un porporato la cui immagine è tratta da un ritaglio di giornale incollato ad una carta e, modificata, rielaborata acquista una diversa prospettiva formale. Nel 1961 Romagnoni utilizza ritagli di giornale che vengono montati secondo una sequenza prestabilita sulla tela, gli stessi assumono poi contorni completamente differenti grazie all'intervento pittorico, che esalta dettagli e occlude visioni. Di questi anni sono le personali alla Bergamini (Milano 1961, 1962), al Punto (Torino 1964), al Leone (Venezia 1964).

L'esposizione sarà l'occasione per presentare il catalogo ragionato dell'opera di Bepi Romagnoni, edito da Allemandi I MontrasioArte, a cura di Ruggero Montrasio, con saggi critici di Raffaele Bedarida e Enrico Crispolti. Il volume è bilingue italiano – inglese e sarà presentato mercoledì 4 febbraio alle ore 18.15, presso gli spazi della galleria.

Contestualmente all’iniziativa espositiva verrà proposta la proiezione del documentario di Gian Luca Bianco “Racconto Interrotto. Bepi Romagnoni”, un progetto grafico di Zup Associati prodotto da MontrasioArte.

BookShop Lab, in occasione della mostra, propone un programma orientato alle scuole primarie e secondarie di primo grado del Comune di Milano che consiste in una visita guidata alla mostra e in un laboratorio didattico: per informazioni e prenotazioni HYPERLINK "Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo."Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. \ 039 9363795 (da lunedì a giovedì dalle 10 alle 13).

Coordinate mostra

  1. Titolo 

BEPI ROMAGNONI.

Il racconto interrotto 1930 - 1964

SediGalleria Gruppo Credito Valtellinese

Corso Magenta n. 59 – Milano

4 dicembre 2014 – 7 febbraio 2015

Orari e ingressi 

Galleria Gruppo Credito Valtellinese

tutti i giorni h. 13.00 – 19.00

chiusure festive: 25, 26, 31 dicembre e 1 gennaio

INGRESSO LIBERO

Informazioni al pubblico

Galleria Gruppo Credito Valtellinese 

tel. +39 0248.008.015

Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. - www.creval.it

Ufficio Stampa 

Studio ESSECI – Sergio Campagnolo

tel. +39 049.663.499

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Grande riapertura del Museo Paleontologico di Montevarchi

Da sabato 6 dicembre, apre il Museo Paleontologico d Montevarchi dopo oltre sei anni di chiusura impiegati per dotare la celebre istituzione di un allestimento al passo con i tempi. Il restauro si deve a un forte impegno economico della Regione Toscana e del Comune di Montevarchi, proprietario di gran parte della struttura in cui il nuovo Museo può ‘esplodere’ le sue ricchezze, ovvero l’ex convento trecentesco di San Lodovico.

Custodisce una delle più interessanti raccolte europee di fossili, tutti estratti da quell’immensa “miniera” che è il territorio del Valdarno. Qui tra il Pliocene superiore e il Pleistocene inferiore, ovvero tra 5,332 e 2,588 milioni di anni fa, una giungla equatoriale si trasformò gradualmente in una tundra sotto la quale, per un singolare, fortunata combinazione chimico fisica, i resti degli antichi animali si fossilizzarono perfettamente. Le scoperte datano già in epoca medicea ma il sottosuolo continua ad offrire sempre nuove sorprese.

Il Museo Paleontologico di Montevarchi, che appartiene all’Accademia Valdarnese del Poggio, trova origine intorno al 1809 a partire da una raccolta donata dal Monaco di Vallombrosa Luigi Molinari. Poco dopo Georges Cuvier, fondatore della paleontologia moderna, studiò questi primi reperti che erano allora conservati nei locali del convento dei Minori Francescani di Figline Valdarno. Nel 1818 la raccolta, assieme alla sede dell’Accademia e al fondo librario nel frattempo costituitosi, fu trasferita nei locali attuali di Montevarchi e fu aperta al pubblico ufficialmente nel 1829.

Nel periodo fra il 1873 e il 1880 il prof. Paolo Marchi di Firenze ed il prof. Forsyth Major di Glasgow classificarono i 732 reperti fino allora raccolti e iniziarono a compilare il relativo catalogo. Fu poi il prof. Giovanni Capellini, geologo e paleontologo a cui è dedicato il Museo Geologico e Paleontologico dell’Università di Bologna, a continuare tale compilazione mentre il museo si arricchiva di nuovi pezzi. La raccolta ha poi continuato ad ampliarsi con nuove scoperte per lo più in ambito locale, a cui hanno sostanzialmente contribuito le fortunose segnalazioni da parte di contadini e abitanti del territorio. 

Il Museo accoglie circa 2600 reperti. Fra essi si distinguono fossili vegetali, come le noci di Juglans tephrodes e le foglie diPlatanus aceroidese una ricca collezione di fossili animali, provenienti quasi esclusivamente dal Valdarno Superiore e di età compresa fra il Pliocene superiore e il Pleistocene inferiore. Tra gli esemplari più interessanti del museo ricordiamo un gigantesco scheletro di elefante quasi completo con enormi difese della lunghezza di 320 cm., Mammuthus meridionalis – popolarmente noto come “Gastone l’elefantone”, il cranio della “Tigre dai denti a sciabola”, Homotherium crenatidens, chiamata così a causa delle dimensioni dei canini superiori, i crani di Hystrix etrusca, ed il cranio del Canis etruscu , il “Tipo”, cioè il primo che ha dato origine ad una nuova specie. 

Una delle ultime acquisizioni consiste in resti fossili di Palaeoloxodon antiquus rinvenuto in località Campitello, presso Bucine (Ar) nel 2001, la cui importanza risiede nel fatto che accanto ad essi sono stati trovati tre strumenti litici con ancora i resti delle legature originali. La giovane elefantessa, subito popolare, è conosciuta come “La Giulia”.

L’allestimento originale collocato, con una sistemazione “ottocentesca”, in quaranta vetrine disposte in tre gallerie dal notevole valore storico, è stato sostituito da un allestimento moderno capace di disegnare un percorso didattico in grado di stimolare l’interesse e arricchire la conoscenza del visitatore. 

Dopo un primo corridoio in cui si ripropone il precedente allestimento, si passa al nuovo, in cui i reperti esposti nelle singole vetrine sono accompagnati da singole didascalie e da testi esplicativi sugli aspetti ritenuti più significativi circa le trasformazioni delle faune, delle flore e delle condizioni climatico - ambientali che hanno accompagnato la storia del Valdarno a partire dagli ultimi tre milioni di anni. Numerosi sono i disegni, gli schemi e soprattutto le ricostruzioni paleo ambientali che si articolano lungo il percorso. Il visitatore potrà approfondire dinamicamente la storia del Valdarno superiore soffermando la sua attenzione su una serie di video, opportunamente dislocati lungo il tracciato, nei quali vengono ricostruite le cause e gli effetti delle oscillazioni glaciali-interglaciali, i caratteri della foresta equatoriale caldo-umida e diffusa nel Valdarno 3.1 milioni di anni fa e infine altri video nei quali sono approfonditi i caratteri delle singole specie rinvenute nella argille e nelle ligniti della fase a foresta. 

Prospettive scenografiche in cui le figure si compongono e si scompongono a seconda del punto di osservazione, ricostruzioni di uomini primitivi e multimedialità faranno da cornice capace di suggestionare il visitatore e di incantare soprattutto i piccoli.

Il percorso del Museo Paleontologico è completato da una nuova sezione archeologica dedicata allo studioso locale Alvaro Tracchi, in cui sono esposti reperti etruschi provenienti dal territorio del Valdarno, ma anche dalla zona del viterbese; gli apparati didattici e la multimedialità permetteranno di proporre una didattica archeologica innovativa e capace di approfondire tematiche di vita quotidiana antica.

Infine la nascita di un laboratorio di restauro interno, che permetterà di monitorare lo stato di conservazione del materiale e di intervenire tempestivamente, ma anche di svolgere attività didattiche per bambini per lo sviluppo della manualità o corsi di formazione per adulti. 

Quali le potenzialità del rinnovato Museo Paleontologico e della sua Accademia? Fortissime in ambito didattico, vista la possibilità e l’ambizione di proporre numerose attività anche in orario extrascolastico per bambini e famiglie; a questo si aggiunge la certezza dell’appeal turistico che la storia naturalistica di un territorio può avere soprattutto all’estero.

Informazioni e prenotazioni

Tel 055-981812 tel/fax 055-981227

www.accademiadelpoggio.it

Ufficio stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo

Tel. 049.663499; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Giovanni Frangi: Lotteria Farnese a Napoli

Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli

Comunicato Stampa

Venti teleri su stoffa di Frangi al Museo Archeologico Nazionale di Napoli

Un gioco di sguardi come in una lotteria 

Lotteria Farnese è il titolo della nuova mostra di Giovanni Frangi (Milano, 1959) che si inaugura il 14 novembre alle 18,30 presso la prestigiosa sede del Museo Nazionale Archeologico di Napoli. 

La mostra sarà ospitata al primo piano del Museo nella Sala della Meridiana - particolare anche per le sue grandi dimensioni - dove è esposto il famoso Atlante Farnese.

In passato alle pareti della sala era appeso il famoso ciclo degli arazzi D’Avalos che ora si trova al Museo di Capodimonte. La battaglia di Pavia (1525), a cui il ciclo è dedicato, costituì il momento decisivo delle guerre che videro fronteggiarsi per il dominio sulla penisola italiana Francesco I di Valois, re di Francia, e l’Imperatore Carlo I d’Asburgo. La serie di arazzi è stata eseguita probabilmente tra il 1528 e il 1531 da Bernard Van Orley, celebre pittore e cartonista di arazzi e vetrate del primo Cinquecento. Nel 1862 Alfonso d’Avalos donò l’intera raccolta allo Stato italiano.

Giovanni Frangi, pur non essendo a conoscenza di questo passaggio, per uno strano segno del destino ha realizzato per questa sala un ciclo di lavori come se fossero appunto arazzi. Venti grandi teleri dai colori diversi, alti tre metri e lunghi sei, che invece di essere cuciti sono disegnati su stoffa. 

Appesi su strutture di ferro autoportanti, i teleri sono disposti nella Sala della Meridiana in maniera disarticolata. Questo rappresenta per Frangi una scommessa. Non esiste un punto di osservazione che comandi sugli altri. I colori dei tessuti cuciti e il segno aspro ci portano in una dimensione artificiale in cui le immagini sembrano riflettersi tra loro. La casualità della posizione di questi stendardi nell’ambiente crea un gioco imprevedibile di sguardi. Mille possibilità di risultati diversi proprio come in una lotteria. 

Questo inedito lavoro ha avuto una prima prova generale presso il Maxxi di Roma in occasione della mostra personale Mollate le vele del maggio scorso. Per la Sala Corner Frangi aveva realizzato un’installazione in cui, con alcune sculture, erano esposti due grandi teleri appesi alle colonne della sala. Massimo Recalcati aveva scritto: “La natura fatta a pezzi, sdoppiata, sbriciolata come piccoli scogli catramosi sparsi sul pavimento? Strappata come le vele appese? Ridotta alla linea del disegno che segue i contorni del paesaggio? E’ quello di Frangi un gesto nichilistico? No, certamente. Non è questo che si tratta. Qui ritroviamo la linea poetica più decisiva della sua opera che è quella di un corpo a corpo con la natura e con l’infinito che in essa abita misteriosamente.”

In occasione della mostra sarà pubblicato un volume con le immagini dell’installazione e testi di Michele Bonuomo e Aurelio Picca

Aperto dalle 9 alle 19,30 Chiusura settimanale martedì

Museo Archeologico Nazionale 

Piazza Museo Nazionale, 19, 80135 - Napoli Tel. 039.081.4422149

Ufficio stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Ufficio Stampa e P.R. :

Soprintendenza per i Beni Archeologici Napoli, Ornella Falco Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. – Vittorio Melini Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. tel. 081.4422275

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Premio Gruppo Euromobil under 30 raddoppia ad Arte Fiera

GRUPPO EUROMOBIL AD ARTE FIERA 2015

con la nona Edizione del 

Premio Gruppo Euromobil under 30

Euromobil main sponsor di Arte Fiera.

Il Premio Gruppo Euromobil under 30 raddoppia

Decisamente cresciuto in autorevolezza, alla nona edizione il Premio Gruppo Euromobil under 30 definitivamente raddoppia. 

Dopo il positivo “numero zero” dello scorso anno, è infatti definitiva la scelta di affiancare al tradizionale Premio conferito dalla Giuria di esperti, un secondo riconoscimento assegnato direttamente dal pubblico. Risulterà vincitrice di questo ulteriore Premio Speciale del Pubblico l’opera (e quindi l’artista) che avrà ottenuto il maggior numero di voti dai visitatori ad Arte Fiera assommati ai voti che chiunque potrà assegnare visionando le immagine delle opere in concorso pubblicate sul sito www.gruppoeuromobil.com

Il Premio della Giuria, come di consueto, si concretizzerà nell’acquisizione della opera vincitrice che arricchirà le collezioni di Gruppo Euromobil.

Non muta l’ambito di indagine del Premio fondato e voluto da Gaspare, Antonio, Fiorenzo e Giancarlo Lucchetta, titolari del Gruppo Euromobil e collezionisti d’arte. Potranno concorrervi le opere di artisti under 30 presentate dalle diverse gallerie ad Arte Fiera. Anche il successo di questa manifestazione ha stimolato quest’anno i curatori di Arte Fiera a potenziare il settore “Nuove Proposte” riservato esclusivamente alle gallerie specializzate nei giovani artisti.

Accanto al Premio, va segnalato ancora una volta che, il Gruppo Euromobil, con i marchi Euromobil cucine, Zalf mobili e Désirée divani leader nei sistemi e complementi d’arredo, sarà main sponsor della Fiera Bolognese. I fratelli Lucchetta incontreranno i visitatori, i galleristi e gli artisti nel proprio spazio “I luoghi dell’arte, I luoghi del design” dedicato a selezionati prodotti di design oltre che alle precedenti otto edizioni del “Premio Gruppo Euromobil under 30”.

La prima edizione del Premio ha visto vincitore l’artista Jakub Nepras della Repubblica Ceka, la seconda edizione ha premiato l’italiano Paolo Maggis, la terza edizione ha invece premiato l’artista tedesco Lars Teichmann e la quarta l’inglese Rob Sherwood, mentre la vincitrice della quinta edizione è stata l’artista italo libica Adelita Husni-Bey . La sesta edizione è andata a Nebojsa Despotovic e, infine, la settima (2013) ex aequo a due artiste italiane: Margherita Cesaretti e Valentina Miorandi. La più recente edizione, ovvero quella dello scorso gennaio 2014, ha visto il Premio della Giuria assegnato a Nazzarena Poli Maramotti, artista presentata dalla Galleria di Brescia A+B Contemporay Art, con l’opera Onhe title. Il Premio del Pubblico Gruppo Euromobil Under 30 ha invece privilegiato 1638-1983 Construction di Emmanuele de Ruvo.

La Giuria del Premio Euromobil 2015 è così composta: Gaspare, Antonio, Fiorenzo e Giancarlo Lucchetta, titolari del Gruppo Euromobil e collezionisti d’arte, Claudio Spadoni e Giorgio Verzotti, direttori artistici di Arte Fiera, Beatrice Buscaroli critico d’arte, Aldo Colonetti, direttore scientifico IED e Cleto Munari, designer. Segretario della Giuria: Roberto Gobbo

Il conferimento del Premio della Giuria si terrà sabato 25 gennaio alle ore 16,00 nello spazio “I luoghi dell’Arte, I luoghi del design” Hall 25 di Bologna Fiere.

www.gruppoeuromobil.com

Ufficio Stampa:

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AAA Mostre offresi ad organizzatori - 50 proposte da Anonima Talenti

AAA. 50 mostre offresi. Belle e non care

Anonima Talenti mette on line il catalogo delle sue mostre

www.anonimatalenti.com

“Non so fuori Europa ma, a quanto mi risulta, nel nostro continente una iniziativa come la nostra ancora non esiste”. Ad affermarlo è Cesare Bernardi, fondatore e patron di Anonima Talenti, la società che ha messo on line il proprio catalogo di mostre. Tutte di sua creazione, tutte disponibili, tutte a costo limitato.

Va chiarito che non si tratta di mostre formate da pannelli fotografici o da riproduzioni o da apparati multimediali, ma di esposizioni di opere originali, importanti, con curatori di fama e comitati scientifici di livello nazionale e spesso internazionale. Di mostre, quindi, ad alto contenuto scientifico, con opere di grandi maestri del passato o del contemporaneo storicizzato, destinate ad attrarre un pubblico ampio e assolutamente in grado di confrontarsi con il giudizio critico. Mostre molto serie e di qualità, insomma.

Anonima Talenti vanta una grande tradizione di gestione di eventi di livello in Italia e all’estero. Sono più di 150 le grandi e medie esposizioni di cui Cesare Bernardi e la sua agguerrita squadra di collaboratori si sono occupati negli ultimi 22 anni, in più di 50 musei e sedi espositive italiane. Sino ad oggi Anonima Talenti si limitava ad offrire i suoi servizi che spaziavano, e continueranno a farlo, dalla segreteria organizzativa, gestione servizi, comunicazione, alla organizzazione di mostre “chiavi in mano”. Ora la società riminese ufficializza anche la fase propositiva, offrendo progetti per grandi mostre e, se di interesse dell’acquirente, anche la loro gestione parziale o completa.

“Ci siamo resi conto - dichiara Bernardi - delle difficoltà da parte di molte amministrazioni a ideare e gestire, al proprio interno, eventi espositivi di richiamo, soprattutto se a cadenza annuale. Le strutture interne necessitano di tempi medi per pensare, finanziate e gestire una loro mostra. Mediamente almeno due anni. Mentre stanno lavorando alla concretizzazione dei loro progetti, gli spazi espositivi non possono restare vuoti e non possono nemmeno accogliere mostre raccogliticce o “di giro” che comprometterebbero l’immagine che la sede si è conquistata. Ecco la nostra proposta di mostre di elevata qualità, personalizzabili rispetto ad esigenze e strategie territoriali, che richiedono l’impegno di direttori o funzionari soprattutto nella fase di condivisione e personalizzazione del progetto, sgravandoli però da tutto il resto. Definito cioè il contenuto della mostra, di tutto il resto ci occupiamo noi.

Altra caratteristica è il costo molto contenuto dei nostri progetti. Lo possiamo garantire perché lavoriamo contemporaneamente su diversi fronti, il che comporta un consistente abbattimento di oneri: puntiamo sull’essenziale, attenti però anche all’importanza della ”confezione” delle mostre. 150 eventi gestititi in 20 anni di esperienza ci consentono di evitare errori e futilità che spesso appesantiscono inutilmente il costo di altre mostre”.

Ma cosa offre il catalogo Anonima Talenti? Sfogliandolo si possono consultare più di 40 proposte che, però, diventano almeno una cinquantina giocando su ulteriori mostre che possono, ad esempio, derivare dal confronto di due artisti qui proposti in monografiche. 

Ce n’è per tutti i gusti. Dai massimi esponenti della storia dell’arte italiana tra Quattrocento e Settecento, al nostro grande Ottocento e al Novecento dei grandi maestri, con fughe anche verso artisti viventi già consolidati. Il catalogo di Anonima Talenti attinge sia a collezioni private (Collezione Cavallini-Sgarbi, Collezione Scudo, Collezione Reverberi, ad esempio) sia a un nucleo di pinacoteche e musei italiani di rilievo. Tra le proposte, l’intera Collezione Brandi o i magnifici fiamminghi della Collezione Spannocchi, entrambe patrimonio dei musei senesi, i capolavori della Pinacoteca dell’Accademia dei Concordi di Rovigo o monografiche raffinate e colte, come quelle sul Trecento Senese o su artisti tutti da scoprire come Leonello Spada, detto la “Scimia del Caravaggio” o il bavarese Ignazio Stern, maestro del barocco molto attivo in Italia, o ancora Marco Marchetti che operò accanto al Vasari in Palazzo Vecchio. Sul fronte del Novecento, Anonima Talenti propone importanti monografiche su diversi maestri: Morandi, Campigli, Guttuso, de Chirico, Mattia Moreni, Echaurren, Sebastian Matta, Agenore Fabbri, Mino delle Site, raffinato futurista, e altri ancora. Oltre a collezioni di rilievo, tra le quali quella della Fondazione Venezia.

Estesa l’offerta di mostre di disegni, fotografia e grafica. Spiccano tra esse un Le Courbousier del tutto inedito e una grande antologica di Franco Fontana.

Di notevole pregio le mostra dedicate alle arti applicate: Gio Ponti per Richard Ginori, ad esempio, o una collezione di vetri da mensa o ancora un raffronto tra ceramiche e vetri, opere firmate da Giovanni Gariboldi e Paolo De Poli.

“Mostre in grado, credo - afferma Bernardi - di soddisfare anche palati difficili e attenti, com’è giusto siano quelli di coloro che negli enti e nelle istituzioni hanno il compito di programmare le stagioni d’arte. Ma soprattutto mostre belle, in grado cioè di attrarre e piacere al pubblico”.

Il catalogo può essere consultato su www.anonimatalenti.com

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Turin ARTISSIMA Art Week

ARTISSIMA, ranked 5th among Skate’s Art Market Research list of 30 top international art fairs, opens its doors on November 7th at Oval-Lingotto, Torino. The fair pursues intense and specific work both within Italy and overseas with the aim of bringing the most established galleries that resonate with the spirit of the event to Torino. Therefore all the cultural institutions in town host special events or exhibitions to mark the week.

The other main highlight of the week will be One Torino, a "multi-site museum" project involving art institutions and foundations representing local cultural and contemporary excellence throughout Torino, presented within a unique and spectacular site-specific project. Shit and Die , curated by retired artist Maurizio Cattelan (b.1960, Padova) flanked by Myriam Ben Salah and Marta Papini – has imagined a very special exhibition in the evocative location of Palazzo Cavour.

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo presents three exhibitions. Beware Wet Paint is a group show that explores the latest trends in international painting. This main exhibition will also have two satellite events, one focusing on the work of a young painter, David Ostrowski (b.1982, Cologne) and the other on the long-established artist, Isa Genzken (b.1949, Bad Oldesloe).

Fondazione Merz presents Todestriebe, a project by Masbedo based on the theme of lack of communication and involving different languages, topics, and subjects both in terms of creativity and city venues. The project revolves around the exhibition at the Fondazione and features 9 video works, some of which are site specific while others span the last ten years of the artists' production.

At Castello di Rivoli the exhibition Manifest Intention. Drawing In All Its Forms focuses on drawing in its various forms and modes of expression: from everyday and self-controlled practice to elements of analysis and creative outlets, from a means of communication to the need to express.

GAM Torino presents an important exhibition devoted to works on paper and large paintings by Roy Lichtenstein the undisputed master of Pop Artist; 235 works are being shown in Italy for the first time, thanks to the close cooperation with the Estate and the Roy Lichtenstein Foundation.

Finally another fair will be held during the week: The Othersis open to all the operators – both profit or non-profit – which deal on a continuous basis with programs dedicated to young artists. Also galleries born after January 1st 2009 and – irrespectively on their opening date – non-profit centre's, associations and foundations, artists or curators collectives, artist- run-spaces, publishing projects, art awards, residences for artists, art schools and academies, bookshops which deal with art, spaces dedicated to young, self-produced design and artist graphics.

Museums, galleries and art spaces will celebrate Artissima's week with a late opening(until midnight) on Saturday November 8th.

For more information, check out My Art Guides' Special Focus, dedicated to theARTISSIMA Art Week.

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Giuliano Giuliani, mostra prorogata all'8 gennaio 2015

Mostra a cura di Stefano Papetti

Ulteriori informazioni ed immagini: www.studioesseci.net

Comunicato stampa

La città di Ascoli Piceno rende un omaggio importante allo scultore marchigiano Giuliano Giuliani (Ascoli Piceno, 1954). Ad ospitare un’ampia selezione dei suoi lavori è il Forte Malatesta di Ascoli che, con la sua scabra potenza, offre una ambientazione ideale ad accogliere le pietre che l’artista ha piegato alla loro nuova natura.

Il primo paesaggio di Giuliani, ove negli anni Settanta egli ha formato il suo laboratorio d’immagine, è stato certo quello della cava di famiglia, nell’entroterra marchigiano. Può dirsi che quell’alba del suo fare gli sia rimasta lungamente nell’animo: ad essa egli è stato ed è fedelmente avvinto, serbandone gelosamente i valori ideali e fattuali: dal che deriva in prima istanza la peculiarità della sua opera. Da allora – e poi sempre – il suo materiale d’elezione è stato il travertino, con le sue forre profonde e le sue improvvise rivelazioni; solo raramente Giuliani ha avvertito l’urgenza di aggiungere alla pietra che ha scavato qualche elemento estraneo: gessi o materiali diversi, sempre attinti dalla natura.

L’opera di Giuliani non è stata tuttavia un’esperienza tutta in sé raccolta e tetragona alle suggestioni della ricerca plastica contemporanea: in realtà il suo fare è figlio di un vasto scrutinio dei vertici della scultura internazionale del secolo XX, a cominciare dal suo primo amore per Brancusi. Dopo quella lontana suggestione, egli ha ripensato gli esiti della ricerca di Henri Moore al tempo dell’incontro fecondo con il surrealismo; quindi è la ricerca degli anni Quaranta e Cinquanta di Arp a sedurlo: quella volontà, in particolare, tante volte dichiarata dall’artista alsaziano di dar vita con la sua scultura a forme che, prossime ad una nuova nascita, conservino però il sentore del grembo, senza ripetere nessuna forma già esistente. Attraverso Arp, orienta infine Giuliani, soprattutto in certi suoi passaggi d’anni Novanta, l’opera di Alberto Viani. 

Da fonti diverse, dunque, oscillanti fra ricerche d’ordine astratto e suggestioni umanistiche, muove Giuliani. Del quale forse troppo spesso, all’opposto, s’è sottolineata soltanto la vocazione a una separatezza, nell’eremo dei monti marchigiani, che se è certo reale condizione d’esistenza, e rispecchia una vocazione profonda dell’animo, non ne ha impedito uno sguardo largo e consapevole dato oltre, e ben oltre, quei suoi confini. 

L’esposizione ascolana è organizzata dal Comune di Ascoli Piceno, in collaborazione con l’Associazione Mario Giuliani Onlus, ed è curata da Stefano Papetti, responsabile scientifico delle raccolte museali di Ascoli Piceno. L’allestimento della mostra è progettato e curato dallo scenografo Graziano Gregori. La mostra raccoglie un’ampia selezione di opere, alcune di dimensioni rilevanti, dagli anni Novanta alla sua ultima produzione. 

In mostra verranno presentate anche le fotografie in bianco e nero realizzate da Mario Dondero, che documentano l’artista al lavoro e alcune delle sue opere negli ambienti suggestivi della cava dove Giuliani da sempre lavora. 

Un’ampia monografia sull’artista, a cura di  Paola Bonani e Fabrizio D'Amico, verrà pubblicata in occasione della mostra. Il volume raccoglierà le testimonianze di Giuseppe Appella, Mario Botta, Eugenio De Signoribus, Antonio Gnoli, Franco Marcoaldi, Paolo Mauri, Tullio Pericoli, Davide Rondoni; i saggi critici di Mariano Apa, Paola Bonani, Fabrizio D’Amico; le fotografie di Mario Dondero, oltre le immagini di tutte le sculture in mostra al Forte Malatesta. Il volume è edito da Lubrina Editore, Bergamo, con la cura editoriale di Arialdo Ceribelli.

Info: www.giulianogiuliani.it

Ufficio Stampa: Studio ESSECI, Sergio Campgnolo www.studioesseci.net, Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. tel. 049663499

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TEFAF 2015 aggiunge Nightfishing - una nuova sezione d'autore

TEFAF 2015 AGGIUNGE NIGHTFISHING - UNA NUOVA SEZIONE D’AUTORE

TEFAF Maastricht 2015, 

· nuovo spazio con curatela d’autore

· Nuova Hall d’ingresso

· Art Symposium

· TEFAF Hotel Alliance

TEFAF Maastricht si terrà al MECC, Maastricht dal 13 al 22 marzo 2015

Un nuovo progetto all’interno della sezione TEFAF Modern – Night Fishing

Farà la sua comparsa a TEFAF 2015 Night Fishing, una mostra che si comporrà di opere di artisti postmoderni e contemporanei concepita per completare la sezione TEFAF Modern. Gli artisti saranno scelti sulla base di un corpus di lavori che fa riferimento storico ed artistico agli oggetti esposti in fiera che, complessivamente, rappresentano oltre 7.000 anni di storia dell'arte. TEFAF ha invitato Sydney Picasso, scrittrice e collezionista a curare la prima edizione di questa nuova area. Si è scelto, per questo primo progetto, di focalizzarsi sulla Scultura. La scultura infatti è oggi al centro di una ri-definizione e Sidney Picasso prevede di utilizzare canoni post-moderni e contemporanei per riesaminare la scultura tradizionale. La mostra sarà intitolata “Night fishing” (la pesca notturna), in riferimento all’antica tecnica dei pescatori che usavano una lampada per attrarre i pesci in superficie durante la notte e al famoso dipinto di Picasso del 1939, Pesca notturna ad Antibes che si trova nella collezione del MoMA di New York. Il concept della mostra sottolinea la ricchezza di oggetti che si possono trovare nelle varie sezioni della Fiera, dall’Archeologia all’Arte medievale e le armi, e mira a stimolare la comprensione e visione dei visitatori sulla produzione contemporanea e viceversa.

Saranno invitate dieci gallerie ad esporre un solo artista ciascuna in un’area allestita ad hoc. Sydney Picasso, di concerto con gli espositori, curerà il modo in cui le opere verranno presentate.

Nuova Hall d’ingresso

La Hall d’ingresso a TEFAF è la primissima cosa che i visitatori vedono e sperimentano della Fiera. La metafora “Palazzo delle Arti” è stato il punto di partenza per un completo re-design della hall ad opera dello studio TPD di Tom Postma. Il nuovo progetto impiegherà giochi di luci su differenti materiali con texture trasparenti e traslucide.

Questo volume trasparente farà da “tela” per uno speciale gioco di luci. Il light-design sarà pertanto fondamentale e sarà sviluppato in collaborazione con Pieter Huijgen, capo del dipartimento Luci dell’Opera Nazionale olandese.

Tom Postma della TPD ha così osservato: “ è nella Hall d’ingresso di TEFAF che le persone compiono la transizione dalla vita normale alla magia e al mistero dell’arte. Per consentire che avvenga questo processo l’ingresso deve diventare qualcosa di spettacolare, qualcosa davvero fuori dell’ordinario..”

La mostra di prestiti a TEFAF

Quest’anno la mostra di prestiti di TEFAF è intitolata Teyler’s legacy ( L’eredità Teyler). Questa mostra davvero particolare presenterà una selezione di 28 straordinari disegni dal Rinascimento al XXI secolo e sarà allestita nella sezione TEFAF Paper. Tra i capolavori della mostra opere di Michelangelo (1475-1564), Raffaello (1483-1520), Claude Lorrain ( 1600-1682) e di Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Hendrick Golzius (158..-1617); Jan van Goyen (1596-1656); Hendrick Avercamp (1585-1635) e Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669). Queste opere del XV, XVI e XVII secolo saranno messe a confronto con i disegni di artisti europei contemporanei quali Giuseppe Penone, Carel Visser, Marlen Dumas e Pavel Pepperstein.

Questa selezione di opere proviene dal Museo Teyler di Haarlem, il più antico museo dei Paesi Bassi, aperto al pubblico nel 1784.

Pieter Teyler van del Hulst (1706-1778), un facoltoso mercante di stoffe e finanziere, fu un vero e proprio figlio dell’Illuminismo, convinto che la conoscenza potesse arricchire l’umanità. Aveva un vivace interesse per le scienze e le arti e costituì immense collezioni in entrambi i campi. La sua considerevole fortuna fu per suo volere lasciata ad una Fondazione che ha per scopo stimolare l’interesse per le arti e le scienze.

Art Symposium

Il tema del collezionismo privato viene esplorato anche nel convegno annuale di TEFAF. Private goes public (da privato a pubblico), questo il titolo del convegno, guarderà alle motivazioni che spingono il collezionismo privato e quello istituzionale a condividere le proprie collezioni con il pubblico e cosa, in primo luogo, motiva i privati e le grandi aziende a dare inizio ad una collezione.

TEFAF Hotel Alliance

TEFAF hotel Alliance cerca di estendere i valori di TEFAF al di là della Fiera per migliorare l’esperienza dei visitatori. The Alliance raggruppa 18 hotel di lusso “verificati TEFAF” nella regione di Aachen-Maastricht, Colonia, Dusserdorf e Bruxelles, Amsterdam e Parigi. Ognuno degli hotel selezionati sarà in grado di offrire agli ospiti una esperienza in perfetto stile TEFAF, mettendo a disposizione un servizio Concierge per i visitatori della Fiera.

TEFAF Maastricht

TEFAF Maastricht, la più importante Fiera d'arte è famosa per il suo impegno nell'eccellenza, esperienza ed eleganza. Questo si riflette non solo nella magnifica scelta di opere che sono proposte in vendita nella Fiera, che si terrà al MEEC di Maastricht dal 13 al 22 marzo 2015, ma anche nel numero dei collezionisti d'arte sia privati che istituzionali che guardano a TEFAF come ad un evento assolutamente da non perdere nel calendario del mercato dell' arte. 

L’arte, più di un bene

TEFAF condivide con AXA ART, suo sponsor principale, la visione dell’arte come un qualcosa più importante di un bene. La loro partnership fornisce ai collezionisti d’arte un’esperienza ineguagliabile che copre l’intera gamma di prevenzione del rischio, la conservazione, il recupero ed il restauro, per metterli in grado di mantenere le loro collezioni nelle migliori condizioni possibili. www.axa-art.com 

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Burri incontra Piero Della Francesca

Sansepolcro, Pinacoteca Civica

Il centenario “lungo” della nascita di Alberto Burri entra nel vivo con due mostre di grande suggestione che pongono vis-à-vis il grande maestro del Novecento con due colossi del passato: Piero della Francesca e Luca Signorelli. 

Gli incontri avverranno attraverso due successivi appuntamenti, per dar conto di taluni fattori che, pur in personalità così diverse e lontane, non fosse altro che per le temporalità, si possono comunemente individuare. Lontane per tempi ed esiti iconografici le loro opere dunque, ma vicine geograficamente e per umori di tradizione culturale, poiché i tre artisti hanno vissuto e compiuto le loro esperienze nella stessa area dell’Alta Valle del Tevere. Inoltre, se la geografia da sola non è sufficiente a garantire assonanze e un comune sentire, in questo caso però è oggettivo che l’interesse di Burri nei confronti dei suoi conterranei, conosciuti sin dalla giovane età per la “prossimità” delle loro opere con Città di Castello, luogo natale e di prima formazione del maestro contemporaneo, non è risultata ininfluente sul suo percorso artistico. 

Il primo dei due appuntamenti è quello tra le opere di Burri e quelle di Piero della Francesca e lo si attua con una mostra di 'masterpieces' di Burri allestita nella Pinacoteca Civica di Sansepolcro, città di Piero. Per la circostanza saranno esposte le opereSacco e Verde, 1956, Rosso plastica, 1962, Grande Bianco Cretto, 1974, Cellotex, 1975, in una sala appositamente allestita vicino alla Resurrezione, il San Ludovico, il San Giuliano e il Polittico della Misericordia di Piero della Francesca.

Concepita come ‘visitazione laica’ (dunque “RiVisitazione”) tra i due artisti, la mostra evidenzia idealmente il rapporto tra la pittura di Burri e quella di Piero della Francesca. “Un rapporto – chiarisce Bruno Corà, che della mostra è curatore insieme allo staff scientifico della Fondazione Burri - che deve essere inteso idealmente per condivisione di registri, quali l'equilibrio delle forme e dello spazio, la tensione geometrica, il respiro classico e un forte amore per i luoghi natali».

L'evento, primo tra quelli dedicati al Centenario, a cura della Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri è promosso dall’Associazione Sbandieratori di San Sepolcro e dalla Pinacoteca Civica, con il patrocinio dei Comuni di San Sepolcro e di Città di Castello. Alla preparazione della manifestazione hanno dato il loro attivo contributo la Soprintendenza per i Beni Architettonici e per il Paesaggio, per il Patrimonio Storico Artistico e Etnoantropologico della Provincia di Arezzo. 

In occasione dell’esposizione è prevista la preparazione di una pubblicazione che, oltre a raccogliere le immagini delle opere in mostra, reca alcuni significativi saggi storico-critici di Carlo Bertelli, Bruno Corà e Chiara Sarteanesi relativi all’importante scadenza.

Il secondo incontro, avverrà a Morra (Perugia) nell'Oratorio di S. Crescentino, dove sono presenti alcuni affreschi di Luca Signorelli per la cui tutela e conservazione Burri si adoperò concretamente. 

Questa nuova iniziativa, in collaborazione con l'Associazione per la Tutela dei Monumenti dell'Alta Valle del Tevere, prevista per il maggio 2015 avverrà nella cornice di un convegno scientifico dedicato a “Burri e Signorelli”, ricco di contributi di studio e di documenti a testimonianza della significativa relazione tra i due artisti.

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My Art Guides - Inside the Hong Kong protest

United in Creativity

Three artists based in Hong Kong, Yeung Yang (Founder and executive director of soundpocket), Nuria Krämer (Head of Connecting Space Hong Kong) and Jaffa LaamLam (Senior Lecturer at Hong Kong Art School), share their insights of the recent student-led protests across Admiralty, Causeway Bay and Mongkok in Hong Kong.

The street slogan "If not us, who? If not now, when?" has come with umbrellas, yellow ribbon, black t-shirts as well as the incessant social media feeds with hashtags #umbrellarevolution and #hkclassboycott across the city — voicing out support for the demands by Hong Kong Federation of Students and Scholarism against the decision of the PRC government and police violence with pepper spray and other weapons towards unarmed students described as being nice and polite.

"Many different forms of artistic intervention and actions (performances in public space, exhibitions and film screenings, just to name a few) have been taking place to draw the attention of the population to the debate on the use of public space, the wish to achieve universal suffrage and the freedom of speech," says Krämer.

Calling such actions "very necessary" in keeping the definition of public space open to the people who constitute it, Krämer testifies that no other ways seem in sight to give voice to a public need — and because civil disobedience has to been seen in relation to given rules. As she notes, despite the strongly regulated public space limiting its predefined actions, the natural creativity of inhabitants in Hong Kong to appropriate public spaces for different meanings can inspire artists as well.

"I like to look at public space not as a given space but as a negotiable space of action asking for its different layers of significance."For example, local artspace Woofeten's booth during Occupy Mongkok has been about supporting neighbouring local shops instead of shopping malls and big brands. Another street project Stand By You: 'Add Oil' Machine, projected messages from the public through a website against walls and LED display. There have also been street performances and creative hacks by art students from the City University, for example, whose installation outside the Government Headquarter has taken the form of an umbrella tree sculpture.

Indeed artist Kacey Wong, with his previous pink tank and giant caonima (Grass Mud Horse) in support of Ai Weiwei and other current issues, described this as a "war on culture" which the winners will keep their way of culture — and that Hong Kong people deserve better.

While organising the Umbrella Revolution Logo Competiton, Wong has been speaking at his very own mobile classroom in Causeway Bay and Admiralty, calling into mind the exhibition Disobedient Object at V&A Museum in London which includes protest props from 1970s onwards that speak of beauty, truth, and of course a visual angle to the essence of social problems. Wong believes that being "big, lightweight and clear" as the art of protest, all creative individuals empowered with design skills and craftsmanship are able to develop interactive, mobile sculptures embedded with artistic meanings.

Inside Hong Kong protest: Nuria Kramer and Yeung Yang

United in Creativity - Part 2

Moving to Hong Kong about 6 months ago, Ms. Nuria Krämer (Head of Connecting Space Hong Kong) has gradually discovered the city from very personal points of view of the artists she met on the way.

"I really would like to encourage Hong Kong people and artists to keep on doing as they did until now. Go on with this respectful, but very self-confident way to express the visions of a possible future society in Hong Kong," she says.

She believes that artists have the capacity to capture and give form to continuously complex changing settings — and artists' roles regarding recent events in Hong Kong have been indispensable.

"The power of art is to take into the frame of experience what otherwise is difficult to grasp. The value of art could therefore be seen in the creation of settings where these forms can conflict, provoke discussion and be experienced."

"We need to render explicit our differences and understandings, in order to move the debate further in a fruitful way."

Dr Yeung Yang (Founder and executive director of soundpocket; supporter of Art Citizens) believes that for such a movement to be possible, artists in their double capacities as citizens and artists would already have contributed prior to it: for striving to be in the world in more vibrant ways, for sharing ideas, skills and tasks, for seeking the truth in their art, and for insisting that we keep imagining possible lives, possible worlds that are to survive us.

She recalled the remark by independent curator Simon Njami that artists share a quality of silence as their inner language which would allow different background of artists and visions of the world to appear. And these are the supporting acts that may not be visible in the 'space of appearance' in the political actions (Judith Butler citing Hannah Arendt in Bodies in Alliance and Politics of the Street), but immanent as ways that artists are free.

"Artists could lend their sensitivity to the aesthetics of the politics by identifying it, and offering understanding, interpretation and articulation. Their capacity in attending to details is vital to our appreciation of the grain and rhythm of human action.

(The above quotes reflect the personal opinion of the interviewees and not the stance of their respective organisations.)

Part 3

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  • Photo credits:
    1. One of the banners out on the street at Mongkok. ©Yeung Yang; 2. Yellow ribbon tied on streets, MTR train carriages and other public places in support of students. ©Yeung Yang

Inside Hong Kong protest: Jaffa Laam Lam

United Creativity - Part 3

The interview with Ms. Jaffa Laam Lam (Senior Lecturer at Hong Kong Art School) took place on the same day as the annual show Fine Arts Asia opened in Wanchai and students at Occupy Mongkok started to get physically and verbally attacked by Anti-Occupy protesters on 3 October 2014.

In Lam's artwork titled Gold Attacks! presented as a curated exhibition AntiqCuTe at the fair, one would find a traditional Chinese–style chamber pot on a spring-board. This "art-world exercise", as Lam describes, involved much research and presentation to convince fair organisers — and it got sold already on the first day.

Yet there is one significant visual clue left out from the artist statement for the Chinese-speaking visitors to prove its link to the recent events.

Outside on the streets with the programme Umbrella Everywhere!, she has joined forces with her long-time friend, artist-researcher Wen Yau and a group of artists for the idea that "everyone can occupy a small area with an umbrella by writing down thoughts on top and open it everywhere".

Lam's long-time collaboration with ladies from the Hong Kong Women Workers' Association, including her recent installation at the newly-completed the Jockey Club Innovation Tower at the Hong Kong Polytechnic University, has indeed taken the umbrella as a motif in her artist- led workshops- and umbrellas again appeared at in her installation Home at Setouchi Triennale in Japan. Yet she refuses to consider this event as any artwork at all.

This peaceful gesture on the streets and in shopping malls around Mongkok, as she emphasises, engages passer-bys to join them to draw their thoughts on top of the umbrellas — and she keeps on drawing flowers, for example.

"With passer-bys criticising us, or saying that it is what you artists would do, we will invite them along as this is a public event and we are just citizens — the media would love to take photos of us "as artists taking the hands of children" in drawing the umbrellas, but I had to just refuse, " she laughs.

While there are creative works springing from recent events by the general public, she cannot agree that they can all be named as art — and especially the idea of herself as "artist" — since she believes that the entire campaign cannot be hijacked in this way, and that the role of citizen should come first and foremost as a shared identity.

"I would definitely hate to take advantage of this movement nor to take pride in the role as artist, given many sweat-soaked or even blood-stained efforts put in by so many others.

(The above quotes reflect the personal opinion of the interviewees and not the stance of their respective organisations.)

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  • Photo credits:
    1. The artist statement for Jaffa Laam Lam’s artwork Gold Attacks! (2014); 2. A close-up of the artwork Gold Attacks! made of enamel, stainless steel, brass, recycled wood, diving board and vas
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Korean Beauty: Two Kinds of Nature

Museum of Modern and Contemporary Art of Seoul is pleased to present its second collection special exhibition entitled Korean Beauty: Two Kinds of Nature .

The exhibition, curated by Chuyoung Lee, looks at the works of contemporary Korean art whose original sensitivity and aesthetics that emphasize the empathy with nature.

It showcases contemporary Korean artworks in various mediums including painting, traditional-style painting and sculpture chosen from the museum collection. The selection of around 140 works by approximately 60 artists, mostly from the Museum collection, reflects the original sensitivity and aesthetic of Korean art that lay emphasis on the empathy with “nature” as representing all beings in the world.

Korean Beauty: Two Kinds of Nature observes the inimitable perspectives and aesthetic senses of contemporary Korean artists. It intends to redefine the concept of Korean beauty, which has been confined only to the artifacts under the category of traditional Korean art (such as Buddhist statues, stupas, ceramics and Hanok), by casting light on the distinctive characteristics and creative aesthetic consciousness peculiar only to contemporary Korean art.

The subtitle “Two Kinds of Nature” came from the question of how Korean artists’ ideas and philosophies are embodied in their works. The exhibition aims, therefore, to open the gate of “another nature” that is created by the artists’ attitudes towards and empathies for “nature”.

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  • Open:
    Saturday, 17 May 2014
  • Close:
    Sunday, 28 September 2014
  • Address:
    30 Samcheong-ro, Sogyeok-dong, Jongno-gu, Seoul, Korea
  • Phone:
    +82 2 3701 9500
  • Web:
    MMCA
  • Opening hour:
    Tue, Thu, Fri, Sun | 10am - 6pm; Wed, Sat | 10am - 9pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    4,000 Won
  • Photo credits:
    1. Song Hyunsook, 9 Strokes, 1998, Collection of MMCA; 2. Installation View of Korean Beauty. Courtesy of National Museum of Modern and Contemporary Art Seoul
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Yokohama Triennale. ART Fahrenheit 451: Sailing into the sea of oblivion

The world (universe) is mostly filled with the black hole (or the vast and deep sea ) of the forgotten. Compared with this, the world of memory is only a small island in the vast sea of oblivion.

Yokohama Triennale 2014 will be a “voyage into the sea of oblivion.” It will make us recall things that have been inadvertently lost from our lives, things that have been perpetually forgotten by human beings, and particular things that have been lost in the contemporary age. Yokohama Triennale 2014 aims to present a story of such a voyage through the mind.

The exhibitions, with more than 70 individual artists at the two main venues, Yokohama Museum of Art and Shinko Pier Exhibition Hall, are organized like a book composed of two introductions and 11 chapters, conceived by the Artistic DirectorMorimura Yasumasa.

The Sapporo International Art Festival 2014 and the Fukuoka Asian Art Triennale are held during periods overlapping with that of the Yokohama Triennale 2014 and will “drift” to Yokohama.

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  • Open:
    Friday, 01 August 2014
  • Close:
    Monday, 03 November 2014
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +81 45 663 723
  • Web:
    Yokohama Triennale
  • Opening hour:
    10am – 6pm (Open until 8pm on Aug. 9, Sept. 13, Oct. 11, and Nov. 1)
  • Closing day:
    Aug. 7, 21 / Sep. 4, 18 / Oct. 2, 16
  • Admission:
    Adults ¥1,800; University and College Students ¥1.200; High School Students ¥800
  • Photo credits:
    1. Michael Landy, Art Bin, 2010, Installation view at South London Gallery; 2. Eric Baudelaire, The Ugly One, 2013; 3. Simon Starling, Project for a Masquerade (Hiroshima) 2010, Mask maker: Miichi Yasuo; 4. Fukuoka Michio, Why did I ever fly?, 1965-66 Photo by Fukunaga Kazuo. Courtesy of Yokohama Triennale 2014
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Rossella Biscotti: For the Mnemonist, S.

Virginia Wolf once wrote, “Lock up your libraries if you like; but there is no gate, no lock, no bolt that you can set upon the freedom of my mind.” A similar kind of conviction on the theme of imprisonment, freedom and thought is captured in the inspirational works of Rossella Biscotti.

In her exhibition, For the Mnemonist, S currently showing in Wiels, she shares with us a selection of works which deal with topics such as; state run institutions, punishment, incarcerations, liberty and the strength and fragility of mind. Her work is fired by her engagement and sensitivity towards humankind. As a conceptual artist, her creations begin by first immersing herself in tremendous research projects, tackling causes such as life time imprisonment, psychotherapy and science, then transforming her extensive research into works of art.

On entering her exhibition, we are met by Biscotti's background as a set designer. With every detail accounted for, the décor is sparse, and the stage is set to free the meanings of the works. The title of the exhibition was inspired by a case study from the Russian psychoanalyst Alexander Luria, entitled, 'The Mind of a Mnemonist: a Little Book about a Vast Memory' (1968). This book is shown beside an immense photographic study of the human brain, '168 Sections of a Human Brain' (2009-14). Originally, these photos were quite differently arranged. Biscotti discovered them in the back of a scientific journal. The photos were studies of the brain when dissected for medical studies. Biscotti, when reprinting the photos, removed the Latin names and medical terms, leaving, as it where, white spots on the brain. She printed the photos using an old technique, the gelatin silver process, mounted them on metal sheets then staged them on sleek metal tables. The photos are propped up on supports, the photo project, itself, is dissected upon the tables.

The work, 'I dreamt that you changed into a cat...gatto...ha ha ha' (2013), which she created especially for the 55th Venice Biennial, shows geometrical forms which are pressed from compost collected from Giudecca, the Women's prison in Venice. Their formation upon the gallery floor may seem to represent the foundations of the prison walls, but were actually suggested by the dream of one of the prisoners.

In preparation for her début in Venice, Biscotti spent several months with the female prisoners of Giudecca, holding dream workshops. Together, the inmates and artist shared their dreams. The evidence of which we can hear as an audio piece, voices of people which usually go unheard, have been set free in the gallery. Their fantasies and dreams are filled with hopes of love, life, and freedom, but are tainted with the confinement of the prison walls and their guards. The audio piece and the sculptures are coupled with a set of drawings of the inmates, made by the prisoner, Roberta Baseggio and a vitrine is filled with Biscotti’s recordings of the table places of the inmates for each dream session she held. There is only one photo to be seen of an inmate on day release, outside of the prison walls, smoking a cigarette. With cameras forbidden inside the walls of Giudecca, this photo is a symbol of freedom, even if only for one day.

Biscotti's inspiration for these dream workshops was her friend, Nicola Valentino, who was once a political prisoner, sentenced to life time imprisonment. He survived his sentence because of the ability to dream and to share his dreams with his other inmates. Valentino also inspired another great work of Biscotti, 'The Prison of Santo Stefano' (2011-13). For this work, Biscotti visited the prison which was built on an island as a fortress of seclusion, and for society's problems to be forgotten. She shipped lead plates to the Island of Santo Stefano where they were hammered into thin sheets upon the floors of the prison, embossing and scarring the metal with the details of prison life. Similarly to the compost formations from Giudecca, the lead plates were transported out of the fortress. Both are representations of the forgotten and the unseen prisoners.

Biscotti wanted to remember the anonymous prisoners who were buried unnamed. Together with Valentino and other volunteers they started a movement, Liberi dall'ergastolo, 'Free From Life Imprisonment'. They began an annual action to plant flowers at the graves of the forgotten prisoners, commemorating their lives. In the exhibition, beside the lead works, there are two film pieces of their activities on Santo Stefano. The unveiling of the hidden and the suppressed emerges throughout her works. She reveals the truths behind such institutions as the justice system, in her work 'Il processo/The Trial' and psychoanalysis in 'Yellow Movie'. Rossella Biscotti is providing us with an insight into the unseen. Like a mind map, her exhibition unfolds, elaborates, reveals, informs, and inspires.

If you would like the chance to hear Rosella Biscotti discuss her work in person, she will be present at the finissage in Wiels, in conversation with the curator and artistic director of Wiels, Dirk Snauwaert. You may seize the opportunity to learn more about her works, as we wait, curious to discover, what will be next?

  • Artists:
    Rossella Biscotti
  •  
  • Open:
    Wednesday, 28 May 2014
  • Close:
    Sunday, 17 August 2014
  • Address:
    WIELS, Contemporary Art Centre, Avenue Van Volxemlaan 354, 1190 Brussels
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +32 2 340 00 53
  • Photo credits:
    Rossella Biscotti: For the Mnemonist, S." at WIELS, Brussels, 2014. Photo by Sven Laurent
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Lorenzo Vitturi: Dalston Anatomy

The Photographers’ Gallery presents the first major UK solo exhibition of Italian artistLorenzo Vitturi’s acclaimed body of work Dalston Anatomy. First published as a book in 2013, this multi-faceted project centres around East London’s Ridley Road Market. As a local resident Vitturi witnessed the community, economy and the very make-up of this street market being transformed at an accelerating pace.

The project stems from his compulsion to collect and distill the area’s distinctive nature before it is gentrified beyond recognition. Vitturi began creating makeshift sculptures in his studio from objects found in the market including fruits, vegetables, fabrics and miscellaneous tokens and trinkets. Some objects were used as found, others left to mature or rot and some doused with pigment.

The objects were arranged into various compositions and set against the backdrop of discarded market materials. Photographed before, and occasionally after their collapse, the ephemerality of these structures mirrors the daily rhythm of the market.

As Vitturi said: Dalston Anatomy is a visual ode to Dalston, as a unique place where different cultures merge together in a celebration of life, diversity and unstoppable energy. I felt compelled to capture this place at its rawest and most beautiful with all its flaws and smells before it too is transformed and disappears altogether, as time moves ever forward.

Lifting materials directly from the market stalls into the Gallery, Vitturi will reconfigure them to create a unique space which functions as a sculptural work in its own right. Dalston Anatomy will feature over thirty images which will either be directly adhered to the wall, placed on shelves or hung on bespoke mounting panels made from reclaimed materials. In addition to the images, the exhibition will also include three sculptural pieces which recall the market stalls and temporary makeshift objects as well as the cultural diversity and precarious condition of the changing neighbourhood.

  • Artists:
    Lorenzo Vitturi
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  • Open:
    Friday, 01 August 2014
  • Close:
    Sunday, 19 October 2014
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    The Photographers’ Gallery
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    Mon – Sat | 10am – 6pm; Thu | 10 – 8pm; Sun 11.30am – 6pm
  • Admission:
    Free
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    1. Lorenzo Vitturi, Hairy orange, yellow balloons and rotten camote #2 from the series Dalston Anatomy, 2013 ©Lorenzo Vitturi, Courtesy of the artist; 2. Lorenzo Vitturi, Multicolor #1 from the series Dalston Anatomy, 2013 ©Lorenzo Vitturi Courtesy of the artist; 3. Lorenzo Vitturi, Yellow Chalk #1 & 2 from the series Dalston Anatomy, 2013, ©Lorenzo Vitturi, Courtesy of the artist
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Al MAN di Nuoro, Giacometti e l'arcaico

a cura di Pietro Bellasi e Chiara Gatti

«Tutta l'arte del passato, di tutte le epoche, di tutte le civiltà, apparve davanti a me. Tutto era simultaneo, come se lo spazio avesse preso il posto del tempo».

Comunicato stampa

Il Museo MAN di Nuoro annuncia, per il prossimo autunno, la mostra «Giacometti e l'arcaico». 

Curata da Pietro Bellasi e Chiara Gatti, la mostra, ricca di una settantina di pezzi, svelerà al pubblico il grande fascino che la statuaria d'epoca antica, egizia ed etrusca, greca, sumera o africana, esercitò agli occhi del maestro del Novecento celebre per le sue figure in cammino, le donne immote e silenziose come idoli del passato. 

«Tutta l'arte del passato, di tutte le epoche, di tutte le civiltà, apparve davanti a me. Tutto era simultaneo, come se lo spazio avesse preso il posto del tempo». Da questa confessione straordinaria nasce l'idea di restituire ai capolavori di Alberto Giacometti (1901-1966) la loro dimensione d'eternità, avvicinando alle sue sculture sottili e longilinee, scavate nella materia come reperti archeologici, una selezione preziosa di reperti reali, usciti dai migliori musei italiani d'arte antica. 

I prestiti importanti delle opere di Giacometti, concessi dalle maggiori collezioni svizzere oltre che dalla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, saranno accostati per la prima volta alle opere arcaiche del Museo Archeologico Nazionale di Cagliari, del Museo Civico Archeologico di Bologna, del Museo Civico di Palazzo Farnese a Piacenza e del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia. 

Il maestro e i suoi antenati animeranno un percorso sviluppato per temi e iconografie, basato su un gioco di rimandi, di sguardi incrociati fra i capolavori dell'artista e i suoi modelli arcaici sottratti al tempo e ricollocati nello spazio assoluto, della contemporaneità. 

Dagli studi condotti negli anni sui punti di contatto fra l'opera di Giacometti e la statuaria d'epoca antica – dall'arte egizia a quella sumera, dai manufatti dell'età del bronzo all'arte greca fino alla scultura africana – è emersa infatti la possibilità di costruire una mappa delle iconografie del passato e delle culture più amate dall'artista, prese a modello per la sua riflessione contemporanea, tesa alla ricerca di forme espressive ancestrali, capaci di rappresentare l'uomo moderno in una visione eterna, in un recupero delle origini e della nostra storia.

Un viaggio affascinante nel tempo (e nello spazio), dimostrerà allora come la sua Femme qui marche, eseguita fra il 1932 e il 1936, riproponga gli stessi canoni di stilizzazione del corpo, la frontalità, la ieraticità, il passo breve avanzato della gamba sinistra, concetto puro di movimento, ispirato all'iconografia egizia. 

Nell'ambito dell'art nègre, le Insegne Dogon o le Figure Mumuye della Nigeria con il ventre piatto e allungato, sono testimonianze di immagini dello spirito, forma visibile di un invisibile che l'uomo porta dentro di sé, e che Giacometti studiò a fondo per sue sculture dalle teste minute e il busto fortemente allungato.

Le celebri figure di origine etrusca, come gli Aruspici dai corpi “a lama” del Museo di Villa Giulia a Roma, scoperti dall'artista durante il primo viaggio in Italia fra 1920 e 1921, sembrano tornare idealmente nelle forme immote dello scultore con le quali condividono linearismo, compostezza e armonia. Allo stesso modo il dialogo con i bronzetti nuragici – che segnano un legame con il territorio sardo – può essere spiegato attraverso le parole dello storico dell'arte Giuseppe Marchiori dedicate proprio al sapore antropologico della ricerca di Giacometti e alle forme dei suoi corpi «esili come guerrieri nuragici, senza lance e scudi, oppure simili all'idolo volterrano, agli uomini della notte». 

Procedendo per confronti, ecco infine certe piccole Kore di bronzo, con le loro fogge compatte, le braccia stese lungo i fianchi, ricordare la delicatezza delle opere più esili di Giacometti, quelle figure alte pochi centimetri, come l'immagine di Silvio debout; mentre taluni ritratti di Diego o di Annette seduta sono accostabili agli oranti di cultura egizia, alle statue templari o alle prefiche inginocchiate, con la classica posa delle mani aperte, poggiate sulle ginocchia piegate.

Ufficio Stampa

Studio ESSECI di Sergio Campagnolo

Tel 049.663499

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UNA STAGIONE INFORMALE. Capolavori della Collezione Reverberi

a cura di Beatrice Buscaroli e Bruno Bandini

Comunicato Stampa

E’ una mostra di caratura e di taglio decisamente europei quella che l’Assessorato dell’Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta propone sino al 26 ottobre 2014 ad Aosta, al Museo Archeologico Regionale. 

Opere di Burri, Fautrier, Afro, Perilli, Santomaso, Mathieu, Marfaing, Appel, Jorn, Dorazio, Olivieri, Bargoni, Bendini, Lindstrom, Shiraga, Manzoni, Schumacher, Nitsch, Francis, e molti altri, sono presentate in un percorso espositivo denso di suggestioni, che delinea uno spaccato di altissimo livello italiano ed europeo sull’arte informale.

“La mostra di Aosta offre al pubblico una formidabile opportunità, quella di accostarsi a una stagione particolarmente densa e vitale dell’arte del XX secolo”, riconosce Daria Jorioz, dirigente della struttura Attività espositive dell’Assessorato regionale alla Cultura. E prosegue: “La rassegna allinea opere di grande interesse, dagli strepitosi Afro degli anni cinquanta e sessanta alla Combustione di Burri del 1964, da Les nomades di Corneille agli impalpabili Fiori di Nicola De Maria, dalle vigorose composizioni di Hartung al lirico cromatismo di Sam Francis, dal Poisson à la table di Clavé alla delicata carta intelata di Fautrier, dalla matericità di Piero Manzoni al vigoroso gesto del giapponese Shiraga”.

L’esposizione evidenzia la centralità dell’investigazione europea, dedicando anche ampio spazio a quella declinazione dell’informale caratterizzata dalla dissoluzione della “figura” (come è testimoniato dall’esperienza CoBrA) e da originali evoluzioni di esperienze concettuali (come nei casi di Novelli o di Bendini). 

Le opere in mostra presentano una precisa testimonianza dell’arte del dopoguerra, contrassegnata dalla consapevolezza della natura effimera e priva di certezze del presente: essa si traduce in una frustrazione della visione, frutto di un primato che viene riconosciuto al gesto espressivo, alle dinamiche del segno e della materia. Rivoluzione del gesto e poetica del colore e della materia sembrano i veicoli originali cui affidare la creazione artistica, specie attraverso il mezzo della pittura. Automatismi psichici di matrice surrealista e attenzione per le varianti delle filosofie dell’esistenza vanno a comporre quel singolare organismo artistico e culturale che solitamente viene definito Informale.

Le vie dell’Informale sono molteplici, così come le consapevolezze che gli artisti vengono manifestando. Quella che appare più solida e destinata a durare nel corso del tempo è un’innegabile attenzione nei confronti della pratica della pittura, per quanto non più contenibile nei confini di una forma, nei limiti di una composizione che sembra costringere gli spazi di libertà della creazione. In una parola, si tratta di una pittura per la quale – come scrisse nel 1946 Francis Ponge presentando una mostra di Jean Fautrier – “la ‘bellezza’ ritorna”. Ma si tratta di una bellezza tra virgolette, che può ritornare a condizione di sconvolgere i canoni espressivi che l’hanno preceduta. 

Nell’arte informale non si rinuncia alla “narrazione”, piuttosto l’immagine si traduce in luogo in cui la libertà creativa dell’artista prende corpo attraverso una conversione dall’ignoto e dall’indicibile, intesi sia come lascito di una storia sempre più frammentata e disumanizzata, sia come groviglio dell’inconscio.

UNA STAGIONE INFORMALE. Capolavori della Collezione Reverberi

Aosta, Museo Archeologico Regionale, Piazza Roncas 12

20 giugno 2014 – 26 ottobre 2014

Mostra realizzata da: Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta

A cura di: Beatrice Buscaroli e Bruno Bandini. Produzione RealizzArte.

Orario: dal martedì alla domenica 10.00 – 18.00. Lunedì chiuso.

Ingresso € 6,00 intero, € 4,00 ridotto, gratuito per i minori di 18 anni e per i maggiori di 65 anni

Catalogo Silvana Editoriale con testi di Beatrice Buscaroli, Bruno Bandini e Daria Jorioz

Per informazioni:

Assessorato Istruzione e Cultura

Attività espositive: tel. 0165.274401 E-mail: HYPERLINK "mailto:u-mostre@regione.vda.it" Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. Internet: HYPERLINK "http://www.regione.vda.it/" www.regione.vda.it

Ufficio stampa 

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo – Padova 

tel. 049.663499 HYPERLINK "mailto:gestione1@studioesseci.net" Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.studioesseci.net

Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta

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Not Vital, ironia e paradosso al Museo d'arte di Mendrisio

Conferenza stampa: giovedì 25 settembre 2014, ore 11.00

Inaugurazione: giovedì 25 settembre 2014, ore 17.00

Mostra a cura di Simone Soldini e Alma Zevi

All’indomani del completamento della sua isola-scultura nel Pacifico

Not Vital in mostra al Museo di Mendrisio

Il Museo d'arte di Mendrisio propone, dal 26 settembre all'11 gennaio prossimi, con la cura di Simone Soldini e Alma Zevi, l'attesissima mostra di Not Vital. Lo scultore si presenterà a Mendrisio attraverso un percorso basato su selezionate, importanti, essenziali opere, con una serie di sculture (alcune di grandi dimensioni), fotografie, dipinti e lavori grafici. 

Not Vital rappresenta in pieno la figura stilisticamente eclettica, trasversale dell'artista contemporaneo, non indirizzato nel solco di un singolo linguaggio, ma capace di variare sorprendentemente da una forma stilistica all'altra. Arguti, provocatori, con un fondo di ironia e di paradosso, i rimandi soprattutto alle tendenze e alle esperienze dell'arte degli ultimi decenni: dall'arte povera al minimalismo, dal concettuale all'arte pop o di derivazione surrealista.

Vital è nato in Engadina e parla il rumantsch. Vive tra Sent (Svizzera), New York e Lucca, ma trascorre almeno tre mesi ogni anno nel deserto del Niger ad Agadez, dove realizza le sue sculture con i Tuareg e dove ha costruito scuole, un cinema, numerose abitazioni ed una casa da usare solo per vedere il tramonto del sole, seguendo l'idea di un dialogo socio-creativo tra due luoghi estremi. 

E' artista cittadino del mondo. Pochi come lui hanno lascito testimonianze - e tratto così tanti stimoli - nei e dai luoghi più diversi de pianeta, dal deserto del Sahara, alle vette delle Ande, al Rio delle Amazzoni, alla Cina, Patagonia, Cile, Niger, Indonesia... Luoghi visitati non da turista ma con spirito da "Mezzo uomo e mezzo animale", per citare il titolo di un film che gli è stato dedicato. Confrontandosi ovunque con artisti e artigiani, facendosi ispirare da geografia e materiali nel dar vita ad opere di stupefacente intensità, si tratti di creazioni di dimensioni raccolte o della trasformazione di una intera isola in una enorme scultura immersa nel mare, come ha appena finito di fare nel Pacifico lungo le coste..

Non lontano da Agadez hanno invece preso forma piramidi, edifici, mura, cortili ed è in progetto un enorme labirinto quadrato, con un chilometro di lato, pensato per essere abitato da uomini, animali, piante.

Il suo continuo peregrinare lo ha portato, in anni recenti, a Pechino, dove opera con un proprio atelier, a Flores in Indonesia e in Patagonia, nel Cile. Cittadino del mondo, dunque. Ma un mondo che comunque ha un epicentro nelle vallate svizzere, nella terra di origine.

"Artista versatile, il suo principale campo d'azione resta - affermano Simone Soldini e Alma Zevi, i curatori della mostra - fin dai primi anni Ottanta la scultura, nella quale si cimenta con l'aiuto di abili artigiani attraverso svariati materiali, ricavandone a volte brutali contrasti, a volte delicati e raffinati effetti di forma e di superficie: gesso, marmo, bronzo, vetro, alluminio. Non di rado la sua scultura assume grandi proporzioni e diventa vera e propria installazione. 

La sua opera è creativamente "condizionata" dall'incontro con culture, tradizioni, mitologie che l'hanno affascinato nei suoi lunghi, perigliosi spostamenti. Parte fondamentale deriva comunque dal paesaggio di montagna dei Grigioni, dalla sua cultura d'impronta rurale e al contempo aperta a molte influenze. Proprio nel suo paese ha realizzato due dei suoi maggiori progetti: lo stupefacente Parco di Sent, costellato di interventi in una natura impervia, e la Fondazione di Ardez".

Suoi lavori sono al MoMa e nei grandi musei del mondo.

Molte le personali che gli sono state dedicate - alla Konsthall di Malmö (1997-98), alla Kunsthalle di Bielefeld (1997 e 2005), al Mozarthaus di Salisburgo (2006) o all'Akira Ikeda di Tokyo (2011), ad esempio. Così come nei musei svizzeri - al Kunstmuseum di Lucerna (1988), al Kunstmuseum di Coira (1991), al Museum zu Allerheiligen di Sciaffusa e recentemente al Cabinet d'arts graphiques des Musées d'art et d'histoire di Ginevra (2014). 

Con questa attesa mostra, il Museo d'arte di prosegue, ai massimi livelli, la serie di monografiche dedicate ormai da oltre dieci anni ad artisti contemporanei ticinesi e svizzeri. 

Informazioni:

Orari

ma-ve: 10.00 - 12.00 / 14.00 - 17.00 

sa-do: 10.00 - 18.00

lunedì chiuso, tranne festivi

Entrata

Fr 10.- ridotto Fr 8.- 

Info

www.mendrisio.ch/museo

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Ufficio Stampa:

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo

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Il magico agosto dell'arte

La magica Estate dell’Arte

Appuntamenti d’agosto tra Isole e Alpi

Dal 2 al 17 agosto

I nostri Uffici resteranno chiusi.

Auguriamo a tutti “Buone vacanze” proponendo alcune mete d’arte

Ulteriori informazioni ed immagini: www.studioesseci.net

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Comunicato Stampa

Andar per mostre d’estate. Sino a qualche anno fa sembrava un vezzo per pochi alternativi. Oggi non è più così, tant’è che cresce il numero di città non balneari o non da turismo estivo che puntano su eventi d’arte, rivolgendosi ad un pubblico che anche in questo ambito è sempre meno stagionalizzato.

Vediamo allora cosa si può ammirare in Italia nel mese di agosto. 

Cominciamo dalla Sardegna dove Cagliari, Ulassai e Nuoro ospitano le tre mostre che compongono la grande retrospettiva dedicata a Maria Lai, la più europea ed internazionale delle artiste sarde. 

In Sicilia, tanto per restare nelle isole, il Credito Siciliano propone nella sua sede espositiva di Acireale una affascinante monografica dedicata a Gionata Xerra dal titolo “Gionata Xerra. Travellers. Esperienze, racconti, immagini, sguardi.”

La Basilicata offre un appuntamento d’eccezione, sia per la mostra – si tratta di “Scultura lucana contemporanea.” sia per il contesto in cui è allestita: i Sassi di Matera e esattamente le chiese rupestri della Madonna della Virtù e di San Nicola dei Greci.

Risalendo la penisola, in Umbria si possono percorrere gli itinerari e i luoghi che il grande Steve McCurry ha fissato sulla pellicola, e collegati alla bellissima mostra “Sensational Umbria” allestita in Palazzo della Penna e all’Ex-Fatebenefratelli. 

Ad Ascoli Piceno, e siamo nelle Marche, al Forte Malatesta, da scoprire la potenza della scultura di Giuliano Giuliani.

Tre gli appuntamenti imperdibili in toscana. A Viareggio, al Centro Matteucci Moses Levy con “Luce marina, una vicenda dell’arte italiana.” A Prato per un nuovo, spettacolare museo, quello di Palazzo Pretorio con il suo patrimonio d’arte che spazia dagli anni di Lippi, Donatello al Novecento di Lipchitz. Il terzo appuntamento non è con una mostra ma con un luogo mitico. Ci riferiamo a Pienza, Città Ideale nel cuore della Val d’Orcia, che nell’estate propone, tra i tanti eventi, il Festival del Teatro, a Montichiello.

A Genova, e siamo i Liguria, da non mancare la Villa del Principe, residenza storica dei Doria Pamphili, dove è allestita la mostra “Imperatori di Luce”.

Tra Lombardia e Piemonte, una serie di appuntamenti tra natura e arte in sedi affascinati: le Isole Borromee sul Lago Maggiore sfoggiano le coloratissime fioriture estive e mostrano i restauri che i Principi hanno voluto sui loro Palazzi. Alla Rocca di Angera è il momento per ammirare, oltre alla collezione di antiche bambole e autonomi, il Giardino Medievale. Un altro giardino storico, anzi un immenso Parco ricco di Alberi Storici, è da ammirare al Castello di Miradolo, nel pinerolese.

Più a nord, al Museo Archeologico Regionale di Aosta, bellissima mostra sull’Informale “Una Stagione Informale. Capolavori della Collezione Reverberi.”

Spostandosi a Sondrio, alla Galleria Credito Valtellinese meritano sicuramente una visita “The Valley tales”, i begli scatti di Alberto Bianchi.

Già che siamo in zona, passiamo la frontiera con la Svizzera per approdare alla Pinacoteca Zust di Rancate, in Canton Ticino. Qui si ammirano due mostre: “La fragile bellezza. Ceramiche italiane d'arte tra Liberty e Informale” eRosetta Leins. Vita e opere di una pittrice anticonformista. 1906-1966”. 

A Trento al Castello del Buonconsiglio “Rinascimenti eccentrici” una grande Mostra dedicata al Dosso Dossi, con un ampio programma di iniziative collegate.

Infine il Veneto. l’intera regione si è mobilita intorno al genio di Paolo Veronese, celebrato da importanti esposizioni a Verona (Gran Guardia) e Vicenza (Palladio Museum), e presente, oltre che nelle mostre, in decine di ville, palazzi, monasteri, chiese con opere di straordinario fascino cromatico.

Infine Venezia dove, in collaterale alla Biennale dell’Architettura, sono tappe d’obbligo la mostra “Mikhail Roginsky. Beyond the Red Door” all'Università Ca' Foscarie, alla Fondazione Querini Stampalia, “Nel segno di Carlo Scarpa”.

C’è da lustrasi gli occhi, insomma, godendo di appuntamenti di rara qualità in contesti bellissimi, di una Italia spesso “minore” che non teme confronti con le grandi metropoli.

Info: www.studioesseci.net

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A Palazzo Magnani il magico mondo dell'Orlando Furioso

“un’idea del mondo come pura meraviglia”

A Reggio Emilia una grande mostra con oltre cinquanta tra i più grandi artisti contemporanei – pittori, scultori, fumettisti, illustratori e fotografi - per celebrare il genio visionario di Ludovico Ariosto

mostra a cura di Sandro Parmiggiani

I personaggi de L’Orlando Furioso, le imprese di valorosi cavalieri, la passione per Angelica che diverrà poi follia d’amore rivivranno dal 4 ottobre 2014 all’11 gennaio 2015 a Palazzo Magnani di Reggio Emilia nella grande mostra “L’ORLANDO FURIOSO: INCANTAMENTI, PASSIONI E FOLLIE. L’ARTE CONTEMPORANEA LEGGE L’ARIOSTO” che intende legge e reinterpretare in chiave contemporanea l’immaginario ariostesco, carico di suggestioni e connessioni di evidente attualità.

L’esposizione intende celebrare Ludovico Ariosto, nato a Reggio Emilia nel 1474 e morto a Ferrara nel 1533, celeberrimo autore dell’Orlando Furioso.

È noto che l’Orlando Furioso – se si considerano le varie edizioni, le traduzioni in lingua straniera, gli adattamenti teatrali (come non ricordare la memorabile messa in scena di Luca Ronconi e Sanguineti nel 1969, che sarà peraltro documentata da alcune fotografie di Franco Vaccari) – è una delle opere che hanno goduto nel tempo, pur con qualche periodo di oscuramento, di più vasta ammirazione e interesse, proprio per la sua intima, così “moderna” struttura, con il perenne incastro di trame, “in un mondo”, come scrive Gianni Celati, “dove tutti agiscono in stati di incantamento o di fissazione, prodotti dal gioco della sorte”, “con un’idea del mondo come pura meraviglia senza inizio e senza fine” – credo che questo sia alla radice della sintonia della cultura letteraria americana con l’Ariosto, in un Paese di perenne ricerca di una frontiera da raggiungere e valicare. Anche in campo artistico, la fortuna dell’Ariosto e del suo poema cavalleresco è stata assai diffusa – tra i tanti nomi che potremmo citare ci sono quelli di Tiziano e Guido Reni, di Fragonard e di Doré, con le infinite metamorfosi nei secoli del personaggio di Angelica (tra le quali Ruggero che salva Angelica di Ingres, conservato al Louvre di Parigi), così come nell’illustrazione moderna e contemporanea e nel cinema.

La mostra di Palazzo Magnani, a quarant’anni dalle celebrazioni del cinquecentesimo anniversario, nel 1974, della nascita dell’Ariosto a Reggio Emilia – che produssero iniziative espositive varie, in particolare al Palazzo dei Diamanti di Ferrara – parte in un qualche modo da quelle premesse – non casualmente la mostra reggiana riproporrà l’Omaggio all’Ariosto di Franco Vaccari –, presenta alcune opere successive, quali ad esempio le immagini scattate da Luigi Ghirri nel Mauriziano, e poi si concentra sugli esiti del confronto tra pittori, scultori, illustratori, autori di fumetti e fotografi, italiani e stranieri, con la figura dell’Ariosto e il testo dell’Orlando Furioso, per verificare l’influenza sull’immaginario creativo di una visione del mondo e delle umane esistenze che non può essere consegnata agli archivi del passato.

L’esposizione rivisita sommariamente la fortuna dell’Ariosto nel passato, partendo dalla preziosa collezione delle edizioni del Furioso di proprietà della Biblioteca Panizzi di Reggio Emilia, e intende proporre le suggestioni esercitate dalla sua figura e dall’atmosfera, e soprattutto da specifici episodi del poema su alcuni tra i più importanti artisti contemporanei, italiani e stranieri: pittori e scultori (Tullio Pericoli, Emilio Isgrò, Giulia Napoleone, Ruggero Savinio, Mimmo Palladino, Sandro Chia, Enzo Cucchi, Piero Pizzi Cannella, Franco Vaccari, Claudio Parmiggiani, Pat Andrea, Antonio Seguí, Vladimir Velickovic, Manolo Valdés, Joe Tilson, Philippe Favier, James Nares, Omar Galliani, Davide Benati, Roberto Barni, Giuseppe Bergomi, Graziano Pompili, Giuliano Della Casa, Lucio Del Pezzo, Elio Marchegiani, Umberto Mariani, William Xerra, Concetto Pozzati, Franco Guerzoni, Mirco Marchelli, Simone Pellegrini), illustratori e autori di fumetti, quali Lorenzo Mattotti, Gianluigi Toccafondo, Giuseppe Camuncoli, Matteo Casali, Paolo Bacilieri, Tuono Pettinato, Francesca Ghermandi, e la proposizione di parte della saga di Alejandro Jodorowsky sui “metabaroni”, i guerrieri perfetti, di alcune tavole diGuido Crepax, Sergio Toppi, Grazia Nidasio, fotografi come Marco Bolognesi (che produrrà alcune fotografie, con ricostruzioni attualizzate sulla base delle suggestioni del cinema contemporaneo, sull’episodio in cui Ariosto parla dell’assedio di Parigi, emblema del destino della città caduta, Costantinopoli), e come Nino Migliori e Vittore Fossati, che si stanno recando a visitare i luoghi ariosteschi – la casa natale di Reggio Emilia, la casa a Ferrara, la Garfagnana: Ariosto ebbe incarichi pubblici da parte degli Estensi.

Come si può intuire da queste prime indicazioni, la mostra intende verificare la persistenza della fortuna dell’Ariosto, e del suo Orlando Furioso, la capacità del poema di muovere l’immaginario, non solo nella letteratura (per limitarci a un solo esempio, Italo Calvino e l’attuale, crescente attenzione nelle Facoltà americane di Letteratura), ma in campi artistici quali la pittura, la scultura, l’illustrazione e il fumetto, la fotografia, che vengono in questa esposizione considerati linguaggi con pari dignità, ciascuno dei quali può essere in grado di stabilire un contatto, di affascinare persone con diversi gradi di conoscenze e sensibilità, anche giovani – particolare impegno sarà infatti dedicato al rapporto con gli studenti, anche prevedendo interventi diretti di artisti partecipanti alla mostra. Dunque, l’esposizione si propone di dimostrare, nel confronto con il “pianeta Ariosto”, l’attualità della sua figura e della sua opera, facendo emergere, attraverso linguaggi diversi, temi e motivi che nelle società contemporanee sono di straordinaria attualità.

Il vasto catalogo della mostra, edito da Silvana Editoriale, vuole essere un libro che vada ben al di là dell’occasione espositiva, diviso in una decina di capitoli, ciascuno con l’introduzione di alcuni importanti autori italiani e stranieri (Gianni Celati, Giulio Ferroni, Valerio Magrelli, Ermanno Cavazzoni, Lina Bolzoni, Gino Ruozzi, Franco Farinelli, Luigi Ballerini, Massimo Ciavolella, Dennis Looney, Jim Jarmusch), del curatore della mostra, di critici e storici dell’arte e dell’illustrazione, corredati dalle immagini delle opere esposte, così da farne un volume che resti nel tempo come documento prezioso sull’Ariosto e sulla fortuna dell’Orlando Furioso.

DA NON PERDERE le animazioni in mostra promosse dalla Fondazione Palazzo Magnani, a cura di Daniele Castellari e degli studenti del Liceo scientifico “Aldo Moro” di Reggio Emilia

Ippogrifo Trip, Agenzia viaggi con sede a Reggio Emilia e Ferrara

propone

“ FATTI UN VIAGGIO COME ARIOSTO “

Ludovico Ariosto, primo testimonial dell’Agenzia, ha insegnato come una buona “dose” di immaginazione e di poesia possa portare ovunque. E quando Alessandra Benucci Strozzi stuzzicò la sua passione dicendo: - Sono esigente. Se davvero vuoi il mio amore, dammi la luna -, Ludovico rispose: - E dov’è il problema? -. E creò l’ippogrifo.

In occasione della mostra “L’ORLANDO FURIOSO. Incantamenti, passioni e follia”, il Liceo Moro sarà presente – durante i week end dalla fine di ottobre per tutto il periodo dell’esposizione - a Palazzo Magnani con GLI SPACCIATORI DI POESIA che forniranno ai visitatori una dimostrazione gratuita di un trip ariostesco. La bustina che sarà possibile portare a casa, spedirà direttamente “sulla luna”. 

SCHEDA DELLA MOSTRA 

L’ORLANDO FURIOSO: INCANTAMENTI, PASSIONI E FOLLIE

L’ARTE CONTEMPORANEA LEGGE L’ARIOSTO

PALAZZO MAGNANI – REGGIO EMILIA

4 ottobre 2014 – 11 gennaio 2015

ORARI dal martedì al giovedì 10.00-13.00 /15.00-19.00 venerdì, sabato e festivi 10.00-19.00 lunedì chiuso (la biglietteria chiude alle ore 18.00)

APERTURE STRAORDINARIE lunedì 8 dicembre 2014 orario continuato 10.00-19.00 giovedì 25 dicembre 2014 orario 15.00-19.00 giovedì 1 gennaio 2015 orario 15.00-19.00

Ingressi Intero 9 euro; Ridotto 7 euro; Studenti 5 euro

VISITE GUIDATE per gruppi organizzati fino a 20 persone: 60,00 euro per la visita guidata + ingresso ridotto per gruppi organizzati minimo 20 persone: 3,00 a persona per la visita guidata + ingresso ridotto per classi di studenti: 2,00 euro per la visita guidata + ingresso studenti visita guidata in lingua: 100 euro + ingresso ridotto

per le scuole, classi e gruppi è possibile prenotare visite e laboratori anche in giorni e orari di chiusura al pubblico

VISITE GUIDATE IN PROGRAMMA ogni sabato e domenica ore 16.00 - 3,00 euro + ingresso mostra - necessaria la prenotazione

PROPOSTE DIDATTICHE PER LE SCUOLE - In collaborazione con 

La Fondazione Palazzo Magnani propone visite guidate interattive per le scuole di ogni ordine e grado e inoltre laboratori didattici realizzati in collaborazione con la Scuola internazionale di COMICS Reggio Emilia: Fumettando con Orlando - Ariosto tra Propp e Cut-Up - Sulla luna con Astolfo e molto altro. 

Tutte le info su www.palazzomagnani.it e su Facebook  https://www.facebook.com/PalazzoMagnani

CORSI DI AGGIORNAMENTO PER GLI INSEGNATI

Il Corso organizzato in occasione della attività culturale ed espositiva incentrata su LUDOVICO ARIOSTO nel 540° anniversario della nascita prevede quattro incontri (conferenze e visita guidata alla mostra) nel periodo ottobre – novembre 2014. 

Le conferenze saranno tenute da docenti ed esperti tra cui: Giulio Ferroni, il più importante storico della letteratura italiana vivente; Franco Farinelli, docente ordinario di geografia all’Università di Bologna; Ermanno Cavazzoni, scrittore e sceneggiatore; Luigi Ballerini, scrittore, poeta, docente di Letteratura italiana moderna e contemporanea all’Università della California di Los Angeles; Massimo Ciavolella, docente di Letteratura Italiana e di Letterature Comparate (UCLA, Los Angeles); Antonio Faeti, scrittore, ha diretto diverse collane editoriali per l’infanzia. Da anni presiede la giuria del «Bologna Ragazzi Award» alla Fiera internazionale del Libro per ragazzi di Bologna; Enrico Fornaroli docente di “Pedagogia e didattica dell’Arte” presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna; Sandro Parmiggiani critico d’arte e curatore della mostra

Le date e la sede degli incontri saranno precisate quanto prima. Costo 20 € onnicomprensivo. E’ obbligatoria l’iscrizione tel. 0522 44 44 46 – Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

PACCHETTI TURISTICI

ITINERE - Club di Prodotto Reggio Tricolore 

www.itinere.re.it - e-Mail: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Ufficio Stampa: Studio Esseci di Sergio Campagnolo

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REGGIO EMILIA PER LUDOVICO ARIOSTO

più di 70 eventi: CONCERTI, CONFERENZE, DANZE, FAVOLE, FILM, GASTRONOMIA, ITINERARI LETTURE,MOSTRE, PERFORMANCE, SPETTACOLI, VISITE GUIDATE

Convinti che Ludovico Ariosto sia patrimonio universale per il valore e l'attualità della sua opera, Reggio Emilia ed il suo territorio si sono uniti alla Fondazione Palazzo Magnani in una azione corale a 540 anni dalla nascita del grande poeta e letterato.

Questo impegno che si snoda lungo tutto il 2014 ha generato una proposta culturale, articolata e forte il cui programma completo è scaricabile dal sito www.palazzomagnani.it

TUTTI I SOGGETTI COINVOLTI NELLE INIZIATIVE: Associazione BUS74, Associazione culturale e di promozione sociale Puntavanti, Associazione Guide Turistiche Reggiane, Associazione TUTTINBICI, AUSL Reggio Emilia, Biblioteca Panizzi, Circolo degli Artisti, Biblioteca provinciale dei Cappuccini, Biblioteca scientifica Carlo Livi, Circoscrizione Nordest, Club di Prodotto Reggio Tricolore, CNA Reggio Emilia, Comune di Albinea, Consorzio di Bonifica dell’Emilia centrale, Fondazione I Teatri, Fondazione Nazionale della Danza, Forum delle Donne della Provincia di Reggio Emilia, Italia Nostra Reggio Emilia, Istituto grafologico internazionale Moretti, Istituto Superiore di Studi Musicali di Reggio Emilia e Castelnovo ne’ Monti, Istituto Tecnico Industriale Nobili, Itinere, Liceo Artistico Chierici, Liceo Blaise Pascal, Liceo Ariosto Spallanzani, Liceo Aldo Moro, Lion Club Albinea Ludovico Ariosto, Musei Civici, Museo Civico Il Correggio, Museo dei Cappuccini Reggio Emilia, Incoming Srl/ ItalianUnplugged Tours (IUT), Società Dante Alighieri, Strada dei vini e dei sapori delle colline di Scandiano e Canossa, Università degli Studi di Modena e Reggio Emilia

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Maria Lai. Sewing the World

Ricucire il mondo (Sewing the World) pays homage to Maria Lai (1919-2013), one of the most gifted and significant Italian women artists of the second half of the 20th century.

The exhibition follows a chronological and thematic itinerary across three different venues: Cagliari's Palazzo di Città, Nuoro's Museum of Art (MAN) and the Stazione dell’Arte in Ulassai, the artist’s birthplace.

With more than three hundred works from public and private collections, including that of Lai’s family, this is her first complete retrospective exhibition.

The section at the MAN, curated by Barbara Casavecchia and Lorenzo Giusti, is devoted to Lai’s works after the 1980s, an intensely creative period, when the artist went public with pioneering performative and relational practices. The exhibition opens with Legarsi alla montagna (Binding Oneself to the Mountain, 1981), Lai’s first group action in Ulassai, and follows the main stages of her public projects through artworks, documentary materials, photographs and videos, weaving them together with Lai's parallel work in the field of theatre.

Another key element of the exhibition - which also includes a series of signature works, such as the Lenzuoli (Sheets), Libri cuciti (Sewn Books), Geografie (Geographies) and Telai (Looms) - is Lai’s relationship with the world of childhood and pedagogy, which she explored in her production of fables, books, games and workshops, aimed at involving children and adults in a reflection on art's liberating potential.

  • Artists:
    Maria Lai
  •  
  • Open:
    Friday, 11 July 2014
  • Close:
    Sunday, 12 October 2014
  • Address:
    Via Sebastiano Satta 27 08100 Nuoro, Sardinia, Italy
  • Phone:
    +39 0784 252110
  • Web:
    MAN Nuoro
  • Opening hour:
    10am - 1pm; 3pm - 8pm
  • Closing day:
    Monday
  • Photo credits:
    1. Maria Lai, Reperto, Villasimius, 1982; 2. Maria Lai, Il mare ha bisogno di fichi, 1996, Fondazione Stazione dell’Arte, Ulassai
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The Highest of All the Arts is Insurrection

From July 26 to November 9, 2014 the ZKM | Karlsruhe will show a comprehensive retrospective of the work of French artist, writer and activist Jean- Jacques Lebel (b. 1936) – one of the first to author Political Happenings. His actions, installations, sculptures, objects, paintings, videos and texts are in explicit rebellion against the terror of war and psychiatry, against the horror of colonialism, against a culture of self-inflicted stupidity and a society characterized by oppression and racism.

In addition to eight large scale installations – shown together for the first time, in an exhibition space of 2000 square meters – the retrospective also shows some of the most important paintings, drawings and films by Jean-Jacques Lebel. It provides detailed insight into the work of this polymorphic and polysemic artist who lived and worked in close collaboration with the Dadaists, Surrealists and the poets of the Beat Generation.

Since his first exhibition (Galleria Numero, Florence, 1955) and starting with his first Happening (Venice, 1960), Lebel has made major contributions to the dynamics of the most lively counter-culture of our time –“Art Actionism”. An associate of Brock and Vostell, Lebel is considered the initiator of Happenings in Europe a few years before Viennese Actionism.

  • Artists:
    Jean Jacques Lebel
  •  
  • Open:
    Saturday, 26 July 2014
  • Close:
    Sunday, 09 November 2014
  • Address:
    ZKM | Center for Art and Media, Lorenzstraß 19, 76135 Karlsruhe, Germany
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
    "> Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +49 0 721 81000
  • Photo credits:
    1. Jean-Jacques Lebel, Ya bon, Banania, 1990, Photo by Adam Rzpka © Jean-Jacques Lebel; 2. Jean-Jacques Lebel, Le cénotaphe dédié aux poilus bricoleurs, anonymes, de 14/18, 2012, Photo: Bernhard Serexhe © Jean-Jacques Lebel; 3. Jean-Jacques Lebel, Le Monument à Félix Guattari, 1994, Photo: Bertrand Prévost/ Centre Pompidou © Jean-Jacques Lebel; 4. Jean-Jacques Lebel, Les avatars de Vénus, 2006, Photo: MAMCO Genf, photographer unknown © Jean-Jacques Lebel
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Slow Future

About twenty artists present new works in the exhibition Slow Future at the Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle.

The theme of the exhibition is degrowth, a social movement advocating that we should abandon the current model of compulsory economic growth and search for ways to improve the quality of life within the limits of capacity of natural environment. Degrowthists question the supreme value of material possessions and propose alternative models of economy - barter, cooperatives, co-ownership, and community exchange.

In times of economic crisis, such concepts become highly appreciated and inspire artists from all over the world. The exhibition is a follow-up of the Emergency Pavilion - Rebuilding Utopia (2013) show in last year’s Venice Biennale.

Its curator, Jota Castro (born in Lima, Peru, 1965) is a French-Peruvian artist-activist. In his work, he often reveals the mechanisms of contemporary consumption and examines social issues in the context of sustainable development, ecology, as well as alternative models of economic exchange.

  • Artists:
    David Adamo
    Bigert & BergströmBianca BondiTania BrugueraFernando BryceElla de BúrcaLuis CamnitzerJota CastroJoachim CouckeJames DeutsherKendell GeersNuria GüellPatrick HamiltonCinthia MarcelleTiago Mata MachadoGordon Matta ClarkIngrid Wildi MerinoMariele NeudeckerWilfredo PrietoMaarten Vanden EyndeAleksandra WasilkowskaDavid Zink Yi
  •  
  • Open:
    Saturday, 28 June 2014
  • Close:
    Sunday, 14 September 2014
  • Address:
    The Castle is situated in the south part of the centre of Warsaw near the Royal Garden Lazienki and the Botanic Garden
  • Mail:
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  • Phone:
    +48 22 628 76 83,
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 12pm - 7pm; Fri 12pm - 9pm; Thu free entrance
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    regular 12 zł; discounted 6 zł; family 20 zł (2 adults + kids); for groups 6 zł per person (minimum 10 persons)
  • Photo credits:
    1. Bianca Bondi, A Sudden Stir and Hope in The Lungs, 2014, Courtesy of the artist; 2. Luis Camnitzer, Stillness, 2014, Courtesy of the artist and Alexander Gray Associates, New York; 3. Jota Castro, Here Comes The Rain Again, 2014, Courtesy of the artist and Galerie Barbara Thumm; 4. Maarten Vanden Eynde, The Earth Seen From The Moon, 2005, Courtesy of the artist & Meessen De Clercq; 5. David Zink Yi, The Strangers, 2014, Courtesy of the artist and Hauser & Wirth, London, New York, Zurich / Johann Koenig, Berlin / 80M2 Livia Benavides, Lima
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Here and Elsewhere

Here and Elsewhere, the first museum-wide exhibition in New York City to feature contemporary art from and about the Arab world, brings together to New Museummore than forty-five artists from over fifteen countries, many of whom live and work internationally.

The exhibition borrows its title from a 1976 film-essay by French directors Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Gorin, and Anne-Marie Miéville. Their film, Ici et ailleurs [Here and Elsewhere], was initially conceived as a pro-Palestinian documentary, but evolved into a complex reflection on the ethics of representation and the status of images as instruments of political consciousness. Taking inspiration from Godard, Gorin, and Miéville’s film—which has had a strong impact on an entire generation of artists in various Arab countries—“Here and Elsewhere” pays particular attention to the position and role of the artist in the face of historical events.

“This exhibition continues the New Museum’s commitment to looking at art from beyond the confines familiar to the New York art world,” said Massimiliano Gioni, Associate Director and Director of Exhibitions.

Combining pivotal and under-recognized figures with younger and midcareer artists, “Here and Elsewhere” works against the notion of the Arab world as a homogenous or cohesive entity. Through the original and individualized practices of a multigenerational constellation of artists, the exhibition highlights works that often have conceptual or aesthetic references to the Arab world, yet also extend well beyond.

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BOLDINI: Mostra-Evento 2015 ai Musei di San Domenico di Forlì

“C’est un classique!”. E’ questo il riconoscimento dato a Giovanni Boldini (Ferrara 1842 – Parigi 1931), fin dalla prima esposizione postuma che si tenne a Parigi a pochi mesi dalla morte. “Il classico di un genere di pittura”, ribadì in quella occasione Filippo de Pisis.

Dopo la rassegna dedicata nel 2012 a Wildt (che sarà protagonista nel 2015 di una mostra realizzata dal Musée d’Orsay all’Orangerie di Parigi in collaborazione con la Città di Forlì e la Fondazione della Cassa dei Risparmi di Forlì), e le due successive sul Novecento ed il Liberty, la Fondazione e i Musei di San Domenico di Forlì proseguono nella esplorazione, attraverso nuovi studi e la riscoperta di opere poco note, della cultura figurativa tra Otto e Novecento, proponendo per la stagione espositiva del 2015 una approfondita rivisitazione della vicenda di Giovanni Boldini certamente il più grande e prolifico tra gli artisti italiani residenti a Parigi. E’ in questo ideale spazio di rapporto tra Forlì e Parigi che si colloca la nostra nuova iniziativa. 

Nella sua lunghissima carriera, caratterizzata da periodi tra loro diversi a testimonianza di un indiscutibile genio creativo e di un continuo slancio sperimentale che si andrà esaurendo alla vigilia della prima Guerra Mondiale, il pittore ferrarese ha goduto di una straordinaria fortuna, pur suscitando spesso accese polemiche, tra la critica ed il pubblico. Amato e discusso dai suoi primi veri interlocutori, come Telemaco Signorini e Diego Martelli, fu poi compreso e adottato negli anni del maggiore successo dalla Parigi più sofisticata, quella dei fratelli Goncourt e di Proust, di Degas e di Helleu, dell’esteta Montesquiou e della eccentrica Colette. Rispetto alle recenti mostre sull’artista, questa rassegna si differenzia per una visione più articolata e approfondita della sua multiforme attività creativa, intendendo valorizzare non solo i dipinti, ma anche la straordinaria produzione grafica, tra disegni, acquerelli e incisioni. Le ricerche più recenti di Francesca Dini(curatrice della mostra insieme a Fernando Mazzocca), consentono di arricchire il percorso con la presentazione di nuove opere, sia sul versante pittorico che, in particolare, su quello della grafica.

Uno di punti di maggior forza, se non quello decisivo, della mostra sarà la riconsiderazione della prima stagione di Boldini negli anni che vanno dal 1864 al 1870, trascorsi prevalentemente a Firenze a stretto contatto con i Macchiaioli. Questa fase é caratterizzata da una produzione di piccoli dipinti, soprattutto ritratti, davvero straordinari per qualità e originalità.

Le prime sezioni, nelle sequenza delle sale al piano terra, saranno dedicate alla immagine dell’ artista rievocata attraverso autoritratti e ritratti; alla biografia per immagini (persone e luoghi frequentati); all’atelier; alla grafica così rivelatrice della sua incessante creatività.

Le sezioni successive, al primo piano, ripercorreranno attraverso i ritratti di amici e collezionisti la grande stagione macchiaiola. 

Seguirà la prima fase successiva al definitivo trasferimento a Parigi, caratterizzata dalla produzione degli splendidi paesaggi e di dipinti di piccolo formato con scene di genere, legata al rapporto privilegiato con il celebre e potente mercante Goupil. 

Avranno subito dopo un grande rilievo, anche per la possibilità di proporre confronti con gli altri italiani attivi a Parigi, come De Nittis, Corcos, De Tivoli e Zandomenenghi, le scene di vita moderna, esterni ed interni, dove Boldini si afferma come uno dei maggiori interpreti della metropoli francese negli anni della sua inarrestabile ascesa come capitale mondiale dell’ arte, della cultura e della mondanità. Seguiranno infine le sezioni dedicate alla grande ritrattistica che lo vedono diventare il protagonista in un genere, quello del ritratto mondano, destinato ad una straordinaria fortuna internazionale. A questo proposito costituirà una novità la possibilità di accostare per la prima volta ai suoi dipinti le sculture di Paolo Troubetzkoy che si confrontano con quelli di Boldini sia sul piano iconografico che formale. 

BOLDINI

Lo spettacolo della modernità dai Macchiaioli a Parigi

Forlì, Musei San Domenico, piazza Guido da Montefeltro 12

1 febbraio - 14 giugno 2015

Ufficio Stampa

Studio ESSECI di Sergio Campagnolo

Tel 049.663499

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Ad Acireale i Viaggiatori di Gionata Xerra

Si potrebbe affermare che la mostra che sarà allestita dal 30 luglio all’11 ottobre negli spazi espositivi della Galleria del Credito Siciliano di Acireale dedicata al progetto Travellers di Gionata Xerra sia una esposizione dedicata certo ai viaggiatori, alle loro esperienze, racconti, immagini, sguardi, ma anche, in un certo modo, dedicata al fascino misterioso della valigia. Almeno così la descrive in catalogo Fulvio Scaparro che, subito dopo, richiamando Alberto Savinio, ricorda che “chiarire un mistero è indelicato verso il mistero”.

E’ una mostra in due installazioni e dodici fotografie di grande formato, che rappresentano busti di uomini, donne e bambini che fuoriescono da valigie, moderni simboli del viaggio e delle migrazioni. Ed ecco il viaggio come metafora per raccontare “le contraddizioni del mondo”.

Perché attraverso i ritratti di questi dodici testimoni (come gli Apostoli e le dodici Tribù della Diaspora...), il progetto racconta, senza entrare in uno specifico didascalico, viaggi compiuti in prima persona o “ereditati” dalle narrazioni della famiglia, del popolo, dell’etnia, in alcuni casi ancora dolorosamente presenti.

Dodici, tra donne, uomini, bambini: non profughi appena sbarcati, ma persone inserite nella nostra società, approdate ad una condizione di benessere e di stabilità, rivivono il loro remoto viaggio uscendo da altrettante valigie aperte. Come busti viventi, senza indumenti addosso che consentano di identificarli nella loro attualità, ricordano e, a volte, piangono lacrime essenziali. Un pianto espiatorio, nel ruolo di testimoni di un “viaggiare obbligato” che continua reiteratamente a manifestarsi.

Oltre alle dodici immagini (Lightbox) 100x100 cm, il progetto comprende due importanti installazioni.

La prima installazione è composta da una lunga fila di valigie (circa 40 mt) attaccate tra loro e appese a una parete. Alcune valigie (12, come i testimoni delle foto) avranno sul fronte uno spioncino (quello delle porte d’ingresso) attraverso il quale sarà possibile guardare all’interno delle stesse. Deformata dalla visione fish-eye, tipica dello spioncino, ogni valigia svelerà una storia, visibile su un monitor inserito all’interno, che trasmetterà un video, immagini, testi o semplicemente illuminerà degli oggetti.

La seconda installazione propone una sorta di “Scatola Magica” ove lo spettatore assume il ruolo di attore di un viaggio. Una sola valigia appesa a una parete. Guardandoci dentro, si vede l’interno di un corridoio con due valigie appoggiate a terra.

Il percorso della mostra porta i visitatori a entrare in quest’ambiente, dove un grande specchio che in realtà è un “vetro spia”, attraverso il quale abbiamo guardato precedentemente, riflette la loro immagine di viaggiatori.

Costretti così a un’intima riflessione sul proprio viaggio, ereditato realizzato o possibile.

Cosa si ‘impara’ visitando la mostra di Gionata Xerra? Se lo chiede in un saggio del catalogo Remo Bodei. “Che viaggiatori non sono solo i turisti frettolosi che si spostano in cerca di spiagge bianche e di palme o di emozioni dell’esotico, ma anche innumerevoli persone, esistenze individuali vulnerabili, costrette a prendere la valigia e a rischiare per sopravvivere o per trovare una vita migliore. Con intelligenza e forza espressiva, Xerra sembra parlare di altri, ma in realtà – costringendoci a esercizi di immedesimazione – parla di noi, di come avremmo potuto essere e, più in generale, della nostra comune umanità. Del resto, anche se non nello spazio geografico, tutti noi siamo emigranti nel tempo. Ad ogni momento veniamo espulsi dal passato come patria irrecuperabile e sospinti verso un avvenire ignoto, da cui non possiamo tornare indietro. Su questo terreno condiviso, Gionata Xerra ci aiuta a meglio comprendere la cesura più netta e dolorosa dei migranti rispetto al loro paese e alla loro storia personale”.

Coordinate mostra

  1. Titolo 

GIONATA XERRA

Travellers. Esperienze, racconti, immagini, sguardi

Galleria Credito Siciliano

Piazza Duomo, 12 – Acireale

30 luglio – 11 ottobre 2014

martedì 29 luglio ore 19.00

Galleria Credito Siciliano

Orari e ingressi 

Galleria Credito Siciliano

dal 30 luglio al 21 settembre

da mercoledì a domenica 18.00 - 21.30

dal 24 settembre all’11 ottobre

da mercoledì a domenica 10.00 – 12.00 / 17.00 - 20.00

Aperture straordinarie su prenotazione

chiuso lunedì e martedì – INGRESSO LIBERO

Informazioni al pubblico 

Galleria Credito Siciliano

tel. +39 095.600.208 / 0957.113.517

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Informazioni sulla mostra 

Coordinatore area Sicilia – Filippo Licata

tel. +39 095.600.208

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Ufficio Stampa 

Studio ESSECI - Sergio Campagnolo

tel. +39 049.663.499

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Mostra prodotta e organizzata dalla Fondazione Gruppo Credito Valtellinese

a cura di Lucia Miodini.

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Tre mostre per Maria Lai in Sardegna: la sezione di Cagliari

Maria Lai. Ricucire il mondo

Dagli anni Quaranta agli anni Ottanta

Palazzo di Città – Cagliari

10.07 – 2.11.2014

Comunicato Stampa

La mostra, curata da Anna Maria Montaldo, è dedicata alla produzione di Maria Lai dagli anni Quaranta ai primi anni Ottanta del Novecento. Il percorso espositivo, articolato in aree tematiche, inizia dal secondo piano e si articola sui vari livelli dell’edificio. In un crescendo di stupore ed emozioni, sono esplorati tutti i percorsi di ricerca che l’artista ha sviluppato nel corso della sua vita: alcuni, pienamente compiuti, altri, appena abbozzati, troveranno una dimensione più matura negli anni Novanta e 2000.

La prima sezione della mostra è costituita dal cospicuo corpus di disegni, tecnica alla quale l’artista si dedica assiduamente dal 1941, fino alla metà degli anni Sessanta. Dai disegni degli anni Quaranta emerge chiara la lezione dei primi maestri e, soprattutto, l’insegnamento di Arturo Martini. Le matite e le chine si arricchiscono presto del colore di acquarelli e tempere. Accanto ai ritratti, che Maria Lai continua a tracciare con segno sempre più asciutto, negli anni Cinquanta, si affiancano i disegni ispirati ai rituali del lavoro femminile: madri con bambini, donne al forno, al setaccio, al lavatoio, donne che impastano o filano.

Al filo cucito è dedicata la successiva sezione della mostra. Straordinario e raffinatissimo strumento espressivo nelle mani dell’artista, sotto forma di Lavagne, Libri cuciti oGeografie, il filo è capace di creare rimandi immediati tra passato e presente, tradizione e innovazione, storia e mito, artigianalità e concettualità. Nel 1981 il filo diventa nastro conLegarsi alla montagna, l'operazione collettiva con la quale l’artista coinvolge la popolazione di Ulassai legando tutte le case del paese con un nastro celeste lungo 26 km. Perfettamente allineata alle ricerche artistiche internazionali contemporanee, Maria Lai crea con questo intervento quello che potrebbe far pensare, secondo la definizione dell’artista concettuale Joseph Beuys, ad una “scultura sociale”. Un grande telaio all’aria aperta, una metafora dell’arte raccontata in mostra dalla proiezione del filmato originale. Un secondo punto di proiezione che si aggiunge a quello dedicato al materiale documentario, alle interviste e ai filmati d’archivio.

Il percorso espositivo continua nel secondo sottopiano. Qui trovano spazio due differenti nuclei di ricerca. Il primo esplora i paesaggi dipinti, nei quali, a partire dagli anni Cinquanta, l’artista porta avanti il discorso di sintesi, iniziato col disegno. Scenari, al limite dell’astrazione, sono suggeriti più che descritti dalla griglia grafica, mentre, nella confusione tra cielo e terra, gli animali e le greggi diventano quasi rocce. Poi il pane e la terracotta. Maria Lai plasma la terracotta come il pane, materiali che oltre alla gestualità condividono la commistione dei quatto elementi: acqua, aria, terra e fuoco. Nascono i Presepi nei quali sacro e profano si incontrano in una rappresentazione religiosa anelante all’infinito, i Pupi di pane, le opere dedicate al tema dell’aborto. 

A sorpresa, infine, l’omaggio sentito di Antonio Marras e Claudia Losi, Come piccole api operaie II (Cagliari), che, dipanandosi dal primo presepe realizzato da Maria Lai, con una teoria di fili rossi e bordeaux, collega il museo alle vie circostanti e, idealmente, le sedi di Cagliari e Nuoro.

Il percorso si conclude simbolicamente con i Telai, fulcro della sua poetica, ai quali Maria Lai si dedica a partire dagli anni Sessanta, come il Telaio del 1965, recente acquisizione della Galleria Comunale d’Arte di Cagliari. Nonostante l’evidente impronta antropologica riconduca queste creazioni alle tradizioni artigianali della Sardegna, esse rivelano un rapporto stringente con le nascenti correnti dell’Arte Povera e dell’Arte Concettuale, mentre la continua sperimentazione dei materiali le rende, nel corso degli anni, sempre più ricche di intrecci linguistici e di infinite capacità comunicative.

Palazzo di città

Piazza Palazzo, 6, 09124 Cagliari

tel. +39 070 677 6482

orari: 10-21 (giovedì 10-24) lunedì chiuso 

www.museicivicicagliari.it

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Alla Fondazione Magnani Rocca MANZÙ / MARINO. Gli ultimi moderni

La scultura nella Villa dei Capolavori

Per la prima volta la scultura è protagonista nella Villa dei Capolavori sede della Fondazione Magnani Rocca a Mamiano di Traversetolo, presso Parma. La Fondazione, che già ospita nella collezione permanente capolavori marmorei dei più grandi scultori italiani dell’Ottocento, Antonio Canova e Lorenzo Bartolini, presenta ora la grande scultura del Novecento, rappresentata da Giacomo Manzù e Marino Marini che negli anni cinquanta e sessanta, dopo i riconoscimenti nazionali, diventano anche i campioni dell’arte italiana all’estero; offrendo un’interpretazione della scultura figurativa classica in una chiave stilistica del tutto personale, dagli esiti affascinanti e sorprendenti, dimostrano come essa fosse ben lontana dall’obsolescenza e dalla chiusura alla storia, bensì perfettamente in grado di esprimere il dramma e il senso dell’uomo dopo le dissoluzioni del conflitto planetario. Le loro opere entrano così a far parte dei maggiori musei di tutto il mondo e i due artisti conquistano l’attenzione del collezionismo e del pubblico.

A cura di Laura D’Angelo e Stefano Roffi, la mostra, aperta dal 13 settembre all’8 dicembre 2014, intende approfondire questa vicenda, sinora poco indagata dagli studi, proponendosi di individuare gli elementi che favorirono il grande successo di Manzù e di Marino. Un’ampia selezione di sculture, dipinti e lavori grafici realizzati dai due artisti negli anni compresi tra il 1950 e il 1970 documenta la loro fiduciosa apertura verso le molteplici lingue della modernità e la capacità dimostrata da entrambi nell’incontrare il gusto di un colto e sofisticato mercato internazionale. 

Il percorso espositivo si apre con due opere emblematiche, il Grande ritratto di signora di Manzù e il Cavaliere di Marino - la prima del 1946, la seconda del 1945 - provenienti da prestigiose collezioni private: due sculture in grado di introdurre gli aspetti più importanti delle ricerche compiute dai due artisti, dal riferimento a Medardo Rosso per Manzù, alla questione della serialità posta dalle sculture di Marino. Seguono grandi bronzi, rilievi, dipinti e lavori grafici, in una successione che tiene conto dei temi maggiormente praticati da entrambi nei decenni presi in esame. Oltre al tema della danza che accomuna i due artisti, oltre ai celeberrimi Cardinali di Manzù e ai Giocolieri di Marino, una speciale attenzione viene dedicata ai ritratti; non soltanto per sottolineare l’interesse che entrambi nutrirono nei confronti di questo genere artistico, ma anche per fornire una chiave di lettura della loro personalità attraverso i nomi degli artisti, dei galleristi, dei collezionisti e delle personalità che ne sostennero e accompagnarono l’attività lungo gli anni cinquanta e sessanta, quali papa Giovanni XXIII, Igor Stravinskij, Marc Chagall, Jean Arp, Mies van der Rohe, John Huston, Kokoschka, il cardiochirurgo Barnard, oltre alle mogli, Inge Manzù e Marina Marini.

Marino (Pistoia 1901 – Viareggio 1980) si iscrive nel 1917 all’Accademia di Belle Arti di Firenze, dove frequenta i corsi di pittura e di scultura. Manzù (Bergamo 1908 – Roma 1991), a differenza di Marino, non può vantare un’educazione accademica; figlio di un calzolaio, egli si forma all’interno delle botteghe bergamasche specializzate nell’intaglio e nella doratura.

Tra la fine degli anni venti e l’inizio dei trenta Marino e Manzù si trasferiscono a Milano, dove ha inizio una stagione di riflessione e di ricerca che condurrà entrambi, nel giro di pochi anni, a imporsi nel contesto artistico nazionale. Nel 1935 Marino si aggiudica il premio di scultura alla II Quadriennale d’Arte Nazionale di Roma; all’edizione successiva dell’esposizione, nel 1939, il premio di scultura è assegnato a Manzù. La carriera dei due artisti prosegue con intensità lungo gli anni quaranta e alle mostre si succedono nuovi riconoscimenti. Nel 1948 Manzù allestisce una sala personale alla Biennale di Venezia e si aggiudica il premio per uno scultore italiano assegnato dal Comune di Venezia; nel 1952 il medesimo premio è assegnato a Marino. 

È all’indomani di questi riconoscimenti che per i due scultori si inaugura la fase di maggior impegno sul fronte internazionale: le loro opere figurano nelle più importanti esposizioni allestite in Gran Bretagna, Francia, Germania e Stati Uniti e, mentre dagli anni cinquanta l’attività di Marino si sposta principalmente all’estero, Manzù inizia a lavorare alla realizzazione della Porta della Morte per la Basilica di San Pietro, la cui inaugurazione, nel 1964, segna il punto di massima popolarità raggiunto dall’artista.

La mostra presso la Fondazione Magnani Rocca riunisce opere altamente significative di Marino e di Manzù e si propone di rileggere l’attività di questi due scultori proprio in relazione agli stimoli derivanti dal dibattito critico nazionale, alle novità avanzate dalle Biennali di Venezia e alla conoscenza dei contesti artistici internazionali.

La collaborazione da parte della Fondazione Marino Marini di Pistoia, del Museo Marino Marini di Firenze, della Fondazione Giacomo Manzù e del Museo Manzù di Ardea, di altri musei e di importanti collezioni private, ha consentito lo spostamento di opere viste raramente al di fuori dei singoli contesti museali o di dimore riservate, permettendo un confronto diretto - visivo e critico - tra Marino e Manzù che rappresenta la decisiva novità dell’esposizione.

Il ricco catalogo della mostra riunisce contributi di Barbara Cinelli, Marcella Cossu, Laura D’Angelo, Flavio Fergonzi, Giulia Manzù, Teresa Meucci, Stefano Roffi, Maria Teresa Tosi e affronta problemi nuovi secondo nuove prospettive di studio. All’approfondimento su questioni di contesto si aggiungono riflessioni sul genere del ritratto, sul significato della serialità in scultura, sulle fonti visive della scultura di Marino e di Manzù, sui modi in cui sono state fotografate le loro sculture e sulla ideologia scultorea che ne è sottesa.

MANZÙ / MARINO. Gli ultimi moderni

Fondazione Magnani Rocca, via Fondazione Magnani Rocca 4, Mamiano di Traversetolo (Parma). 

Dal 13 settembre all’8 dicembre 2014. Aperto anche tutti i festivi. Orario: dal martedì al venerdì continuato 10-18 (la biglietteria chiude alle 17) – sabato, domenica e festivi continuato 10-19 (la biglietteria chiude alle 18). Lunedì chiuso, aperto lunedì 8 dicembre.

Ingresso: € 9,00 valido anche per le raccolte permanenti - € 5,00 per le scuole. 

Informazioni e prenotazioni gruppi: tel. 0521 848327 / 848148 Fax 0521 848337 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.magnanirocca.it Il martedì ore 15.30 e la domenica ore 16, visita alla mostra con guida specializzata; non occorre prenotare, basta presentarsi alla biglietteria; costo € 12,00 (ingresso e guida). 

Ristorante nella corte del museo tel. 0521 848135.

Mostra e Catalogo (Silvana Editoriale) a cura di Laura D’Angelo e Stefano Roffi.

Ufficio Stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo

Stefania Bertelli Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. tel. 049 663499

La mostra è realizzata grazie a: FONDAZIONE CARIPARMA, CARIPARMA CRÉDIT AGRICOLE.

Sponsor tecnici: Angeli Cornici, Aon Artscope Fine Art Insurance Brokers, Butterfly Transport,

Gazzetta di Parma, Kreativehouse, Hotel Palace Maria Luigia, SINA Fine Italian Hotels, 

TEP, Società per la Mobilità e il Trasporto Pubblico.

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Landscape: the virtual, the actual, the possible?

Landscape: the virtual, the actual, the possible? considers visual, perceptual, and conceptual systems that have become increasingly unstable, both physically and metaphorically. Across various regions, situations, and contexts, artists are tracking our changing experience of nature as a space in image making, reproduction, and replication.

This exhibition at Guangdong Times Museum invites creative perspectives to connect two distinct geographic and cultural contexts, California in the United States and the Pearl River Delta region in China: from the cybernetic utopia and technology frontier to the world factory of electronic products; from the natural romanticism and ecology movements to massive urbanization and land struggles. The featured artworks touch upon subjects such as nature, landscape, the urban garden, virtual reality, digital technology systems, and their junctures.

The exhibition proposes possible links between this seemingly new, technologically mediated perspective versus ways of looking at the world that are rooted in traditional Chinese philosophy. In the latter, the works of humanity, far from imposing order on the landscape, seem designed expressly to conform to its natural contours. This corresponds with a cultural value system that views humanity and nature as sharing a common structure, their order and forms resonating and flowing in dynamic balance. The exhibition calls upon ideas of change, interconnectedness, and imagination inspired by Chinese traditional art and how they provide a vision, experience, and memory of landscape.

  • Artists:
    Lucas Blalock
    Elina BrotherusMarcelo CidadeTacita DeanCharles GainesVidya GastaldonPaul KosLiang ShuoAnthony McCallAlicia McCarthyCharlotte MothSimon PyleHiraki SawaMaaike SchoorelLois WeinbergerZhao RenhuiZhou TaoToby ZieglerChen XiaoyunTsang Kin WahZheng Guogu
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  • Open:
    Tuesday, 27 May 2014
  • Close:
    Sunday, 27 July 2014
  • Address:
    Times Museum, Times Rose Garden, Huang Bian Bei Lu, Bai Yun Da Dao, Guangzhou, China
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +8620 26272363
  • Web:
    Guangdong Times Museum
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Free
  • Photo credits:
    1. Liang Shuo, Fit#8, Courtesy Yang Gallery and the artist; 2. Paul Kos, Sound of Ice Melting, Kadist collection (Paris), Courtesy the artist; 3. Marcelo Cidade, Adição por subtração, Kadist collection (SF), Courtesy the artist
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Hlysnan: The Notion and Politics of Listening

Despite many current exhibitions around the subject of sound in which the focus often lies on the visualisation of sound waves or the technicalities and materiality involved around it, Hlysnan: The Notion and Politics of Listening at Casino Luxembourg departs from the representation and visual rendering of acoustic space and submits the auditory perception for consideration. Rather than displaying works destined for the eyes, the emphasis lies on the immaterial, the non-consumerist and the non-spectacle, in order to achieve a heightened concentration on the targeted sense.

In the Old English word hlysnan, “to listen”, the focus is on the notions of attention and intent: similarly the emphasis in the project Hlysnan: The Notion and Politics of Listening, curated by Berit Fischer and Kevin Muhlen, lies on the active act not merely of hearing – usually referring to automatic or passive sound perception – but rather specifically on listening; hearing with intent.

The exhibition attempts to reconcile audio practices with contemporary social and political realities and invites the visitor to actively experience, listen and engage with the sense of hearing to the various complex interplays. Part of the investigations is for example the vocal gesture in specific situations like political speeches, legal and juridical contexts, or recording techniques and their impact in regard to documentation, writing and (re)creating history, and in the shaping of our culture and reality. The soundscapes and sonorous textures emanating from specific works presented in the exhibition may provoke immediate physical reactions, whereas other audible stimulus may address and question socio-political issues.

Listening requires intensified concentration and attentiveness towards what one is listening to; it is linked to the notion of desire, anticipation and understanding, a striving for a possible meaning. This exhibition understands listening as agency, as gesture, as attitude and as taking a position.

  • Artists:
    Lawrence Abu Hamdan
    Angie AtmadjajaKader AttiaNina Beier & Marie LundDaniela Brahm & Les SchliesserPeter CusackClare GassonMarco GodinhoChristine Sun KimBrandon LabelleAndra McCartneyJohn MenickAngel Nevarez & Valerie TevereUdo NollEmeka OgbohYoko OnoSusan SchuppliChristine Sullivan & Rob FlintJohn Wynne
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  • Open:
    Saturday, 17 May 2014
  • Close:
    Sunday, 07 September 2014
  • Address:
    Casino Luxembourg – Forum d‘art contemporain, Rue Notre-Dame 41, L-2240 Luxembourg
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +352 22 50 45
  • Web:
    Casino Luxembourg
  • Opening hour:
    Mon - Fri | 11 am - 7 pm; Sat, Sun, public holidays | 11 am - 6pm
  • Closing day:
    Tuesday
  • Admission:
    Adults (26 - 59 years) 5€; Young people (21 - 25 years), 60+, groups (min. 10 pers.) 3€; Children and students (0 - 25 years) free; Free entrance for Laissez-Passer, muséeskaart, LuxembourgCard, Amis des Musées Luxembourg, AICA, AMGR, ICOM, ICOMOS, IKT, Kulturpass, Press and on Thursday evenings from 6pm to 8 pm
  • Transport:
    By bus: any bus line to Centre Hamilius (Aldringen); By vélo'h: Station 12, Aldringen; By car: Parking Aldringen
  • Photo credits:
    1. Angel Nevarez & Valerie Tevere, What we might have heard in the future, 2010/2014. Installation view at Casino Luxembourg 2014. © Patrick Galbats; 2. John Menick, Subliminal Projection Company, 2009, Installation view at Casino Luxembourg 2014 © Patrick Galbats
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(Mis)Understanding Photography

Museum Folkwang presents a large-scale exhibition of key contemporary photo-works, projects, films and installations by a wide range of artists: Tacita Dean, Hans-Peter Feldmann, John Hilliard, Erik Kessels, Sherrie Levine, Ugo Mulas, Barbara Probst, Timm Rautert, Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans, Timm Ulrichs, Gillian Wearing, Christopher Williams and more than thirty others.

Today artists acutely aware of the omnipresence of photographic images produce works exploring numerous aspects of photography: its materiality, its popularism, its psychological impact, its claims to objectivity, and its force in mass media. Against a familiar backdrop of the accelerating disappearance of analog photography and the simultaneously triumphal progress of digital photography, these works explore new ways of re-picturing and inhabiting that history.

(Mis)Understanding Photography presents a history of photography wild and ironic, melancholic and resolved at the same time it sets sights on the old longings and obsessions that people still connect with the camera. Within this exhibition is another exhibition – Manifestos – presenting ground-breaking texts by those who are always the most radical writers on photography: photographers themselves. László Moholy-Nagy, August Sander, Henri Cartier-Bresson, Martha Rosler and Germaine Krull and many others wrote strong declarative texts - in a 20th century context of avant-garde movements deeply wound up with photography announcing their intentions in seminal publications of all sorts and even radio broadcasts exhorting readers and listeners to see the world with new eyes through the new medium.

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  • Open:
    Saturday, 14 June 2014
  • Close:
    Sunday, 17 August 2014
  • Address:
    Museum Folkwang, Museumsplatz 1 D-45128 Essen, Germany
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +49 201 8845 000
  • Web:
    Museum Folkwang
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 10am - 6pm; Fri | 10am - 10pm
  • Closing day:
    Monday
  • Photo credits:
    Aneta Grzeszykowska: Untitled Film Stills #3, 2006, Courtesy of Raster gallery, Warsaw © Aneta Grzeszykowska
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8th Berlin Biennale

The 8th Berlin Biennale, on view from May 29 until August 3, brings together a range of international artistic positions that explore the intersection between larger historical narratives and individuals’ lives. The majority of the participating artists have produced new works for the exhibition, which proposes new perspectives on the facets of and relations in history. It spans four distinct venues in western Berlin and Berlin-Mitte—Haus am Waldsee, Museen Dahlem – Staatliche Museen zu Berlin, KW Institute for Contemporary Art, and Crash Pad c/o KW.

Juan A. Gaitán, Curator of the 8th Berlin Biennale stated that “one of the most exciting challenges faced by the 8th Berlin Biennale and its team relates to the decision to invite such a broad and international group of artists to take part in the exhibition and to develop newly commissioned works. Several of the works, for instance, were conceived in direct connection to the museums in Dahlem and to the colonial and imperial logic that it embodies in the collecting and display of artifacts belonging to other cultures. Other works in the exhibition have to do with the contemplative regime that is established in the display of the contemporary museum, which emphasizes the semblance of things and privileges a Western form of aesthetic appreciation. Following this discourse, other works engage directly with the mechanisms of the image, its production, and myriad functions.”

Juan A. Gaitán worked with an artistic team formed by Tarek Atoui, Natasha Ginwala,Catalina Lozano, Mariana Munguía, Olaf Nicolai and Danh Vo.

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Doni d'amore. Donne e rituali nel Rinascimento alla Pinacoteca Züst

Nell’autunno 2014 la Pinacoteca Züst inaugurerà la mostra Doni d’amore. Donne e rituali nel Rinascimento presentando al pubblico una selezione di preziosi oggetti che tra il XIV e il XVI secolo venivano offerti alla donna per celebrare il fidanzamento, il matrimonio e la nascita di un erede. In queste occasioni la cultura del tempo conferiva alla figura femminile, solitamente relegata all’ambito domestico, un ruolo fondamentale che le famiglie abbienti festeggiavano con fastose cerimonie e commissionando pregiati manufatti da offrirle in dono. 

La mostra – articolata in tre sezioni ciascuna dedicata a uno dei felici eventi – proporrà al pubblico, sulla scorta di quanto annotato nei documenti e nei libri di ricordi, i regali destinati alla figura femminile: dal cofanetto contenente piccoli oggetti in avorio e costose cinture, che il futuro sposo inviava alla giovane per suggellare il fidanzamento, ai gioielli e allesuppellettili, offerte dal marito e dal suo parentado o portate in dote dalla sposa il giorno delle nozze, fino a comprendere un desco da parto e stoviglie in maiolica, utilizzati per servire alla puerpera il primo pasto rinvigorente dopo le fatiche, e lo scampato pericolo, del parto. 

Tra i regali nuziali figureranno anche cassoni e fronti di cassoni dipinti, arredi fino alla metà del XV secolo commissionati dal padre della sposa – dentro i quali riporre il corredo – ed esibiti durante il corteo che dalla dimora natale la scortava a quella del marito, per poi essere collocati all’interno della camera padronale, mentre a partire dalla seconda metà del ’400 la loro committenza spetterà allo sposo e alla sua famiglia.

Attraverso questi oggetti sarà possibile delineare una storia del ruolo della figura femminile in epoca tardogotica e rinascimentale e dei rituali che ne segnavano il passaggio da fanciulla posta sotto la tutela del padre a sposa assoggettata al marito. Passaggio che, oltre ad essere vincolato da accordi privati, richiedeva cerimonie pubbliche per comunicare all’intera cittadinanza il potere politico ed economico acquisito dai due casati attraverso l’alleanza matrimoniale. Queste celebrazioni costituivano l’occasione per ribadire il proprio rango sociale e ostentare le risorse finanziarie di cui si poteva disporre, fino al punto che per arginare l’eccessivo sfarzo delle feste e dei doni le città furono costrette a emanate leggi suntuarie. Furono proprio pregiati oggetti come la valva di specchio eburnea con la scena dell’Assalto al castello d’amore in mostra nella sezione dedicata al fidanzamento, il cassone inedito dipinto e dorato proveniente dal Museo veronese di Castelvecchio in quella del matrimonio e la testa di martora in cristallo di rocca con smalti e rubini della collezione Thyssen-Boernemisza nella sezione della nascita a indurre le autorità a limitare e regolamentare le spese consentite. 

Tema dominante del percorso espositivo sarà la lettura delle valenze simboliche attribuite dalla società del tempo ai manufatti realizzati per questi eventi. Se a un primo sguardo la preziosità dei materiali e la raffinatezza della lavorazione ne segnalavano l’elevato costo, la scelta dei materiali sottintendeva significati più intimi e reconditi: dall’allusione erotica degli oggetti da toeletta in avorio, materia dalla coeva letteratura equiparata per il suo candore e levigatezza all’incarnato femminile, ai messaggi beneauguranti degli anelli, dovuti alle proprietà delle pietre preziose incastonate. A questi contenuti in alcuni casi si sovrapponeva quello suggerito dalla conformazione stessa dell’oggetto: gli anelli dettimaninfede evocavano, per il motivo delle due mani intrecciate, la promessa di matrimonio sancita dalla stretta di mano, mentre il cofanetto richiamava, per la sua funzione di contenere e custodire, il grembo femminile ricettacolo del seme maschile. Altre volte, le valenze simboliche erano desunte da antiche tradizioni, come nel caso della cintura considerata emblema di castità, e perciò tipico dono di fidanzamento, in relazione al rito di epoca romana di annodare alla vita della sposa un nastro sciolto dal marito la prima notte di nozze. 

Sempre alla sfera simbolica sono da ricondurre le iconografie scelte per decorare questi splendidi manufatti. I temi, ­riproposti su oggetti in materiali diversi, erano per lo più attinti dalla storia antica e dalla letteratura e volti a esaltare le virtù muliebri di purezza, obbedienza e fedeltà, qualità all’epoca ritenute essenziali per una moglie. Per il desco da parto e le stoviglie in maiolica destinati alla puerpera si prediligevano, invece, scene di nascita riprese da quelle di ambito sacro – esposti in mostra insieme a un trattato medico sul concepimento e la nascita – in modo da sottolineare la buona riuscita del parto e l’incolumità della madre. 

Per arricchire il contesto espositivo ed evidenziare i significati degli oggetti sarà proposto l’accostamento con dipinti coevi nei quali gioielli, tessuti e manufatti si trovano raffigurati.

In occasione della mostra, che proporrà opere provenienti dai maggiori musei italiani e svizzeri oltre che da collezioni private, sarà realizzato un catalogo illustrato corredato di saggi e schede con un taglio prettamente interdisciplinare in modo da evidenziare i valori sociali e simbolici che questi oggetti assumevano per la società del tempo e renderli così immediatamente comprensibili anche per il pubblico più vasto.

DONI D’AMORE

Donne e rituali nel Rinascimento

Sede: Pinacoteca cantonale Giovanni Züst, Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera

Date: 12 ottobre 2014 – 11 gennaio 2015

A cura di: Patricia Lurati

Coordinamento scientifico e organizzativo: Mariangela Agliati Ruggia e Alessandra Brambilla

Contributi in catalogo di

Allestimento:Arch.Rolando Zuccolo

Ufficio stampa: Studio ESSECI – Sergio Campagnolo – Padova, Italia

Informazioni:

Pinacoteca cantonale Giovanni Züst

CH-6862 Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera

Tel. +41 (0)91 816 47 91; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.; www.ti.ch/zuest 

Orari, prezzi e servizi:

Da martedì a venerdì: 09.00-12.00 / 14.00-18.00

Sabato, Domenica e festivi: 10.00-12.00 / 14.00-18.00

Chiuso: il lunedì; 24, 25, 31/12. Altri festivi aperto.

Ingresso: CHF 10.-/€8,70; ridotto (pensionati, studenti, gruppi): CHF 8.-/€7; gratuito per le scuole ticinesi. Visite guidate su prenotazione anche fuori orario; bookshop; audioguide; parcheggi nelle vicinanze.

Ufficio stampa 

per la Svizzera:

Pinacoteca Züst – Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera

Tel. +41 (0)91 816.47.91; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.; www.ti.ch/zuest 

per l’Italia:

Studio ESSECI – Sergio Campagnolo – Padova, Italia

Tel. +39 049.663.499; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.; www.studioesseci.net 

COME RAGGIUNGERE LA PINACOTECA ZÜST

Rancate si trova a pochi chilometri dai valichi di Chiasso, Bizzarone (Como) e del Gaggiolo (Varese), presso Mendrisio, facilmente raggiungibile con l’ausilio della segnaletica. Per chi proviene dall’autostrada Milano-Lugano l’uscita è Mendrisio: alla prima rotonda si gira a destra e mantenendo sempre la destra si giunge dopo poco più di un chilometro nel centro di Rancate. La Pinacoteca è all’inizio della piazza della chiesa parrocchiale, sulla sinistra della strada. Rancate è raggiungibile anche in treno, linea Milano-Como-Lugano, stazione di Mendrisio, e poi con la navetta “CittàBus” linea 3 – corse ogni mezzora – o a piedi, in 10 minuti.

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I protagonisti della Fotografia Europea a Lucca

Dal 6 settembre al 6 ottobre, il Palazzo della Fondazione Banca del Monte a Lucca sarà palcoscenico della seconda edizione dell’European Photo Exhibition Award epea02, la prestigiosa rassegna della giovane fotografia continentale promossa dalla Fondazione Banca del Monte di Lucca (Italia), dalla Fundção Calouste Gulbenkian (Portogallo),Institusjonen Fritt Ord (Norvegia) e Körber-Stiftung (Germania). 

The new social” è il titolo della seconda edizione, i cuiprotagonisti sono stati individuati tra i fotografi che vivono e lavorano in Europa e non solo (oppure principalmente in Europa) con l’obiettivo di promuovere artisti all’inizio di carriera, mettendo loro a disposizione strutture internazionali, stimolandoli a lavorare insieme e a confrontarsi con esperti del settore scelto, a scambiarsi opinioni e condividere i metodi di lavoro. 

Dalla pace globale alla difesa dell’ambiente, dai diritti delle donne a quelli degli immigrati, oggi stiamo assistendo sempre più alla comparsa di nuovi movimenti che possiamo definire sociali, in quanto ispirati alla difesa dei diritti umani. Lavorare su questi nuovi scenari sociali e presentarli al grande pubblico declinati attraverso l’occhio sensibile di fotografi giovani e con una provenienza e un background diversi, significa non solo sollecitare una riflessione importante ma anche stimolare la partecipazione democratica.”, a dirlo èGiuliano Nieri, vicepresidente della Fondazione Banca del Monte di Lucca. 

La scelta dei 12 talenti europei 2014 è stata affidata a un pool di esperti nominati da ciascuna delle Fondazioni che hanno promosso epea. Si tratta di Rune Eraker (fotografo freelance, Oslo), Sérgio Mah (curatore e sociologo, Lisbona), Ingo Taubhorn (curatore presso la House of Photography / Deichtorhallen, Hamburg), mentre a rappresentare la Fondazione lucchese è stato anche questa volta Enrico Stefanelli, ideatore e direttore artistico del Photolux Festival. 

In questa seconda edizione – sottolinea Stefanelli –, i fotografi partecipanti sono chiamati a ritrarre i nuovi scenari sociali, lavorando su temi di forte attualità e cercando di esplorare i segnali rilevatori dei cambiamenti di identità culturale, di stili di vita, di modi di comunicare, in un’analisi critica dei nuovi modelli di partecipazione civica, sociale e politica.” 

Stefanelli ha indirizzato la sua scelta su tre giovani ma già affermati professionisti: Simona Ghizzoni, fotografa dell’Agenzia Contrasto, vincitrice di due World Press Photo; Massimo Berruti, fotografo dell’Agenzia VU, vincitore di un World Press Photo e di altri prestigiosi riconoscimenti internazionali, e il polacco Jan Brykczynski, giovane professionista facente capo al Collettivo Sputnik. 

Gli altri selezionati sono: Patricia Almeida (Portogallo), Eric Giraudet de Boudemange (Francia), André Cepeda (Portogallo), Linda Bournane Engelberth (Norvegia), Kiril Golovchenko (Ukraina), Arja Hyytiainen (Finlandia), Espen Rasmussen (Norvegia), Spephanie Steinkpf (Germania) e Paula Winkler (Germania). Otto i Paesi rappresentati (nella prima edizione erano 5): Italia, Francia, Germania, Ukraina, Portogallo, Finlandia, Polonia, Norvegia.

I loro reportage saranno in mostra al Palazzo della Fondazione Banca del Monte di Lucca dopo esserlo stati ad Oslo, e prima delle tappe di Parigi (21 ottobre – 20 dicembre) eAmburgo (31 marzo – 31 maggio 2015). Da sottolineare che la prima edizione della manifestazione è stata visitata nelle quattro sedi da oltre 130 mila persone.

Numerose anche quest’anno le iniziative collaterali. Tra queste, il 6 settembre alle 10.00 c’è “Fotogiornalismo e New Media”, il seminario organizzato dall’agenzia “Contrasto” sui nuovi linguaggi di comunicazione per i professionisti del settore, a seguito della rivoluzione multimediale che stiamo vivendo. Segue alle ore 17.30 una conversazione sulla fotografia con Roberto Koch e Pier Giorgio Branzi.

Apertura al pubblico: 6 settembre 2014 alle ore 18.30, Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca (Piazza San Martino 7).

Vernissage: 11 settembre 2014 alle ore 18,30, Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca (Piazza San Martino 7).

Per informazioni:

European Photo Exhibition Award epea02, The new social

Palazzo della Fondazione Banca del Monte di Lucca

Piazza S. Martino n. 7 - Via del Molinetto, Lucca

Apertura al pubblico

Dal 6 settembre 2014 (post inaugurazione) al 6 ottobre 2014

Orari mostra:

- dal lunedì al venerdì: dalle 11.00 alle 19.30

- sabato, domenica e festivi: dalle 10.00 alle 19.30

Ingresso libero 

Per informazioni

www.epeaphoto.org

www.fondazionebmlucca.it

www.fondazionebmluccaeventi.it

www.photoluxfestival.it

Ufficio stampa Lucca:

Anna Benedetto :: 347.40.22.986 :: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Chiara Parenti :: 349.66.48.615 :: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

In collaborazione con: 

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Liverpool Biennial 2014

The 2014 Liverpool Biennial Exhibition, titled A Needle Walks into a Haystack, is curated by Mai Abu ElDahab and Anthony Huberman and takes place in seven venues, including the historic Trade Union Centre on Hardman Street, Tate Liverpool, the Bluecoat, FACT, and in the public realm.

Continuing its commitment to producing new work and this year, also inviting artists to show some of their previous projects, the Biennial group show presents work by Uri Aran (Israel), Marc Bauer (Switzerland), Bonnie Camplin (UK), Chris Evans (UK), Rana Hamadeh (Lebanon), Louise Hervé & Chloé Maillet (France), Judith Hopf (Germany), Aaron Flint Jamison (US), Norma Jeane (US), Nicola L. (FR), William Leavitt (US), Christina Ramberg (US), Michael Stevenson (New Zealand), Josef Strau (Austria), Peter Wächtler (Germany) and Amelie Von Wuffen (Germany).

Alongside the group show, A Needle Walks into a Haystack will feature four solo presentations: a transformation of Tate Liverpool’s Wolfson Gallery by the legendary French architect Claude Parent, one of the avant-garde’s most revered and radical figures; an exhibition devoted to James McNeill Whistler at Bluecoat; the first solo show in the UK of American artist and filmmaker Sharon Lockhart; the takeover of an apartment in Liverpool for a series of screenings and conversations around the work of experimental Belgian TV director Jef Cornelis, exploring the relationship between television and art, documentary and artist films.

Over the weekend of 19 - 21 September, a programme of performances titled The Companion will take place, which will mirror and reflect on various times of the day: artists appear in cafés during breakfast, at bus stops during the morning commute, in a pharmacy during an afternoon errand, or in a theatre right after dinner. In addition, there will be work by artists and curators in solo and group shows and performances throughout the city.

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  • Open:
    Saturday, 05 July 2014
  • Close:
    Sunday, 26 October 2014
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +44 330 123 0584
  • Web:
    Liverpool Biennial
  • Photo credits:
    1. Michael Stevenson: Proof of the Devil, 2013, Courtesy of Michael Lett and the artist; 2. Norma Jeane: #Jan25 (#Sidibouzid, #Feb12, #Feb14, #Feb17…), 2011, Courtesy of Giulio di Gropello, Photo by Tommaso Zamarchi; 3. Josef Strau: Exercises, 2013, Courtesy of the artist and Greene Naftali, Photo by Jason Mandella; 4. Chris Evans: Home Entertainment 4 Metres, 2011, Photo by I-Ling Liao, Courtesy the artist and Juliette Jongma
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Le Mur

For its tenth anniversary, La Maison Rouge presents Le mur (The Wall) – works from the collection of Antoine de Galbert, the eleventh in a series of exhibitions showing private collections.

After ten exhibitions showing diverse collectors’ worlds, this anniversary brings a much-awaited opportunity for a broader presentation of the collection assembled by la maison rouge’s founder and chairman, Antoine de Galbert; he decided to put aside curatorial approaches for “an order that would be defined by a computer programme with, as sole data, their size when framed and inventory number. The programme was developed by an IT specialist using the Monte-Carlo method, a process that calculates a numerical value using random processes, i.e. probabilistic techniques. Its name alludes to the random nature of casino games.”

Le Mur will raise a certain number of questions concerning the actual act of collecting, hanging, storing and showing art. It is also a diachronic portrait of a collector who reveals his likes and tastes to the world without disowning any of his choices, past or present. Ultimately the visitor makes his or her own selection, invents their own itinerary, guided by their own perception, curiosity and tastes…

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  • Open:
    Saturday, 14 June 2014
  • Close:
    Sunday, 21 September 2014
  • Address:
    10 bd de la bastille, 75012 Paris
  • Mail:
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  • Phone:
    +33 1 40 01 08 81
  • Web:
    La Maison Rouge
  • Opening hour:
    Wes - Sun | 11am - 7pm; Thu | 11am - 9pm
  • Admission:
    Full price: € 9 Concessions: € 6 (13-18, students, full-time artists, over 65s); Free for under 13s, job-seekers, companions to disabled visitors, members of ICOM
  • Transport:
    Metro: Quai de la Rapée (line 5) or Bastille (lines 1, 5, 8); RER: Gare de Lyon; Bus: 20, 29, 91
  • Photo credits:
    View of the exhibition, photo © Marc Domage, courtesy of la maison rouge
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Urgent Action

The exhibition Acción Urgente [Urgent Action] is the result of exhaustive research by Cecilia Rabossi and Rodrigo Alonso. It explores the actions carried out by interdisciplinary groups of artists from Argentina, Bolivia, Brazil, Chile, Paraguay, Peru, and Uruguay during the last twenty years, all of which form part of a phenomenon that became vital to the region’s art scene during this period. In response to the surrounding political, social, and economic realities, these groups have deployed artistic practices geared to making an array of issues visible. The works in the exhibition evidence the originality, spontaneity, and range of aesthetic resources used in actions that engage the public space of the city as setting.

Such actions include the satirical and provocative laughter of Grupo Etcétera as, in the nineties, it staged public denouncements of those involved in perpetrating repression during the last military dictatorship in Argentina; the reinvention of graffiti by the Mujeres Creando collective in Bolivia; and the original proposals ofFrente 3 de Fevereiro in Brazil to condemn racism. Together, these and other outstanding proposals formulate the dialogue that runs through the exhibition.

The artists’ collectives challenge individual creation for the sake of highly political collective authorship. They operate at the margins of institutions and use the mass media to circulate, produce, and communicate their actions. As such, these collectives formulate new modes of aesthetic and political experimentation in the public space.

  • Artists:
    Escombros
    Costuras UrbanasEtcétera (Internacional Errorista)Viva Laura PérezMujeres PúblicasIconoclasistasMujeres CreandoFrente 3 de FevereiroOpavivaráContrafiléCuadernos de MovilizaciónJavier López & Erika MezaColectivo Sociedad CivilLa PerreraClemente PadínGrupo Mujeres Artistas en Movimiento
  •  
  • Open:
    Saturday, 05 July 2014
  • Close:
    Sunday, 24 August 2014
  • Address:
    Av. Pedro de Mendoza 1929 La Boca, Caminito, Buenos Aires, Argentina
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +54 11 4104 1000
  • Web:
    Fundación Proa
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 11am - 7pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Free
  • Transport:
    Buses: 20, 25, 29, 33, 46, 53, 64, 152
  • Photo credits:
    1. Etcétera: OPERACIÓN B.A.N.G. Desembarco errorista en la Cumbre de las Américas. Mar del Plata, 2005, © Archivo Etcétera; 2. Escombros: Crimen seriado, 1995, Intervención en un bosque de La Plata © Escombros; 3. Grupo Costuras Urbanas: Privatizado, 1997, Documentación fotográfica de la acción homónima en el Palacio de Justicia, Córdoba, Argentina © Costuras Urbanas; 4. m.a.m mujeres artistas en movimiento: Despenalización del Aborto, 2003, Documentación fotográfica de intervención urbana realizada en la Plaza 1º de Mayo, Montevideo, Uruguay © m.a.m artistas en movimiento
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Bouchra Khalili: The Speeches Series, video trilogy, 2012-2013

Van Abbemuseum (Eindhoven) presents the first edition of Positions, with contributions by five international artists: Lawrence Abu Hamdan, Céline Condorelli, Bouchra Khalili, Charles van Otterdijk, and Koki Tanaka. Positions is a new exhibition format that sets a series of projects in dialogue with one another in the ten galleries of the museum's old building. It will be held from the 5 July to 12 October 2014.

French-Moroccan artist Bouchra Khalili will present the three-part work The Speeches Series – shown together for the first time in Positions. Bouchra Khalili’s work explores issues of nomadism, clandestineness and resistance, both in terms of discourse and representation. Her film work has sought to mediate these ideas by looking at how language, the body and even landscape might combine to articulate a political position. More specifically, Khalili’s has focused on political minorities, of which she views the contemporary migrant a part, looking how their position is elaborated from the margins.

The Speeches Series is built around three films, each comprised of five speeches by migrants that Khalili has collaborated closely with in Paris, Genoa and New York. The films focus respectively on mother tongues and dialects, citizenship, and working class. For the first chapter, Mother Tongue, Bouchra Khalili collaborated with five exiled people based in Paris and its outskirts, inviting them to translate, memorize, and « re- tell » fragments of major texts from political thought and contemporary culture written by Malcom X, Abdelkrim El Khattabi, Édouard Glissant, Aimé Césaire, and Mahmoud Darwish. For the second chapter, Words on Streets, Khalili worked with five immigrants in the Italian city of Genoa, who devised original manifestos that address notions of nationality, citizenship and belonging. The third and final chapter Living Labour sees five subjects in New York analyse the structure of oppression as it is reflected in labour conditions, epitomising social and political exclusion.

Viewed together The Speeches Series is a compelling examination of both the position of the contemporary immigrant as political subject as well as the power and empowerment of the speech act itself and how it can resonate across different contexts and histories. Together, Khalili’s precisely formulated films see the reality and struggle of the migrant, both contemporary and historical, mediated through speech, revealing how the marginalised or excluded finds agency in articulating their position.


Bouchra Khalili was born in 1975, in Casablanca, Morocco. She lives and works in Berlin. Speeches – Chapter 1: Mother Tongue had its premiere at Intense Proximity, La Triennale, Palais de Tokyo, Paris, 2012, curated by Okwui Enwezor. Words on Streets was first shown at The Encylopedic Palace, 55th Venice Biennale, 2013 curated by Massimiliano Gioni. Living Labour was first presented as part of Khalili’s solo project at the Perez Art Museum, Miami in 2013, curated by Diana Nawi.

Curator: Nick Aikens

During the opening, on the 5th of July, there will be free access to the museum from 3pm until closure at 7pm.

  • Artists:
    Bouchra Khalili
  •  
  • Open:
    Saturday, 05 July 2014
  • Close:
    Sunday, 12 October 2014
  • Address:
    Van Abbemuseum, Bilderdijklaan 10 5611 NH Eindhoven, Netherlands
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
    "> Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +31 40 238 10 00
  • Web:
    Van Abbemuseum
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 11am – 5pm
  • Photo credits:
    Bouchra Khalili: The Speeches Series, video trilogy, 2012-2013, courtesy of the artist and of Van Abbemuseum
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Palazzo dei Diamanti annuncia la Barcellona di Picasso e Gaudí

La rosa di fuoco, o meglio La Rosa de Foc, per dirla alla catalana, per gli anarchici indicava all’inizio del Novecento il nome in codice di Barcellona. Nome che evoca, allo stesso tempo, il fermento che a cavallo del secolo infiammava la vita politica, sociale e culturale della capitale catalana, ma anche i violenti attentati dinamitardi di cui fu teatro la città.

A mutare volto e storia di Barcellona era stata, nel 1888, la grande Esposizione universale che aveva introdotto dirompenti idee di modernità in una capitale ancora decentrata rispetto al cuore avanzato d’Europa. Nuovi modelli di vita, nuovo benessere e nuove visioni creative si accompagnavano all'espansione industriale ed economica della regione. 

In quegli anni a Barcellona il giorno continuava la notte e i caffè e i ritrovi lungo le Ramblas e nel Barrio Gotico pulsavano di gente e di incontri. I poeti, gli intellettuali, i pittori avevano base a Els Quatre Gats e da qui sciamavano per ogni dove, spesso approdando a Parigi. 

La crescita culturale ed economica della capitale catalana fu però accompagnata da marcate tensioni sociali che nel luglio del 1909, durante quella che venne chiamata la Settimana tragica, sfociarono in una serie di violente contestazioni e in una cruenta repressione che decretò la fine di questa irripetibile stagione. 

Di questi anni fecondi e inquieti e della colorata, sanguigna fucina di talenti che li animò dà conto La rosa di fuoco, la grande mostra con cui Palazzo dei Diamanti apre la stagione espositiva 2015-2016, firmata dalla direttrice dell’istituzione ferrarese, Maria Luisa Pacelli.

La rosa di fuoco, ovvero l’arte e le arti a Barcellona tra 1888 e 1909, rispecchia perfettamente la cifra culturale dei Diamanti: mostre accuratamente selezionate, approfondite, particolari, mai banali. Rassegne che presentano in Italia artisti straordinari ma poco frequentati (tra i tanti Reynolds, Chardin, Zurbarán...) o snodi fondamentali della storia dell’arte da prospettive inedite. 

Anche in questa esposizione, infatti, i grandi protagonisti della storia dell’arte sono presentati da punti di vista meno scontati: è il caso del giovanissimo Picasso che, quantunque alle prime prove, nel giro di qualche anno conquista la scena artistica catalana e parigina, con il tratto graffiante del suo precoce talento. Accanto a nomi celebri, vengono proposti artisti che ai più risultano ignoti, ma sono ugualmente di altissimo livello. Pensiamo a Ramon Casas, Santiago Rusiñol o Isidre Nonell che, a differenza di Picasso, fecero ritorno in patria anziché diventare astri del palcoscenico parigino.

Questa è una mostra di forti colori e forti emozioni. Si passa, non a caso, dal caleidoscopio delle tavolozze di fine Ottocento, ai colori acidi e brillanti delle effigi della moderna vita notturna, fino alla dominante blu dell’ultima sala della mostra. Poiché Picasso, e con lui altri animi inquieti, scelsero questo colore per esprimere il dolore e la solitudine che il progresso si lasciava dietro nella sua marcia trionfante.

È una mostra che offre pittura bellissima ma che, con garbo, invita il visitatore a soffermarsi anche sulle altre arti. L’architettura di Gaudí, naturalmente, ma anche grafica, arredi, gioielli, ceramiche e sculture. Si tratta di aree di approfondimento circoscritte, rispetto alla ricchezza della proposta di dipinti, che offrono al visitatore preziose chiavi per far capire come tutte le arti siano state percorse da un medesimo fuoco di rinnovamento, nessuna esclusa.

Informazioni

0532-244949

www.palazzodiamanti.it

Ufficio Stampa

Studio ESSECI di Sergio Campagnolo 

Te. 049 66 34 99

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Rinascimenti Eccentrici: DOSSO DOSSI al Castello del Buonconsiglio

L’Ariosto, nel XXXIII canto dell’ Orlando Furioso, cita i fratelli Dossi tra i pittori di quai la fama sempre starà fin che si legga e scriva al pari di Leonardo, Mantegna, Bellini, Michelangelo, Raffaello, Sebastiano del Piombo e Tiziano. Dosso, il più famoso dei fratelli Dossi, raggiunse gloria, fortuna ed ebbe commissioni dalle più importanti corti rinascimentali italiane. La mostra, allestita in quelle stesse sale che tra il 1531 ed il 1532 lo videro protagonista a Trento assieme al fratello Battista nella decorazione del Magno Palazzo del Castello del Buonconsiglio, racconterà lo straordinario percorso di questo eccentrico pittore del Rinascimento. Ideata dalla Galleria degli Uffizi di Firenze nell’ambito del progetto “La città degli Uffizi”, la rassegna proporrà una trentina di dipinti che metteranno a confronto le opere di Dosso e Battista tracciando le tappe artistiche di Dosso alla corte di Alfonso d’ Este a Ferrara, a Pesaro presso la duchessa Eleonora d’ Urbino fino a Trento al servizio del principe vescovo Bernardo Cles. Questi magnifici dipinti realizzati da Dosso nel corso della sua lunga e fortunata carriera dialogheranno con gli affreschi del castello. Il principe vescovo Bernardo Cles, consigliere degli imperatori Massimiliano I e Carlo V, grande umanista, amico di Erasmo da Rotterdam e cardinale che sfiorò l’elezione a pontefice, ha per Dosso parole di elogio e ammirazione. Del resto, Dosso arriva a Trento preceduto da grande fama tanto da essere pagato il doppio rispetto ai colleghi Fogolino e Romanino, anche loro impegnati a rendere magnifica la residenza principesca. La rassegna sarà un modo per ricordare anche il legame che unì i Dossi alla città del Concilio: Trento fu infatti la città che diede i natali a Niccolò Lutteri il padre di Dosso e Battista, e dove visse prima di trasferirsi a Mirandola sul finire del Quattrocento. Verosimilmente un giovanissimo Dosso iniziò da Mirandola un percorso formativo che lo portò a conoscere i più grandi maestri del Rinascimento. Nella complessa pittura di Dosso, originale, elegante ed allegorica, affiora costantemente l’influenza dei grandi maestri: da Venezia apprende la lezione di Giorgione ( in mostra vi sarà il celebre Suonatore di flauto della Galleria Borghese), da Roma conobbe la maestria di Raffaello ( in mostra alcune stampe da Raffaello di Marcantonio Raimondi) , con Tiziano ( in mostra vi sarà il ritratto di un cavaliere di Malta proveniente dagli Uffizi) vi fu un costante colloquio artistico, a Ferrara incontrò Michelangelo ( in mostra due magnifici disegni di Casa Buonarroti). Dagli inizi del Cinquecento divenne ben presto il pittore favorito dei duchi di Ferrara, abbandonando la corte soltanto in due occasioni, la prima a Pesaro al servizio della duchessa Eleonora di Urbino e la seconda a Trento quando affrescò diversi ambienti del Castello del Buonconsiglio. Vita di corte, la sua. Dalle vallate trentine alla corte degli Este a Ferrara, vale a dire in uno dei centri culturali più raffinati del mondo d’allora. Qui, ma anche altrove, trovò una committenza intelligente, stimolante, non contraria, anzi apertissima ad accogliere le sue meravigliose creazioni che risentono e risuonano di storie sacre, mitologiche con il filtro dell’invenzione, delle conoscenze alchemiche, di una sottile vena di intelligente ironia e divertimento. La mostra, curata dallo storico dell’arte Vincenzo Farinella, e coordinata dal direttore del Buonconsiglio Franco Marzatico, porterà alla luce nuovi documenti e si potrà tracciare un inedito ritratto del grande pittore estense. La possibilità di allestire l'esposizione nelle sale dossesche del Castello stimolerà ad una revisione del delicato problema della collaborazione instauratasi a Trento tra i due fratelli, convocando altre opere dello stesso ambito cronologico, di poco precedenti o posteriori la realizzazione della decorazione del Buonconsiglio, analogamente frutto dell'intervento congiunto di Dosso e di Battista. La mostra sarà articolata in cinque sezioni, orientate a fare luce in particolare sull'attività svolta dai due fratelli pittori nel terzo e quarto decennio del Cinquecento, a monte e a valle dell'intervento nel Magno Palazzo di Bernardo Cles. Trai capolavori dosseschi ci sarà anche il magnifico dipinto Giove pittore di farfalle quadro enigmatico quanto la Tempesta del Giorgione . La storia del dipinto, conservato fino a qualche anno fa al Kunsthistorisches Museum di Vienna ed ora custodito nel Castello del Wawel a Cracovia, ha affascinato gli studiosi per il messaggio che cela e per la straordinaria qualità esecutiva. Opera confiscata nel 1939 dai nazisti alla famiglia del conte Lanckoronski, è una delle più significative prove della maturità del pittore ferrarese. E’ un palese omaggio alla pittura, rappresentata da Giove intento a dipingere sulla tela alcune farfalle mentre Mercurio si rivolge ad una figura femminile chiedendole di fare silenzio per non disturbare la divinità. Naturalmente non mancheranno i capolavori dosseschi conservati agli Uffizi, alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti, alla Galleria Estense di Modena, alla Pinacoteca Nazionale di Ferrara, alla Fondazione Roberto Longhi di Firenze, alla Collezione Cini di Venezia, alla Pinacoteca Brera di Milano, alla Galleria Borghese di Roma. 

Ufficio Stampa

Studio ESSECI di Sergio Campagnolo

tel 049663499

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Castello del Buonconsiglio, Via B. Clesio, 5 – 38122 Trento

tel. 0461 233770 – fax 0461 239497 - e-mail: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. - www.buonconsiglio.it

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Antonio López García, prima italiana a Vicenza

Mostra a cura di Marco Goldin

Comunicato Stampa

Eccezionale. A Vicenza, López García, 

il più grande pittore figurativo al mondo.

La mostra a Palazzo Chiericati. 

E' la prima in Italia dopo 42 anni.

A quarantadue anni dalla prima, e unica, sua mostra personale in Italia (Torino, Galleria Galatea, 1972, con catalogo a cura di Giovanni Testori), Antonio López García ha accettato l’invito di Marco Goldin di tenere la sua seconda personale italiana. Dopo la morte di Andrew Wyeth prima, e di Lucian Freud poi, López García è considerato unanimemente il maggior pittore figurativo vivente al mondo

Questa mostra vicentina è evento eccezionale, dal momento che l’artista spagnolo ha sempre centellinato le occasioni in cui si sono potute vedere le sue opere, che hanno trovato peraltro casa in alcuni dei più famosi musei del mondo.

López García, che già è stato protagonista con tre opere (tra cui La cena, attualmente riesposta in Italia in occasione della Milanesiana) della mostra Raffaello verso Picasso nel 2012 sempre a Vicenza e dedicata alla storia del ritratto e della figura, si è mostrato affascinato dal progetto della mostra sui Notturni che Goldin proporrà in Basilica, accettando di parteciparvi con quattro opere. Prestiti importanti, sollecitati presso collezionisti e istituzioni dallo stesso artista. La prima di queste, una celeberrima scultura policroma su legno del 1963, Donna che dorme. Il sogno, dal museo Reina Sofía di Madrid, che sarà posta in dialogo con le sculture dell’antico Egitto e con i ritratti del Fayum a lui cari. Poi, nella sezione successiva, il rapporto con le finestre notturne di Giorgione e Tiziano (saranno Grande finestra, del 1972-1973 e Finestra di notte, Chamartin, del 1980), mentre la quarta apparirà nella penultima sezione, quella dedicata alla pittura sulla notte condotta nel Novecento, da Klee e Hopper fino a De Staël e Rothko, e si intitola Tomelloso, giardino di notte, del 1980.

Ma, al di là dei quattro prestiti per la mostra in Basilica, l’artista ha accettato di essere protagonista di una mostra personale che lo stesso Goldin curerà presso la sede del museo civico vicentino. L’esposizione, promossa da Linea d’ombra e dal Comune di Vicenza, con l’apporto fondamentale di Segafredo Zanetti in qualità di main sponsor, si svolgerà dal 24 dicembre 2014 all’8 marzo 2015, coprendo quindi tutto il primo tempo della vasta mostra storica in Basilica, e avrà, nel volume/catalogo che verrà pubblicato per l’occasione, un lungo saggio di Marco Goldin, unitamente alle schede critiche dedicate alle venticinque opere che verranno esposte. Opere racchiuse specialmente negli ultimi suoi vent’anni di attività. Molto concentrata sulla scultura, che ha occupato una parte importante dei pensieri di Antonio López negli ultimi due decenni, nella mostra troveranno spazio anche alcuni grandi disegni preparatori per le sculture stesse, oltre ad alcune vaste tele dedicate in modo particolare alle famosissime vedute della città di Madrid, appartenenti sia a collezioni private che a istituzioni pubbliche. 

La rassegna vicentina non occuperà soltanto le cinque sale al piano terreno di Palazzo Chiericati, con lavori molto ben scanditi e distribuiti negli spazi, ma grazie al prestito straordinario dello stesso López García, partirà extra moenia, con due sculture monumentali in bronzo, Carmen addormentata e Carmen sveglia, che verranno collocate alle due estremità di Corso Palladio, come annuncio della mostra personale ma anche come annuncio, sul tema della notte e del risveglio, dell’esposizione in Basilica Palladiana. Di ognuna di queste sculture esistono tre esemplari, il primo al Museum of Fine Arts di Boston, il secondo nello spazio antistante la grande stazione ferroviaria madrilena di Atocha e il terzo rimasto nelle mani dell’artista. Il quale, in via del tutto eccezionale, ha deciso di concederlo a Vicenza, per questa circostanza che gli è diventata cara.

L’attenzione nei confronti della scultura di López García proseguirà all’interno di Palazzo Chiericati, con una netta divisione di materiali e temi. Il lato sinistro del palazzo vedrà la presenza di una celeberrima scultura, Uomo, del 2003, sempre di grande formato, e di uno tra i disegni preparatori, di oltre due metri di altezza. Quei disegni che sono un’altra delle eccellenze che la mostra potrà indicare. Altre due famose sculture, accompagnate ancora una volta da grandi fogli preparatori, sanciranno questa adesione millimetrica alla realtà. Quella realtà che, come recita il sottotitolo della mostra, ha sempre a che fare con il segreto e la magia del silenzio. Le altre due sculture saranno quindi Uomo disteso (2011) e una ancora più recente, conclusa lo scorso anno, Figura di donna. Fátima. Invece, nella parte destra del palazzo, sarà ospitata una selezione dell’opera pittorica, raccolta attorno ad alcune vaste tele che hanno fatto tutta la grandezza di López García pittore e dedicate alle visioni dall’alto di Madrid, tra le quali la famosissima Madrid vista da Capítan Haya(1986/1997) del Museo Reina Sofía della capitale spagnola. Quadri condotti con una lentezza che è continua scoperta di motivi che si vanno approfondendo, dentro quella luce calcinata e però purissima, sospesa in un silenzio senza soluzioni, che la pittura delimita nell’assoluto della visione protratta. Assieme a queste grandi pitture più recenti, in due sale una breve carrellata anche dei quadri del primo López García, quello che nasce dal rapporto con lo zio pittore, Antonio López Torres.

Ma la cosa forse più straordinaria in assoluto, è che Vicenza presenterà l’ultimo, grande quadro cui López García sta lavorando, e che verrà ultimato proprio per la mostra di Palazzo Chiericati. Una tela quasi quadrata di oltre due metri di lato e intitolata Notturno, Poniente 3. Da un interno dimesso, nella luce della notte, i riflessi sulla finestra di un paesaggio urbano che lampeggia all’esterno e lascia tutta bloccata l’atmosfera della notte.

Ufficio Stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499 www.studioesseci.net; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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The Divine Comedy: Heaven, Hell, Purgatory Revisited by Contemporary African Artists

Fifty artists from more than twenty African countries are taking a look at the classic of world literature. The major show, curated by internationally renowned author Simon Njami, is covering the Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main’s entire space of 4,200 square meters, and includes twenty-three works produced explicitly for this occasion. Taking their own widely differing cultural and religious backgrounds as a starting point, the artists investigate individual thematic sequences of The Divine Comedy.

In his epic poem, Dante reflected on theological, philosophical and moral matters that still bear relevance for the issues facing society, politics and the economy today, but also questions of faith. The exhibition proceeds on the premise that Dante’s visions are applicable to many cultures and many religions.

In the wake of a number of Africa-related projects over the past years, this exhibition aims to inquire into the significance of African artists’ work not primarily in the post-colonial context, but above all with regard to their aesthetics. The focus is accordingly less on historical or political content than on art as an expressive means of transporting and communicating the unspoken.

The exhibition curator Simon Njami (b. 1962) has organized numerous exhibitions of contemporary African art, among them “Africa Remix” (2004–2007). He curated the African pavilion of the Venice Biennale in 2007 and the FNB Joburg Art Fair in Johannesburg in 2008, and has published numerous writings on African art.

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Michael Kenna: China

“I don’t need to be fast, I don’t need high definition, I don’t need to see the world in colour - that’s what we see all the time. I want my work to be mysterious, an interpretation, a catalyst for one’s imagination.”
- Michael Kenna

Michael Kenna’s exhibition China highlights an impressive body of photographic work made between 2006 and 2014. The exhibition features the famous mountains and landscapes of Huangshan, Lijiang and Yuanyang as well as less known locations in Heliongjang, Xiapu and Yunnan. It includes work from the cities of Beijing and Shanghai, and locally from Hong Kong. Many of the images are compiled in MichaelKenna’s latest book project, also titled China, recently published by Posts and Telecom Press, Beijing.

Michael Kenna is one of the most important landscape photographers. His timeless monochrome images capture the inner essence of nature’s beauty. Kenna filters reality through long time exposures, which create ‘empty’ space, reminding us of Chinese ink paintings. When photographing, Kenna looks for simplicity of lines and interesting abstract forms.

Kenna resists the fast pace dictated to us in today’s rushed city life and prefers to take his time and work alone, slowly. He has been doing this for over forty years. When he explores a new location he never knows ahead of time how long he will be there: a few minutes, some hours or days. He often returns to the same place repeatedly over a long period of time. As Kenna says: “It’s like connecting with a friend; you never know how long a conversation will last and which area the conversation will go into.” This attitude extends to his working method in the darkroom. Kenna still works in analogue only. He photographs primarily with Hasselblad film cameras and spends hours in the darkroom developing the perfect photographic print as if he was chiseling a sculpture. The resulting atmospheric imagery expresses a unique zen-like tranquility.

Kenna has been photographing in Asia since the mid eighties, particularly in Japan, and more recently in China, India, Korea, Thailand and Vietnam. He admits to being strongly influenced by the sense of serenity and calmness in the Asian landscape. It harkens back to the essence of haiku poetry, the power of suggestion over description. “I’ve also looked at Asian calligraphy and traditional sumi-e paintings. These artworks have been very influential. My style has grown increasingly more minimal and sparse”.

  • Artists:
    Michael Kenna
  •  
  • Open:
    Friday, 20 June 2014
  • Close:
    Saturday, 30 August 2014
  • Address:
    3-13\/F Asia One Tower, 8 Fung Yip Street, Chai Wan, Hong Kong
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +852 2976 0913
  • Web:
    AO Vertical Art Space
  • Opening hour:
    Tue - Sat | 10am - 6pm
  • Closing day:
    Mon, Sun
  • Photo credits:
    Michael Kenna: 1. Steady Boat, Xiapu, China, 2010, Sepia Toned Silver Gelatin Print, 40cm X 50cm; 2. Temple of Heaven, Beijing, China 2008, Sepia Toned Silver Gelatin Print, 40cm X 50cm; 3.Lake Bridge, Hongkun, Anhui, China, 2008, Sepia Toned Silver Gelatin Print, 40cm X 50cm; Courtesy of Michael Kenna and AO Vertical
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Manifesta 10

Manifesta 10 is held at the State Hermitage Museum in St. Petersburg. This venue was selected by the Board of the Manifesta Foundation to host Manifesta 10 because of its critical, intellectual, and historical relationship with East and West Europe: a principle at the core of Manifesta's own beginnings.

Led by Curator Kasper König, Manifesta 10 will expand the artistic exchange made possible by the events of 1989–91. More than 50 leading contemporary artists from Russia and around the world will participate. Manifesta 10 includes newly commissioned works for various public spaces throughout the city of St. Petersburg. Participating artists include Pavel Braila (Moldova/Germany), Lado Darakhvelidze (Georgia/Netherlands), and Alevtina Kakhidze (Ukraine).

Manifesta 10 critically responds to the current social-political circumstances, its conflicts and complexities in Russia and Ukraine. A series of time-based projects will intervene in the city of St. Petersburg and its cultural, historical, and social complexity with context-responsive commissions and debates, events, pop-up shows, and discursive platforms as an integral part of the exhibition. The public program is curated by Joanna Warsza.

Moreover, Manifesta 10 features a film programme devised by Nathalie Hoyos and Rainald Schumacher from Office for Art (Berlin) offering a survey of time-based media, film, and video by contemporary artists: Unlooped—Kino. From performative works of the 1960s and visual storytelling to digital animation, the programme positions artists working in time-based media in their own social and political contexts. The films are taken from private and public collections: Bilge & Haro Cumbusyan Collection, Zürich; Goetz Collection, Munich; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo Collection, Torino; Julia Stoschek Collection, Düsseldorf; Tansa Mermerci Eksioglu Collection, Istanbul; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow; Videoforum at Neuer Berliner Kunstverein, Berlin.

Education, mediation, and public and parallel programmes play an important role inManifesta 10, in its investigations of the notions and role of contemporary culture in a changing society. The education programme, since 2013, devised by Sepake Angiama explores the social framework of spaces where the people of St. Petersburg come together to learn through initiating a programme of Manifesta 10 Dialogues in universities and Art Laboratory in schools. Participating St. Petersburg-based artists have included Pavel Brat, Alexander Efremov, Olga Jitlina and Evgenia Golant.

Extending beyond the State Hermitage Museum, the Manifesta Dacha is a mobile platform designed by Dutch Bureau Ira Koers and Studio Roelof Mulder. The Manifesta Dacha programme includes Cyland Media Art Lab, Yuri Shtapakov and Peter Berezin, who will trigger conversations with the public through interventions, workshops and discussions in the city of St. Petersburg.

The Parallel Programme of Manifesta 10 is a curated series of independent events specifically devised for, or coinciding with, the dates of the Biennial. This year’s parallel programme includes more than 250 artists, mainly Russian or from countries in Eastern Europe, at sites across St. Petersburg.

For the full programme check the Manifesta 10 website.

Press Preview: 26 June
Professional Preview: 27 June

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  • Open:
    Saturday, 28 June 2014
  • Close:
    Friday, 31 October 2014
  • Address:
    State Hermitage Museum, Winter Palace, 2 Dvortsovaya Ploshchad (Dvortsovaya Square), St. Petersburg, Russian Federation
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +7 812 710 90 79
  • Web:
    Manifesta 10
  • Opening hour:
    Tue-Fri | 10.30am – 6pm; Wed | 10.30am – 6pm
  • Closing day:
    Mon
  • Photo credits:
    1. Timur Novkov. Pyramids, 1989, Acrylic on textile, (270x274cm), Courtesy of Timur Novikov’s family collection; 2. Pavel Pepperstein, The Convict, 2013, Acrylic on canvas, 150 x 200 cm, 2013, ©Pavel Pepperstein, Courtesy Nahodka Arts & Pace London; 3. Vladislav Mamyshev-Monroe. Tragic Love. 1993. Black & white photo, hand-colored. Courtesy of the Artist's estate; 4. Henrik Olesen, Hysterical Men 3, 2014. Canvas, inkjet print on proof paper ZP 55 (newspaper), 55 gouache/m2, Amsterdam gel medium matt glue, 210 x 1,000 cm. Courtesy Galerie Buchholz, Berlin/Cologne; 5.Marlene Dumas, Pjotr Tsjaikofski, 2014. Ink on paper, 44 x 35 cm. Photo credit: Bernard Ruijgrok Piezographics, copyright and courtesy: Marlene Dumas, commissioned by Manifesta 10 Saint Petersburg, Russia.
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Marina Abramović: 512 Hours

The Serpentine Gallerypremieres a new durational performance by Marina Abramović:512 Hours. The acclaimed artist performs in the Gallery for the duration of her exhibition: from the 11th of June to the 25th of August 2014, 10am to 6pm, 6 days a week. This is a unique work created for the Serpentine Gallery.

Abramović creates the simplest of environments in the Gallery spaces, where the only materials will be herself, the audience and a selection of props that she may or may not use. On arrival, visitors will both literally and metaphorically leave their baggage behind in order to enter the exhibition: bags, jackets, electronic equipment, watches and cameras may not accompany them. 

The public is the performing body, participating in the delivery of an unprecedented moment in the history of performance art. The pared-down nature of this exhibition corresponds to Abramovic´’s interest in the historically well established relationship between art and ‘nothingness’; visual artists including Robert Barry, John Cage, Mary Ellen Carroll, Robert Irwin, Yves Klein, Gustav Metzger and Yoko Ono (to name only a very few) have all explored the notion of material absence within their practice. The idea of emptiness – of minimalism, reduction and simplicity – plays an intrinsic role in Abramovic´ ’s own work, and has increasingly led to ‘more and more of less and less’, a longstanding aim that she recorded in her Artist’s Life manifesto of 2009. It is this journey towards immateriality that has led her to this unique moment in her work, where she will commit to an unscripted and improvised performance in the gallery space.

Marina Abramović is a pioneer of performance as an art form, using her own body as subject and object, she has pushed the physical and mental limits of her being. In the early 1970s, as a young artist in Belgrade, Abramović began exploring the relationship between artist and audience. Since 1978 she has conducted a series of workshops with art students, using a series of simple exercises to increase physical and mental awareness. Over the course of her career, Abramović has continued to develop these workshops, expanding their scope to reach a general public, through the Marina Abramović Institute.

This is the first major performance by Abramović since her monumental piece The Artist is Present, at the Museum of Modern Art, New York in 2010, in which visitors were invited to sit in silence opposite the artist and gaze into her eyes for an unspecified amount of time. 

Watch Marina's daily diaries here

Special Event:

Sun 29 Jun 2014 - 1:00pm 
Gate Picturehouse
Serpentine Cinema: Movement, with Wayne McGregor, curated by Marina Abramović
Movement is the first in a series of screenings and conversations curated by Marina Abramović on the occasion of her exhibition at the Serpentine Gallery.

  • Artists:
    Marina Abramović
  •  
  • Open:
    Wednesday, 11 June 2014
  • Close:
    Monday, 25 August 2014
  • Address:
    Serpentine Galleries Kensington Gardens London W2 3XA
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
    "> Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +44 20 7402 6075
  • Web:
    Serpentine
  • Opening hour:
    everyday | 10am - 6pm
  • Closing day:
    1st and 2nd July
  • Admission:
    The exhibition is free of charge. The exhibition is only for ages 12 and over. By entering the exhibition spaces you confirm that you agree to being filmed and photographed. You will be required to leave all bags, coats and electronic items in the lockers (including cameras, recording devices and mobile phones). Due to limited capacity, you may need to queue.The queue is located outside the gallery entrance. We advise all visitors to bring water, sunscreen and an umbrella for the time you may be required to wait. You are invited to stay as long as you wish in the exhibition. You may leave whenever you choose.The exhibition is wheelchair accessible. Those who leave the exhibition are not permitted to re-enter automatically and will need to queue.
  • Photo credits:
    1.Marina Abramović, Photograph © Marco Anelli, 2014; 2. Marina Abramović, Marina in Black coat in the forest, Portrait of Marina Abramović © Kunt Bry and Ekebergeparker Oslo, 2013; 3. Marina Abramović, Black and White photo, Marina conducting rehearsal for “Bolero”, Portrait © Rahi Rezvani, Paris 2013

GRAN FINALE DI TOP DJ

GRAN FINALE DI TOP DJ

 

ENTICS, OLA E BABY K

Sul palco con i tre finalisti

Geo from Hell, The Reloud e Manuel Rotondo

 

Al fianco dei giudici

FRANKIE HI – NRG MC

 

Martedì 1 e mercoledì 2 luglio su Sky Uno HD (Sky, canale 108)

e in chiaro giovedì 3 luglio su Cielo (canale 26 DTT)

Le due nuove voci dell’hip hop italiano Entics e Baby K e il talento pop svedese Ola, sono gli artisti che saliranno sul palco con i tre concorrenti Geo from Hell, Manuel Rotondo e The Reloud per la finale di TOP DJ in onda martedì 1 luglio alle 22.45 e mercoledì 2 luglio alle 20.10 su Sky Uno HD (canale 108) e in chiaro su Cielo (canale 26 DTT) giovedì 3 luglio alle 24.00.

Ospite della puntata l’eclettico Frankie hi–nrg MC per affiancare i tre giudici Albertino, Stefano Fontana e Lele Sacchi, in questa finale ricca di tensione ed emozione che decreterà il primo TOP DJ a cui andrà il contratto discografico con Sony Music.

Entics, Baby K e Ola per l’occasione hanno regalato una traccia vocale originale con cui i tre finalisti, rispettivamente Geo from Hell, Manuel Rotondo e The Reloud, hanno prodotto gli inediti da presentare al pubblico e ai giudici di TOP DJ in una esibizione live che farà ballare tutto il pubblico dello studio.

In questa puntata rivedremo anche gli altri sette concorrenti che, oltre a dare sostegno ai loro compagni d’avventura, regaleranno un back to back, esibendosi in un mix uno dopo l’altro in successione.

I dieci finalisti concorreranno, inoltre, per l’assegnazione del premio Alfa Romeo - MiTo per la migliore performance tecnologica.

TOP DJ è un format originale firmato Endemol Italia, prodotto da YAM112003, in onda in esclusiva su Sky Uno HD (canale 108)e in chiaro su Cielo (canale 26 DTT).

E’ possibile seguire TOP DJsul magazine on line www.top-dj.it e i relativi social media:facebook.com/TOPDJITALIA, twitter.com/TOPDJITALIA, soundcloud.com/TOPDJITALIA, google.com/+TOPDJITALIA, SPOTIFY:TOPDJITALIA, instagram.com/TOPDJITALIA, youtube.com/TOPDJITALIA, Per seguire TOP DJ su Sky: Hashtagufficiale: #Skytopdj - facebook.com/SkyUno - twitter.com/SkyUno - instagram.com/skyunohd.

Per ulteriori informazioni

Ufficio Stampa YAM112003 - Mongini Comunicazione:

Elena Simoncini 02 8375427 / 3925139493 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Ufficio Stampa Sky:

Isabella Ferilli 02 308017526 / 346 7207561 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Elena Basso 02 308015837 / 348 5707783 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

  • Pubblicato in ARTE

Events @ Kaserne Basel

Kaserne Basel is the largest centre in north-west Switzerland for the free contemporary theatre, dance and performance scene, and for innovative popular music. As an international concert and theatrical venue with roughly 270 events and 60,000 visitors each year, Kaserne Basel combines artistic avant-garde with modern pop cultures.

Programme:

17 Jun - 19 Jun, 10pm | Rabbit Hole Powered by Turbo Audio (By invitation only)

19 Jun, 9pm | Ryoji Ikeda (JP): test pattern (live set)

23 Jun, 8.30pm | The Dillinger Escape Plan (US)

  •  
  • Open:
    Friday, 06 June 2014
  • Close:
    Monday, 23 June 2014
  • Address:
    Kaserne Basel, Klybeckstrasse 1b, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 61 666 60 00
  • Web:
    Kaserne Basel
  • Transport:
    Kaserne stop
  • Photo credits:
    Courtesy of Kaserne Basel
  • Pubblicato in ARTE

Der Leone Have Sept Cabeças

This collective exhibition gets its inspiration from the film Poto & Cabengo by Jean-Pierre Gorin who captured in 1979 twin sisters that invented and used their own language until the age of 8. In the horizon of this film, the exhibition brings together artists and contributors whose practice is based on the space of language, text or speech, playing with notions of interpretation, nonsense and invention.

Special Event:

18 Jun, 11.30am | Press preview

19 Jun, 7.30pm - 10.30pm | Opening Garden Party, Free shuttle from Art Basel, departure in front of the Swissôtel Le Plaza at 7 pm, return to Basel (via Mulhouse) at 10.30 pm.

17 Jul, 7pm | Lecture by Quinn Latimer & Megan Rooney

21 Sept, 4.30 | "A Stuttering Exhibition" lecture by Vanessa Desclaux with Jesse Ash, Sven Augustijnen, Anna Barham, Ben Cain, Agnès Geoffray, Will Holder, Dominique Petitgand, Linda Quinlan, Cally Spooner

  • Artists:
    Pedro Barateiro
    Lothar BaumgartenMariana Castillo DeballHenri ChopinNatalie CzechDora GarciaJean Pierre GorinRuno LagomarsinoQuinn Latimer & Megan RooneyMatt MullicanMusa paradisiacaClemens von WedemeyerKatarina Zdjelar.
  •  
  • Open:
    Thursday, 19 June 2014
  • Close:
    Sunday, 21 September 2014
  • Address:
    Crac Alsace, 18 rue du ch\u00e2teau F-68130 Altkirch
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
    "> Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +33 3 89 08 82 59
  • Web:
    CRAC Alsace
  • Opening hour:
    Tue - Fri, 10am - 6pm | Sat - Sun, 2pm - 7 pm
  • Closing day:
    Mon
  • Photo credits:
    1.Clemens von Wedemeyer, Divided Monologue (still), 2007 Courtesy of the artist & galerie Jocelyn Wolff, Paris; 2. Matt Mullican, Learning from that person's work (Dreaming and Taking a Big Shower), 2005 Photo: Florian Kleinefenn Courtesy Peter Freeman Inc; Paris; 3. Lothar Baumgarten, Salto (Pipa Cornuta), 1977 Courtesy of the artist / Collection MacBA; 4. 6. Runo Lagomarsino, Things fall apart; the centre cannot hold, 2014 Courtesy the artist & Nils Staerk, Copenhagen, 5. Dora Garcia, Letters to Other Planets, 2005 Courtesy of the artist & Galerie Michel Rein, Paris; 6. Natalie Czech, A hidden poem by Robert Lax, 2010 Courtesy of Capitain Petzel, Berlin / Kadel Willborn, Dusseldorf
  • Pubblicato in ARTE

Salon

The afternoon Salon programme serves as an open space for short presentations such as artist talks, panels, lectures, and performances – often informal – with a range of speakers including artists, academics, curators, collectors, architects, art lawyers, critics, and many other cultural players.

Programme:


Thursday 19 June
1pm - 2pm | Art Market Talk: Investment? Collecting? Speculations? Josh Baer, Publisher of Baer Faxt and Art Advisor (New York) in conversation with David Mugrabi, Collector (New York)

2pm - 3pm | 14 Rooms: Living Sculptures. Bernard Comment, Author (Paris) in conversation with Hans Ulrich Obrist, Co-Director, Serpentine Gallery (London)

4pm - 5pm | Unlimited: Turning Space Into Place. Sam Falls, Artist (Los Angeles); Gavin Kenyon, Artist (New York);
Nick Mauss, Artist (New York); Alex Prager, Artist (Los Angeles)
Moderator: Gianni Jetzer, Critic and Curator of Art Basel's Unlimited sector

5pm - 6pm | Read the Room: A Poetry Readingy. Readings of poetry by Harry Burke, Poet and Curator (London);
Andrew Durbin, Poet (New York); Paul Kneale, Artist and Writer (London); Quinn Latimer, Poet and Critic (Basel); Megan Rooney, Artist (London); Martina-Sofie Wildberger, Artist and Writer (Geneva) and special guests.

6pm - 7pm | Artist Talk: Berlin Biennale. Juan Gaitan, Curator of the 8th Berlin Biennale for Contemporary Art; Beatriz Gonzalez, Artist (Colombia).

Friday 20 June
1pm - 2pm | Artist Talk: Beryl Korot. Beryl Korot, Artist, New York, and Mark Godfrey, Author of Abstraction and the Holocaust and Curator at Tate Modern (London), discuss Korot's work, Dachau 1974

2pm - 3pm | Artist Talk and Book Launch: Tips and Tricks. Chus Martinez, Director, Academy of Arts and Design, Institute Aesthetic Practice and Theory (Basel); Ahmet Öğüt, Artist (Istanbul/Amsterdam/Berlin).
Moderator: Mari Spirito, Director, Protocinema, Istanbul/New York

3pm to 4pm | Discussion: Curating at the Periphery. Florence Derieux, Curator of Art Basel's Parcours sector and Director at FRAC Champagne-Ardenne (Reims); Michelle Grabner, Co-Director of The Suburban in Oak Park, Founder of The Poor Farm in Little Wolf, Wisconsin and Co-curator for the 2014 Whitney Biennial (New York); David Norr, Senior Curator of Exhibitions, Wexner Center for the Arts, Columbus (Ohio); Sabine Rusterholz Petko, Director, Kunsthaus Glarus
Moderator: Reto Th
üring, Associate Curator of Contemporary Art,The Cleveland Museum of Art

4pm - 5pm | Artist Talk: Speculations on Anonymous Materials.
Ed Atkins, Artist (London); Alisa Baremboym, Artist (New York); Josh Kline, Artist (New York); Katja Novitskova, Artist (Amsterdam/Berlin).
Moderator: Susanne Pfeffer, Artistic Director, Kunsthalle Fridericianum, Kassel

5pm - 6pm | Artist Talk and Book Signing: A Brief History of New Music. Dieter Meier, Artist, Musician and Filmmaker (Zurich), in conversation with Lionel Bovier, Director of JRP (Ringier, Zurich) and Hans Ulrich Obrist, Co-Director, Serpentine Gallery (London)

6pm to 7pm | Book Presentation: Xu Zhen. Philip Tinari, Director, Ullens Center for Contemporary Art (Beijing)

Saturday 21 June
1pm - 2pm | Lecture Performance; Balz Isler: Gaps of Wonderland. Balz Isler, Artist (Berlin/Zurich)

2pm - 3pm | The Artist and the Curator: El Anatsui. El Anatsui, Artist (Nsukka, Nigeria); Bomi Odufunade, Contributing Writer for Contemporary And (C&) and Art Advisor (Paris/Lagos/New York); Bisi Silva, Founding Director of Centre for Contemporary Art (Lagos, Nigeria)

3pm - 4pm | Discussion: Art & Commerce. Christopher Kulendran Thomas; Artist (London); Andrew Norman Wilson, Artist (New York)
Moderator: Melanie B
ühler, Curator/Director Lunch Bytes, Amsterdam

4pm - 5pm | Artist Talk; Le Mouvement: An Exploration of Performance in Public, Urban Space. Pablo Bronstein, Artist (London), and Alexandra Pirici, Artist (Bucharest),
in conversation with Chris Sharp and Gianni Jetzer, Co-curators of the 12th Swiss Sculpture Exhibition, Biel/Bienne

5pm - 6pm | Artist Talk; Japan's Post Murakami Generation. Kohei Nawa, Artist (Kyoto); Fumito Urabe, Arist (Nagoya), in conversation with Yuko Hasegawa, Chief Curator, Museum of Contemporary Art (Tokyo)

6pm - 7pm | Artist Talk: Art Practices Beyond the Contextual Narrative in the Middle East: Forms, Poetic Images and Other Aesthetics. Umer Butt, Gallerist, Grey Noise (Dubai); Gregory Buchakjian, Art Historian and Artist (Beirut); Pascal Hachem, Artist (Beirut); Basim Magdy, Artist (Basel/Cairo)
Moderator: Amanda Abi Khalil, Independent Curator, Beirut

Sunday 22 June
1pm - 2pm | Art History Today: Florine Stettheimer (1871 – 1944). Juatta Koether, Artist (New York); Nick Mauss, Artist (New York), in conversation with Matthias M
ühling, Director, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau (Munich)

2pm - 3pm | Artist Talk; Dias & Riedweg: Think Global, Act Local – Basel, Rio, Luzern. Maurico Dias and Walter Riedweg, Artists (Rio de Janeiro), in conversation with Fanni Fetzer, Director, Kunstmuseum Luzern

3pm - 4pm | Talk: Revolt of Language with Marcel Broodthaers. Marie-Puck Broodthaers, Editor of Marcel Broodthaers, Livre d'images (Basel); Jan Verwoert, Critic and Curator (Berlin); Søren Grammel, Director, Museum für Gegenwartskunst (Basel)

4pm - 5pm | Art History Today: Lucio Fontana (1899 – 1968).
Luca Massimo Barbero, Editor of Fontana: Catalogue Raisonne of the Works on Paper and Associate Curator at Peggy Guggenheim Collection (Venice); Choghakate Kazarian, Curator of 'Lucio Fontana Retrospective' at Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Enrico Crispolti, Art Historian and Professor Emeritus at Università degli Studi di Siena; Odile Decq, Architect, Paris
Moderator: Mirta d'Argenzio, Curator, Rome

  •  
  • Open:
    Thursday, 19 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Messeplatz, Basel
  • Web:
    Art Basel
  • Opening hour:
    From 1pm - 7pm
  • Photo credits:
    Courtesy of Art Basel
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Breakfast with Konstantin Grcic

The Munich born designer Grcic talks about the opportunity to work with a revolutionary new ceramic material SaphirKeramik allowing wafer thin walls and tight-edge radii and what it means to explore a new material in such a traditional domain. He will take you through the creative process behind his new designs forLaufen Bathrooms and answer your questions. The installation presenting the first prototypes of Konstantin Grcic's work for Laufen will be shown for the first time after its official release on Salone del Mobile 2014.

Konstantin Grcic Industrial Design (KGID) was founded in 1991. The office specialises in various fields of design ranging from furniture and industrial products to exhibition design and architecture related work. KGID is working for some of the leading names of the design industry. Many of their products have received international design awards and form part of the permanent collections of the world´s most prestigious museums.

Konstantin Grcic defines function in human terms, combining formal strictness with considerable mental acuity and humour.  Each of his products is characterised by a careful research into the history of design and architecture and his passion for technology and materials. Known for pared-down pieces, Grcic is often called a minimalist but the designer himself prefers to speak of simplicity.

  • Artists:
    Konstantin Grcic
  •  
  • Open:
    Wednesday, 18 June 2014
  • Close:
    Wednesday, 18 June 2014
  • Address:
    Laufen Forum, Wahlenstrasse 46, Laufen
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 61 765 74 13
  • Web:
    Laufen Forum
  • Opening hour:
    From 9am To 10.30am
  • Admission:
    Free, RSVP required
  • Transport:
    Free shuttle transfer to and from Messeplatz and Basel SBB
  • Photo credits:
    Laufen Forum, Nissen & Wentzlaff Architects; Christian Rogl. Courtesy of Laufen
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Moses Levy: atmosfere estive a Viareggio

Comunicato Stampa

La Fondazione Matteucci per l'Arte Moderna, in collaborazionecon la Fondazione Parchi Monumentali Bardini e Peyron, presenta negli spazi espositivi di Viareggio, dal 5 luglio al 19 ottobre 2014, la mostra MOSES LEVY. LUCE MARINA. Una vicenda dell’arte italiana 1915-1935.

Un’eccezionale quanto ragionata selezione di opere degli anni 1915-‘35 punta a rievocare la Viareggio cosmopolita, magica e gaia di quel ventennio, eletta a luogo d’ispirazione, di passatempi e svaghi dall’elite culturale. Ed è in questo scenario, dove tutto è armonia, bellezza e “joie de vivre”, definito da D’Annunzio “il più bello dell’universo”, che la fervida fantasia di Moses Levy si alimenta, facendo rivivere sulla tela le sfumature del mare, il bianco candente degli ombrelloni, e i costumi variopinti delle bagnanti. Analogamente a un Picasso e a un Matisse in Costa Azzurra, egli fissa così la luce di quel mondo, cogliendone con rara percezione gli effetti nel cielo, nelle vele ondeggianti, negli aquiloni attraverso una straordinaria fantasmagoria di riverberi che finisce col farsi stile.

Dall’intimo dialogo con Viareggio, città prediletta che più di ogni altra ne ha influenzato la sensibilità visiva, la Fondazione Matteucci ha maturato l’idea della mostra dedicata a quella lunga e felice stagione, durante la quale nessun altro meglio di Moses Levy è riuscito a tradurre l’immagine scintillante e ruggente di una società vacanziera e mondana, al passo con i tempi. 

Sono gli anni che vanno dal primo conflitto mondiale alla grande depressione, ma ad un quadro tanto drammatico la sua vena creativa reagisce decisamente controtendenza con opere fondamentali, destinate a definirne la fisionomia europea.

Nato a Tunisi nel 1885, Moses Levy si trasferisce in Italia con la famiglia all’età di dieci anni, mantenendo uno stretto legame con quella città dove trascorrerà frequenti soggiorni. Si forma nel clima fortemente creativo di una Versilia nella quale spiccano personalità di grande rilievo come Lorenzo Viani, Enrico Pea, Giacomo Puccini e Mario Tobino. Ed è in quel lembo di terra già conosciuto da Rainer Maria Rilke come luogo ideale di meditazione e ispirazione, che egli si afferma come raffinato interprete di una “poetica dell’intimismo” e della “vita vissuta”, per riprendere due felici definizioni di Carlo Ludovico Ragghianti. 

Mentre s’intensificano i contatti con alcune delle personalità più ricettive dell’ambiente toscano - Plinio Nomellini, Felice Carena, Alfredo Müller, Elisabetta Chaplin - Levy partecipa alle rassegne della Secessione Romana del 1913-‘14, e la sua presenza a Viareggio diviene sempre più assidua. Qui è tra i sostenitori, con Carrà, de Chirico, Primo Conti, Depero e l’inseparabile Viani, delle prime esposizioni di “Arte d’Avanguardia” organizzate in estate all’interno del Casinò. Proprio in occasione di tali manifestazioni e di altre allestite nelle sale del Kursaal, presenta le radiose marine, caratterizzate da quell’inconfondibile luce e atmosfera d’iridescente fulgore destinata a segnarne la grande fortuna.

La mostra, secondo un disegno monotematico, si concentra in una mirata selezione di circa quaranta dipinti filologicamente affini sia per cronologia, sia per tratto interpretativo. L’obiettivo è collegarli in un intimo dialogo teso ad evidenziare l’eccentrico e ricercato linguaggio formale, prima di quella svolta cruciale che, dalla limpida poetica tra le due guerre, si apre all’inquieto sentimento visivo della metà del Novecento.

Nelle sedi di Viareggio e Firenze potranno essere ammirate alcune tra le opere più celebri: Donna in blu (1917), L’ombrellone bianco (1919), Spiaggia (1918), Madre e figlia sulla spiaggia (1919), Anna e l’amica (1920), Spiaggia e figure a Viareggio (1921), Il Bagno Cirillo (1933), Ritratto di Enrico Pea (1935), Ritratto di Leonida Repaci (1935), nonché testimonianze inedite di collezioni internazionali. Un cospicuo nucleo verrà concesso dagli eredi.

MOSES LEVY. LUCE MARINA. Una vicenda dell’arte italiana 1915-1935.

Progetto di Giuliano Matteucci, a cura di Susanna Ragionieri, contributi di Marcello Ciccuto e Isabella Tobino, con uno scritto di Giovanni Mariotti, il catalogo è corredato da schede critiche di Claudia Fulgheri. 

Viareggio, Centro Matteucci per l’Arte Moderna, via D’Annunzio 28

info: tel. 0584 430614; fax 0584 54977 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.centromatteucciartemoderna.it

biglietto intero 8 euro

biglietto ridotto 5 euro

orari: 

5 luglio - 7 settembre 

da martedì a venerdì: 17-23

sabato e domenica:10-13/17-23

lunedì chiuso

8 settembre - 19 ottobre 

da martedì a venerdì: 15.30-19.30 

sabato e domenica 10-13/15.30-19.30

lunedì chiuso

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Tre mostre per Maria Lai in Sardegna

“Ricucire il mondo” è un progetto espositivo dei Musei Civici di Cagliari e del Museo MAN di Nuoro dedicato a Maria Lai (1919-2013), una delle figure femminili più importanti e affascinanti della storia dell’arte italiana della seconda metà del Novecento. L’esposizione, realizzata grazie al contributo della Fondazione Banco di Sardegna, propone un percorso cronologico e tematico strutturato in tre diverse sedi: il Palazzo di Città di Cagliari, il Museo MAN di Nuoro, il paese di Ulassai. Con più di trecento opere provenienti da raccolte sia pubbliche sia private, oltre che dalla collezione della famiglia, Ricucire il mondo è la prima retrospettiva completa dedicata all’artista.

Cagliari – Palazzo di città (Inaugurazione giovedì 10 luglio ore 19)

Il Palazzo di città di Cagliari ospiterà la prima parte del progetto, a cura di Anna Maria Montaldo, direttrice dei Musei Civici, dedicato alla produzione dell’artista dagli anni Quaranta alla metà degli anni Ottanta del secolo scorso. Il percorso espositivo, articolato in aree tematiche, muove dal cospicuo corpus di disegni, realizzati a penna o matita a partire dai primi anni Quaranta, per arrivare alle tempere dedicate al tema del lavoro femminile, alla produzione ispirata alla tessitura (lavagne, libri cuciti, geografie), fino aiPaesaggi, le Terrecotte, i Pani, i Presepi e i Telai degli anni Settanta, centrali nella produzione dell’artista. La parte cagliaritana della mostra sarà arricchita dalla presentazione dimateriale documentario, interviste e filmati d’archivio a ricostruire alcune tra le tappe più significative del percorso creativo dell’artista. Tra questi anche il celebre video della performance collettiva Legarsi alla montagna, realizzata a Ulassai nel 1981, lavoro chiave nello sviluppo dei linguaggi dell’artista, identificato come possibile elemento unificante le tre sedi del progetto.

Nuoro – Museo MAN (Inaugurazione venerdì 11 luglio ore 19)

Il MAN di Nuoro ospiterà la seconda parte della mostra, a cura di Barbara Casavecchia e Lorenzo Giusti, direttore del museo, dedicata alla produzione di Maria Lai successiva ai primi Ottanta, un momento di particolare intensità creativa per l’artista, portato avanti in sintonia con gli sviluppi delle coeve ricerche internazionali di ambito performativo, relazionale e pubblico. Oltre a Legarsi alla montagna, la celebre azione collettiva del 1981, in mostra saranno presentati alcuni tra i principali interventi ambientali realizzati successivamente,da La disfatta dei varani (Camerino, 1983) a Essere è Tessere (Aggius, 2008). La mostra ricostruisce le tappe principali di questo percorso tramite opere, materiali documentari, foto e video, intrecciandole alla ricerca svolta da Lai nell’ambito del teatro e della performance. Un altro elemento nodale del percorso espositivo (che comprende alcune importanti serie di lavori, tra cui Lenzuoli, Libri cuciti e d’artista, Geografie e Telai) è la relazione con il mondo dell’infanzia e della didattica, esplorata da Maria Lai tramite la produzione di fiabe, libri, giochi e laboratori, volti a coinvolgere nella riflessione sul potenziale liberatorio dell’arte ogni genere di pubblico, fino dalla più giovane età. 

Claudia Losi & Antonio Marras – Come piccole api operaie

Un progetto speciale, frutto di una collaborazione tra l’artista Claudia Losi e lo stilista Antonio Marras, amico e collaboratore di Maria Lai, unisce idealmente le sedi di Cagliari e Nuoro. A Cagliari l’intervento collega la facciata del museo e le vie circostanti con l’interno di una sala al piano terra, dove un’opera di Lai sarà visibile anche durante la notte. ANuoro, una tessitura di fili metallici partirà dall’esterno del MAN per attraversarne mura e finestre, fino a “legare” alle pareti una galassia di piccoli oggetti (cartoncini d’auguri, grafiche, gioielli, stoffe, ricami), realizzati da Maria Lai nel corso della propria vita e donati ad amici e parenti, ricostruendone il ruolo di artista attiva nella propria comunità, che generosamente condivide e “disperde” la propria opera. 

Ulassai – Una Stazione per l’arte (Inaugurazione sabato 12 luglio ore 11.30)

Terza sede del progetto è il paese di Ulassai, che, in occasione delle mostre di Cagliari e Nuoro, con il coordinamento di Cristiana Giglio, direttore della “Stazione dell’Arte”, presenta due occasioni di visita. La prima coinvolge gli spazi dell’antica stazione ferroviaria, oggi sede del museo dedicato a Maria Lai, dove, per la prima volta dalla sua apertura, avvenuta nel 2006, le sale saranno riallestite secondo il progetto originale, ideato dalla stessa Maria Lai, con uno spazio dedicata alle carte geografiche, uno con gli omaggi aimaestri (Salvatore Cambosu, Giuseppe Dessì, Arturo Martini) ed una ospitante l’installazione Invito a tavola. La seconda occasione di visita riguarda invece gli interventi ambientali nel paese di Ulassai, realizzati a partire dai primi anni Ottanta. Il giorno dell’inaugurazione una navetta collegherà i diversi siti, dando la possibilità al visitatore di muoversi con facilità all’interno di quello che può essere considerato un vero e proprio museo all’aperto, con opere quali La strada delle capre cucite, Il gioco del volo dell’oca, ilTelaio soffitto del lavatoio e molti altri. Una nuova segnaletica faciliterà la visita, con percorsi a terra e cartelli illustrativi.

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Museo MAN

via S. Satta 27- 08100 Nuoro

tel. +39 0784 25 21 10

orari: 10-13 | 15-20 lunedì chiuso 

www.museoman.it

Palazzo di città

Piazza Palazzo, 6, 09124 Cagliari

tel. +39 070 677 6482

orari: 10-21 (giovedì 10-24) lunedì chiuso 

www.museicivicicagliari.it

Stazione dell’arte

Strada Provinciale 11, 08040 Ulassai (Og)

tel. 39 0782 787 055

orari: 9-20.30 (dal 1 ottobre 9-19) 

www.stazionedellarte.it

Ufficio Stampa: Studio ESSECI di Sergio Campagnolo

tel. 049 66 34 99; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. - www.studioesseci.net

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Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma: le novità della nona edizione

Antiquariato e innovazione: la nuova Biennale guarda all’estero e al futuro

ROMA | PALAZZO VENEZIA | 1-6 OTTOBRE 2014

La Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma, prevista a Palazzo Venezia dal 1° al 6 Ottobre e giunta alla sua nona edizione, inserendosi nel periodo della presidenza italiana del semestre europeo, si presenta in una veste tutta nuova che si focalizza su alcuni punti cardine: eccellenza, internazionalizzazione, innovazione.

La novità più importante rispetto alle edizioni precedenti è sicuramente una selezione molto più rigida di espositori ed opere per assicurare ai visitatori una mostra di qualità elevatissima caratterizzata da oggetti rari e ricercati, adatti a collezionisti e antiquari più esigenti. L’allestimento si adatterà a questa nuova filosofia concedendo agli espositori spazi più ampi che permettono di dare la giusta importanza ad ogni opera esposta.

La Biennale vuole anche garantire ai propri espositori un pubblico capace di apprezzare l’eccellenza della mostra e per questo ha deciso di allargare i propri orizzonti in ambito internazionale coinvolgendo, attraverso inviti diretti e azioni di comunicazione mirate, un target di alto profilo proveniente da tutta Europa e dai principali mercati extra-europei. In quest’ottica, inoltre, l’organizzazione della Biennale si sta già muovendo per assicurare il certificato di libera circolazione alle opere in mostra già prima dell’apertura del 1° Ottobre, comportando così maggiore semplificazione all’acquisto delle opere da parte della clientela estera.

Grande spazio verrà dedicato all’innovazione tecnologica: il rinnovato sito web si affianca all’attivazione di una app realizzata ad hoc per la Biennale che, attraverso un sistema di QR code, renderà accessibile da telefonino, tablet e pc, in mostra ed online, tutte le informazioni relative a ciascuna opera esposta. Una novità assoluta in Italia, frutto della collaborazione con ArtNetWorth. 

Associato alla mostra di antiquariato, inoltre, un percorso fotografico permetterà ai visitatori di riscoprire la trasformazione dell’antico Palazzo di Venezia in Museo Nazionale, la sua genesi attraverso gli allestimenti degli anni 20 e 30, grazie alle immagini provenienti dai rari e preziosi scatti del Fondo Hermannin, ancora conservati presso l'Archivio Fotografico della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico Artistico e Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma.

La Biennale di Antiquariato avrà nuovamente luogo nella splendida cornice di Palazzo Venezia scelto per la preziosità dei suoi interni ricchi di opere di inestimabile valore storico ed artistico e per la possibilità di contribuire al loro mantenimento. Anche quest’anno, infatti, la Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma si impegnerà nel recupero e nel restauro di una delle opere conservate a Palazzo Venezia: un olio su tavola del Giovan Francesco Maineri raffigurante Il Compianto di Cristo Morto e Donatori, restituendole la giusta visibilità ed il giusto prestigio nel panorama artistico mondiale.

-- Ufficio stampa: Studio Esseci | t. 049 663499 | Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Responsabile Comunicazione: Anna Casasola | t. 328 8243460 | Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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A Vicenza le Allegorie ritrovate di Veronese

Una mostra con l’Università di Padova,

in collaborazione con il Consorzio La Venaria Reale 

Ulteriori informazioni e immagini: www.studioesseci.net

Comunicato Stampa 

Evento storico:

Ritrovate e riunite al Palladio Museum

quattro Allegorie di Paolo Veronese disperse nei secoli

Il Palladio Museum di Vicenza partecipa, con l’Università di Padova, alle celebrazioni veronesiane previste da luglio in tutto il Veneto con una proposta che ha caratteristiche di assoluta eccezionalità. 

In collaborazione con il Consorzio La Venaria Reale, presenta infatti quattro meravigliose tele di Paolo Veronese appartenute probabilmente a un palazzo pubblico veneziano e disperse già in epoca antica. I dipinti facevano parte di un ciclo documentato da modeste copie, tra cui le quattro oggi al Musée des Beaux-Arts di Chartres. Nel 1974 due delle quattro tele originali, emerse all'improvviso sul mercato antiquario, furono acquistate dal Los Angeles County Museum of Art. Le due ancora mancanti all'appello sono state scoperte nei mesi scorsi in una villa di proprietà pubblica sul Lago Maggiore.

L'eccezionale ritrovamento è dovuto al lavoro scientifico nelle università di Milano e di Padova dei docenti Giovanni Agosti, Jacopo Stoppa e Vittoria Romani e della giovane studentessa Cristina Moro. È stata quest’ultima, impegnata in una tesi guidata da Agosti sulla collezione di Villa San Remigio a Verbania Pallanza, a porre interrogativi su due tele genericamente definite come “veronesiane” patrimonio della dimora, con un valore venale stimato, l’altr’anno, appena settemila euro. Si tratta invece di due splendidi originali di mano del maestro e non certo opere di bottega.

Nonostante i tempi ristrettissimi, l'eccezionalità dell'occasione ha convinto il Los Angeles County Museum of Art a concedere in prestito al Palladio Museum i propri due dipinti, per affiancarli alle due nuove scoperte. I quattro capolavori, di dimensioni imponenti (circa 200 per 110 centimetri), raffigurano tutti figure allegoriche: tre sapienti antichi con in mano strumenti per la misurazione della terra e del cielo, e una donna, allegoria della Scultura. Le tele ornavano un palazzo pubblico veneziano, e furono realizzate intorno al 1553 in un momento cruciale nell'attività del giovane Veronese, quando – poco più che ventenne – entra in contatto con Palladio e Daniele Barbaro. Con essi, negli anni a seguire, sarà protagonista della creazione di una delle più stupefacenti imprese architettoniche e decorative del Cinquecento veneto: la Villa Barbaro di Maser.

“Da tempo stiamo lavorando su Palladio e Veronese – dichiara Guido Beltramini, direttore del Palladio Museum – due artisti legati da un rapporto strettissimo fatto di amicizie comuni e committenze intrecciate. Per questo abbiamo proposto a La Venaria Reale di condividere un progetto espositivo esponendo in casa di Palladio i Veronese ritrovati, in parallelo alla grande mostra su Paolo Veronese che la Direzione Musei di Paola Marini ha allestito a Verona nel Palazzo della Gran Guardia insieme alla National Gallery di Londra”. 

Le tele di Verbania infatti, per iniziativa della Reggia di Venaria e della Regione Piemonte, oggi proprietaria di Villa San Remigio, sono state poste in restauro presso il Centro Conservazione e Restauro La Venaria Reale annesso al complesso della Reggia. 

"Abbiamo aderito volentieri – dichiara Alberto Vanelli, direttore del Consorzio La Venaria Reale – al progetto espositivo del Palladio Museum, che contiamo di replicare alla Reggia di Venaria. In questo modo i dipinti potranno essere confrontati con le altre opere di Veronese giunte da Europa e Stati Uniti per essere studiate a fondo e comprese".

La mostra, curata da Giovanni Agosti, Guido Beltramini e Vittoria Romani, accanto alle tele veronesiane ricostruirà quanto è possibile raccontare della storia collezionistica dei due dipinti ritrovati a Verbania Pallanza. Esse pervennero nella celebre Villa San Remigio, costruita in occasione del matrimonio che nel 1896 coronò la contrastata storia d’amore fra il marchese partenopeo Silvio della Valle di Casanova e Sophie Browne, pittrice e scultrice di origini irlandesi. I due, che erano cugini, raccolsero nella villa una straordinaria collezione d'arte e la circondarono con un complesso di giardini tematici affacciati sul lago Maggiore, di sapore romantico e passatista, che attrasse personaggi come Umberto Boccioni e Bernard Berenson. Per evocare tale contesto in mostra a Vicenza, accanto a preziose immagini d'epoca, saranno presentati due splendidi dipinti che Umberto Boccioni realizzò durante il soggiorno in Villa San Remigio: il "Paesaggio" e il "Paesaggio (con montagne e lago)", entrambi del 1916, oggi di proprietà privata.

Il catalogo della mostra, a cura di Vittoria Romani (Università di Padova), raccoglie scritti di Romani, Xavier Salomon, Cristina Moro, Carlotta Crosera, ed è edito da Officina Libraria.

Info: www.palladiomuseum.org

Ufficio Stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.6633499 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Alla Fondazione Ferrero Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe

Mostra a cura di Giorgina Bertolino Comunicato Stampa

Una mostra “museo”: 

sessantacinque dipinti di Felice Casorati, 

quaranta dei quali dalle collezioni di musei 

e istituzioni nazionali e internazionali

La Fondazione Ferrero di Alba e la GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, in collaborazione con la Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici del Piemonte, si preparano a rendere omaggio a Felice Casorati (1883 – 1963) con un’ampia antologica che si potrà ammirare alla Fondazione Ferrero, ad Alba, dal 25 ottobre 2014 al primo febbraio 2015. 

Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe - curata da Giorgina Bertolino, coautrice del Catalogo Generale dei dipinti dell’artista - è una personale dedicata alla ricerca, alla storia pubblica e alla ricezione internazionale della pittura casoratiana, dagli anni Dieci agli anni Cinquanta del Novecento. 

Quaranta dei sessantacinque dipinti che saranno presenti nelle sale della Fondazione provengono da musei e istituzioni nazionali e internazionali. Alcuni, acquisiti e partiti dall’Italia nei primi decenni del Novecento, rappresentano per il pubblico di oggi dei veri e propri inediti espositivi. 

Tra i musei prestatori italiani, la Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, il Museo del Novecento di Milano, la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro di Venezia, il Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, depositario della Collezione VAF-Stiftung, la RAI-Radiotelevisione Italiana. 

Tra i musei prestatori in Europa, la Nationalgalerie di Berlino e il Centre Pompidou di Parigi; negli Stati Uniti, il Detroit Institute of Arts e il Museum of Fine Arts di Boston; in Brasile, il Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. 

La collaborazione della GAM di Torino - depositaria della più ampia collezione pubblica di opere di Felice Casorati - conferma l’impostazione scientifica del progetto, avvalorato dal Comitato scientifico presieduto da Danilo Eccher, direttore della Galleria torinese e composto da personalità autorevoli: Edith Gabrielli, Carlo Sisi, Ester Coen, Flavio Fergonzi, Maria Cristina Bandera, Luigi Cavallo, Ana Gonçalves Magalhães, Virginia Bertone.

«La mia pittura accolta con tanta severità in patria, trovò all’estero consensi cordiali, talvolta entusiasti. Moltissime le riviste che mi dedicarono articoli. Fui invitato ad allestire mostre personali in Germania, in Belgio, in America, in Francia e persino in Russia. Le Gallerie d’Europa e d’America ospitarono fin troppo volentieri i miei quadri».

Con queste parole, nel 1943, Felice Casorati raccontava nell’Aula Magna dell’Università di Pisa, la sua vicenda artistica oltre confine. 

Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe raccoglie un nucleo di opere filologicamente coerenti rispetto alla provenienza e alla storia delle mostre, con dipinti appartenenti a collezioni museali e private, acquisiti o esposti all’estero e nelle sale della Biennale di Venezia, la grande rassegna investita nel secolo scorso della funzione di Società delle Nazioni dell’arte. Le opere sono state individuate tra quelle che Casorati stesso, durante la sua lunga carriera artistica (iniziata nel 1907 e conclusa con la scomparsa nel 1963), scelse di presentare nei contesti espositivi internazionali. Celebrato come uno dei maestri dell’arte italiana del Novecento, Felice Casorati fu protagonista di quel rinnovamento del linguaggio artistico che ebbe nelle Biennali di Venezia e nelle sedi del circuito espositivo europeo e americano uno spazio di scambio e di confronto. Partecipò a importanti rassegne celebrative tra le quali, nel 1910, le Esposizioni per il Centenario argentino di Buenos Aires e per il Centenario dell’Indipendenza di Santiago del Cile; le Esposizioni universali di Barcellona nel 1929 e di Bruxelles nel 1935; l’Esposizione Internazionale di Parigi nel 1937. Presente a numerose mostre dedicate all’arte italiana contemporanea, alle mostre itineranti del movimento artistico Novecento (a Ginevra nel 1929, in America latina nel 1930, a Stoccolma e a Helsinki nel 1931), e nel dopoguerra, alla Documenta di Kassel (dove fu invitato per la prima edizione del 1955), l’artista concorse a prestigiosi premi come quello promosso dal Carnegie Institute di Pittsburgh, dove fu presente dal 1924 al 1939 e poi nel 1950, e per il quale fu membro della giuria nel 1927. 

L’antologica Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe si prefigge di analizzare questa composita mappa espositiva, assumendo le Biennali veneziane come punto privilegiato d’osservazione. Sono dodici le edizioni documentate nelle sale della Fondazione, attraverso singole opere (1907, 1910, 1912) o attraverso nuclei cospicui (ciascuno di cinque, sette dipinti) che consentiranno di ricostruire la partecipazione dell’artista alla mostra del 1924, del 1938, del 1942, del 1952, sino alla postuma del 1964.

La mostra è introdotta dal Ritratto della sorella Elvira, con cui Felice Casorati esordì alla Biennale di Venezia del 1907, avviando la sua prima stagione pittorica, caratterizzata da quadri con figura che, secondo canoni ancora naturalistici, declinano il tema delle età femminili: Le vecchie comari del 1908 (Galleria d’Arte Moderna Achille Forti, Verona), inviato due anni dopo a Santiago del Cile, Le ereditiere (MART, Rovereto - Collezione VAF-Stiftung), esposto alla Biennale veneziana del 1910, Bambina su un tappeto rosso (Museum voor Schone Kunsten, Gent) presentato nell’edizione del 1912 dove fu acquistato dal governo belga. 

Accanto ad alcuni dei più celebri capolavori - Ritratto di Maria Anna De Lisi (1918), Tiro al bersaglio (1919), Le uova sul cassettone (1920) - la mostra rintraccia l’itinerario di scelte compiute dall’artista sul versante interno della pittura e su quello della sua presentazione ufficiale. Ne emerge un Casorati che nelle occasioni importanti privilegia il ritratto. 

In mostra la ricorsività del genere sarà sottolineata da una vera e propria “galleria di ritratti”: quelli dedicati alla moglie Daphne Maugham, al mecenate Riccardo Gualino e ai suoi familiari, al pianista e compositore Alfredo Casella, alla danzatrice russa Raja Markmann, a Hena Rigotti, all’ingegner Gino Beria, ai coniugi tedeschi Kurt ed Elisabetta Wolff (il cui ritratto giungerà dalla Pinakothek der Moderne di Monaco di Baviera), al pittore e allievo Riccardo Chicco (in prestito dal Museum of Fine Arts di Boston). Familiari, amici, intellettuali, artisti, fanno parte dell’ambiente culturale e cosmopolita che l’artista frequenta lungo tutti gli anni Venti. 

Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe offre un’occasione unica per ammirare, una accanto all’altra, opere straordinarie normalmente distanti. È il caso dellaMadre (Neue Nationalgalerie degli Staatliche Museen di Berlino), esposta alla XIV Biennale di Venezia del 1924, che il pubblico vedrà insieme ad alcune delle opere che l’artista decise di presentare allora: Manichini (Museo del Novecento, Milano), il Ritratto di Hena Rigotti (GAM, Torino), il Concerto (RAI, Torino) e i tre Ritratti Gualino, nuovamente riuniti a trent’anni dalla mostra Dagli ori antichi agli anni Venti che li presentò a Torino nel 1982. 

Il Ritratto del Maestro Alfredo Casella del 1926, il Ritratto dell’ingegner Gino Beria del 1925-1926 (GAM, Torino) documentano la partecipazione di Casorati al circuito espositivo internazionale della seconda metà degli anni Venti, mentre Ospedale (GNAM, Roma), Gli scolari (Galleria d’Arte Moderna “E. Restivo”, Palermo) e Beethoven (MART, Rovereto, Collezione VAF-Stiftung), ricostruiscono parte dell’insieme presentato alla Biennale di Venezia del 1928. 

Tra le opere esposte nell’edizione del 1930 il Ritratto di fanciulla (Galleria d’Arte Moderna, Genova) e in quella del 1934, Pomodori dello Szépmuvészeti Múzeum di Budapest.

La sezione delle opere degli anni Trenta si apre con la Venere bionda del 1933 (Centre Pompidou, Parigi). Esposta nel 1937 nel Padiglione italiano dell’Exposition internationale di Parigi e acquisita dallo Stato francese nel 1938, la tela fu richiesta in prestito nel 1952 per la sala alla Biennale di Venezia che lo stesso Casorati concepì per antologizzare la propria storia pittorica. I prestiti del Detroit Institute of Arts consentiranno di vedere per la prima volta in Italia il Ritratto di mia moglie, esposto al Premio Carnegie nel 1933 e nel 1936, eIcaro, presentato nell’edizione del 1939. 

L’importante nucleo di quattro dipinti appartenenti al Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo documenteranno il decennio successivo, registrando al contempo l’esemplare vicenda collezionistica di Francisco Matarazzo Sobrinho, imprenditore e mecenate italo-brasiliano.

Alla GAM di Torino appartiene anche la serie di fogli dell’album che raccolgono i minuscoli disegni progettuali con cui Casorati era solito tracciare, con pochi segni essenziali, le idee e le varianti dei suoi futuri dipinti. In questi formati di pochi centimetri, allestiti in un’apposita sezione, il visitatore potrà riconoscere numerose delle opere disposte sulle pareti della mostra. 

La mostra avrà tra i suoi destinatari sia gli studiosi sia il grande pubblico, accolti negli spazi della Fondazione Ferrero da un articolato programma di visite, incontri e approfondimenti, dalla proiezione di un documentario prodotto ad hoc e dalle attività educative destinate alle scuole, progettate dalla Fondazione in collaborazione con il Dipartimento Educazione della GAM, Torino. 

Felice Casorati. Collezioni e mostre tra Europa e Americhe è fondata su una approfondita ricerca iniziata nella primavera del 2013. Gli esiti della ricerca confluiranno nel catalogo, curato da Giorgina Bertolino ed edito da Silvana Editoriale. 

Il volume documenterà e analizzerà le opere esposte e sarà arricchito dai saggi della curatrice, di Sergio Cortesini, Maria Chiara Donini, Ana Gonçalves Magalhães. 

Nel periodo di apertura dell’esposizione allestita ad Alba, la GAM di Torino presenterà una selezione di disegni di Felice Casorati, provenienti dal Gabinetto Disegni e Stampe del museo. Organizzata nella Wunderkammer, la mostra di disegni sarà curata dal vice-direttore Riccardo Passoni.

Info

Fondazione Ferrero - Ufficio Stampa tel. 346 3325466 - 0173 295094; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

www.fondazioneferrero.it

in collaborazione con: 

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049 663499; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Ulteriori informazioni e immagini: www.studioesseci.net

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Una "Stagione Informale" ad Aosta: Capolavori della Collezione Reverberi

Il Museo Archeologico Regionale di Aosta ospita, dal 20 giugno al 26 ottobre 2014, l’attesissima “prima” di una delle più ampie collezioni private di arte informale. La collezione che nasce dalla volontà e dalla passione di Gian Piero Reverberi e che oggi la famiglia Reverberi custodisce e incrementa.

Gian Piero Reverberi è musicista, arrangiatore e produttore. A lui sono legati molti dei maggiori successi di cantautori italiani, e non solo, come Gino Paoli, Luigi Tenco, Fabrizio De Andrè, New Trolls, Le Orme, Lucio Battisti, Ornella Vanoni, Lucio Dalla, Paul Anka, Patty Pravo e Sergio Endrigo. Nel 1979 fonda il gruppo Rondò Veneziano che raggiunge l'apice del successo vendendo 20 milioni di copie in tutta Europa, con le sue originali musiche baroccheggianti. Accanto alla passione professionale per la musica, Reverberi ha coltivato infatti un’altra travolgente passione, quella per l’arte: tutte e due vissute da attento spettatore del suo tempo, con la capacità di cogliere le novità che emergevano sulla scena mondiale.

Per iniziativa dell’Assessorato Istruzione e Cultura della Regione Autonoma Valle d’Aosta, questa magnifica Collezione, sino ad ora concessa solo all’ammirazione degli amici, fa la sua prima uscita pubblica, in occasione della quale Beatrice Buscaroli e Bruno Bandini, che ne sono i curatori, hanno selezionato circa 90 opere tra le oltre 300 raccolte dal musicista negli ultimi 30 anni.

La Collezione Reverberi si è costituita infatti nell’arco di circa tre decenni, privilegiando una particolare stagione: quella della pittura informale. Un catalogo ricco, che da un lato esalta la centralità dell’investigazione europea, e dall’altro dedica ampio spazio a quella declinazione dell’informale caratterizzata dalla dissoluzione della “figura” (come è testimoniato dall’esperienza CoBrA) e da originali evoluzioni di esperienze concettuali (come nei casi di Novelli o di Bendini). La “Stagione Informale” della Collezione Reverberi presenta quindi opere di Fautrier, Afro, Perilli, Santomaso, Marfaing, Appel, Jorn, Dorazio, Olivieri, Bargoni, Bendini, Lindstrom, Shiraga, Manzoni, Schumacher, Nitsch, grazie alle quali riesce ad offrire uno spaccato di altissimo livello italiano ed europeo.

Le opere in mostra presentano una precisa testimonianza dell’arte del dopoguerra, contrassegnata dalla consapevolezza della natura effimera e priva di certezze del presente: essa si traduce in una frustrazione della visione, frutto di un primato che viene riconosciuto al gesto espressivo, alle dinamiche del segno e della materia. Rivoluzione del gesto e poetica del colore e della materia sembrano i veicoli originali cui affidare la creazione artistica, specie attraverso il mezzo della pittura. Automatismi psichici di matrice surrealista ed attenzione per le varianti delle filosofie dell’esistenza vanno a comporre quel singolare e composito organismo artistico e culturale che solitamente viene definito Informale.

Le vie dell’Informale sono molteplici, così come molteplici sono le consapevolezze che gli artisti vengono manifestando. Quella che appare più solida e destinata a durare nel corso del tempo è una innegabile attenzione nei confronti della pratica della pittura, per quanto non più contenibile nei confini di una forma, nei limiti di una composizione che sembra costringere gli spazi di libertà della creazione. In una parola, si tratta di una pittura per la quale – come scrisse nel 1946 Francis Ponge presentando una mostra di Jean Fautrier – “la ‘bellezza’ ritorna”. Ma si tratta di una bellezza tra virgolette, che può sì ritornare ma a condizione di sconvolgere i canoni espressivi che l’hanno preceduta. Non si rinuncia alla “narrazione”, piuttosto l’immagine si traduce in luogo in cui la libertà creativa dell’artista prende corpo attraverso una conversione dall’ignoto e dall’indicibile, intesi sia come lascito di una storia sempre più frammentata e disumanizzata, sia come groviglio dell’inconscio.

UNA STAGIONE INFORMALE. Capolavori della Collezione Reverberi

Aosta, Museo Archeologico Regionale, Piazza Roncas 12

20 giugno 2014 – 26 ottobre 2014

Inaugurazione: Venerdì 20 giugno 2014, ore 16.00

Mostra realizzata da: Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta

A cura di: Beatrice Buscaroli e Bruno Bandini. Produzione RealizzArte.

Orario: dal martedì alla domenica 10.00 – 18.00. Lunedì chiuso.

Ingresso € 6,00 intero, € 4,00 ridotto, gratuito per i minori di 18 anni e per i maggiori di 65 anni

Catalogo Silvana Editoriale con testi di Beatrice Buscaroli, Bruno Bandini e Daria Jorioz

Per informazioni:

Assessorato Istruzione e Cultura

Attività espositive: tel. 0165.274401 E-mail: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. Internet: www.regione.vda.it

Ufficio stampa 

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo – Padova 

tel. 049.663499 Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.studioesseci.net

Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta

tel. 0165 273457, Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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Ping Pong Basel 2014

Projektraum M54 presents artists from Basel, Miami and Los Angeles. The exhibition is located in an old factory building close to the main Art fair. Ping Pong is a project documenting, exploring and stimulating the artistic endeavors of parallel cities.

Artists working with similar techniques and materials or with roots in the same cultural and political backgrounds are chosen and paired off with the counterparts from another city. Ping Pong Miami during Art Basel Miami Beach 2014.

Curators: Sue Irion, Mette Tommerup, Peter Mays, Bernadette Buergin

Special Events:

18 Jun, 6pm – 10pm | Opening Party, live music with the Lombego surfers;

19 – 22 Jun, 6pm – 8pm | Happy Hour

  • Artists:
    Robert Chambers
    Martin ChramostaSue IrionClare KennyRuben MillaresMarkus MüllerAndrew PasquellaMei Xian QiuMette TommerupAntonia Wright
  •  
  • Open:
    Wednesday, 18 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Projektraum M54, Mörsbergerstrasse 54, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 76 435 57 16
  • Web:
    Ping Pong Basel
  • Opening hour:
    Thu – Sun | 2pm – 8pm
  • Transport:
    Bläsiring, Feldbergstrasse
  • Photo credits:
    Courtesy of Ping Pong Basel
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Julia Rometti and Victor Costales: Vamoose, all cacti jut torrid nites

The artist duo Julia Rometti and Victor Costales treat nature as a space for inscription of philosophical and literary narratives in which natural forms become the agents. In their sculptural installations the artists combine natural objects with industrial material.

In this way their exhibitions became like poetic reflections about humankind and their environment.

Special Event:

18 Jun, 7pm - 10pm | Opening reception

  • Artists:
    Julia Rometti and Victor Costales
  •  
  • Open:
    Thursday, 19 June 2014
  • Close:
    Sunday, 24 August 2014
  • Address:
    Kunsthalle Basel, Steinenberg 7, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
    "> Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 61 206 99 00
  • Web:
    Kunsthalle Basel
  • Opening hour:
    Tue - Fri,11am – 6pm; Thu | 11am – 8.30pm; Sat, Sun | 11am – 5pm
  • Closing day:
    Mon
  • Admission:
    Ticket CHF 12, reduced CHF 8
  • Transport:
    Bankverein or Theater
  • Photo credits:
    Julia Rometti & Victor Costales,Tamtruyt Tamkunt, 2013 Modell eines Berberteppichs / Model for a berber carpet 4 Tintenstrahldrucke / 4 inkjet prints 60cm x 42cm. Courtesy the artists and Jousse Entreprise, Paris
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Parcours

For its fifth edition, Parcours transforms a variety of unique locations on and around Rheingasse in Kleinbasel, a five-minute walk from Messeplatz. Presenting high- caliber works by renowned international artists, Parcours engages with Basel's past and present, weaving 15 artistic interventions into the fabric of this historic neighborhood. Parcours, an official sector of Art Basel, is for the second time curated by Florence Derieux, Director of FRAC Champagne-Ardenne.

The full list of Parcours projects:

Francesco Arena, '278 km (as a letter of Nietzsche)', 2014 | Kadel Willborn

Darren Bader, 'The Gardeners in Paradise' | Sadie Coles HQ

Gottfried Bechtold, 'Panamera', 2007-2013 |Galerie Krinzinger

Pierre Bismuth, 'Performances, works in situ', 2014 | Bugada & Cargnel

Jean-Luc Blanc, 'Un peu étroit', 2014 | Art : Concept

Chris Burden, 'Holmby Hills Light Folly', 2012 | Gagosian Gallery

Ryan Gander, 'Make Everything like it's your Last', 2013 | Lisson Gallery; gb agency

Mario García Torres, 'The Schlieren Plot' | Jan Mot; Proyectos Monclova

Mark Handforth, 'Tilted Shadow', 2013, 'Magenta Torque Moment', 2014 | Galleria Franco Noero; Gavin Brown's enterprise; The Modern Institute; Galerie Eva Presenhuber

Iman Issa, 'Proposal for a Crystal Building', 2003 | Rodeo

João Penalva, 'Men Asleep', 2012 | Simon Lee Gallery

Seth Price, '8-4 9-5 10-6 11-7', 2007 | Petzel Gallery; Galerie Gisela Capitain

Eva Rothschild, 'This and This and This', 2013 | Galerie Eva Presenhuber; Stuart Shave/Modern Art

Guido van der Werve, 'home, a requiem', 2011-2012 | Luhring Augustine; Marc Foxx Gallery

Zeng Fanzhi, 'Untitled', 2014 | Gagosian Gallery

Special events:

18 Jun | Parcours Night

From 8.30pm to 11.30pm | Mario García Torres, The Schlieren Plot, n/d., 29', kult. kino Camera; A 29-minute essay film, shown in a loop, about the earthworks of Robert Smithson, left undone in Texas. The film will be introduced in person by Mario García Torres and Florence Derieux | Rebgasse 1; Free public access

From 10pm to 12midnight | Guido van der Werve, home, a requiem; performed by the 20-string Orchestra of Europe — together with a 20 person-choir — the requiem serves as the soundtrack to number veertien live, the artist's latest film, which is presented within Art Basel's Unlimited sector, located in Hall 1, Messe Basel | St. Clarakirche, Claraplatz; Free public access

18 Jun - 22 Jun | Guided tours Parcours: 2pm and 5.30pm in English, 2pm and 4pm in German. Meeting point located at the Guided Tours desk, Hall 1 entrance. For reservations Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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  • Open:
    Thursday, 19 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Messeplatz, Basel
  • Mail:
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  • Web:
    Art Basel
  • Photo credits:
    Courtesy of Art Basel
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Davidoff Cigar Lounge

The Davidoff Art Initiative supports contemporary art and artists in the Caribbean, strengthens art organisations in the Dominican Republic, shares knowledge and expertise about contemporary art, and fosters cultural engagement between the Caribbean and the rest of the world. At the core of the Art Initiative, Davidoff aims to give back to the cultural community of the Dominican Republic, where much of its production and so many of its employees are based, bringing opportunity and visibility to the art and culture of the Caribbean region and extending the company's long-standing commitment to artistry, craftsmanship, community, and quality.

Davidoff Art Residencies offer emerging and mid-career artists from the Dominican Republic and the wider Caribbean the opportunity to spend three months in international partner residencies (Berlin, New York and Beijing).

Davidoff Artists
2013: Monica Ferreras de la Maza
2014: Jorge Pineda, Pascal Meccariello Davidoff International Art Residency in the Dominican Republic Opening January 2015

Davidoff Art Edition
Davidoff Art Initiative invites contemporary artists from around the world to create special editions related to Davidoff products and the Davidoff brand. 2014 Edition Artist Quisqueya Henriquez, born 1966, Havana, Cuba; works and lives in Santo Domingo, Dominican Republic. Davidoff Art Grants assist cultural organisations and institutions across the Caribbean

Davidoff at Art Basel
Since 2012, Davidoff has been an Associate Partner of Art Basel at its global locations in Basel, Miami Beach and Hong Kong. During all the shows, Davidoff operates a hospitality lounge in the Collectors Lounge, offering guests an opportunity to experience the brand.

Special Event:
Jun 17, 6pm, media reception and cocktail, by invitation only

This year Davidoff is hosting a series of Artist Talks in the lounge; the Art Dialoguesaddress timely questions in contemporary art, from explorations of the current creative landscape in the Caribbean and Latin America to the evolution of the art markets and exchange with the participation artist in the program. Sound powered by Sennheiser.

Programme of the Art Dialogues:
Jun 18, 3:30pm - 4pm, Art Dialogue with Quisqueya Henriquez; access with VIP and Davidoff VIP only, registration at the Davidoff Welcome Desk, Hall 5
Jun 19, 3:30pm - 4pm, Art Dialogue with Jorge Pineda; access with VIP and Davidoff VIP only, registration at the Davidoff Welcome Desk, Hall 5
Jun 20, 3:30pm - 4pm, Art Dialogue with Mónica Ferreras De la Maza; access with VIP and Davidoff VIP only, registration at the Davidoff Welcome Desk, Hall 5
Jun 21, 3:30pm - 4pm, Art Dialogue with Quisqueya Henriquez; access with VIP and Davidoff VIP only, registration at the Davidoff Welcome Desk, Hall 5

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  • Open:
    Wednesday, 18 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Davidoff Cigar Lounge, Terraces of Halls 2.1 and 2.2, Messeplatz, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 61 279 36 12
  • Web:
    Davidoff Art Initiative
  • Opening hour:
    During the fair hours | 11am - 7pm
  • Admission:
    avidoff VIP card or Art Basel VIP card
  • Photo credits:
    Courtesy of Davidoff Art Initiative
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Charles Ray: Sculpture 1997-2014

In collaboration with the Art Institute of Chicago, the Kunstmuseum Basel will hold a major exhibition of the work of the American artist Charles Ray.
Rather than offering a full-blown retrospective, the show focuses on works Ray has created between 1997 and 2014. It will be on display at the Kunstmuseum as well as the Museum für Gegenwartskunst.

Charles Ray is regarded as one of the preeminent sculptors working today.

Like Jeff Koons and Katharina Fritsch, he charts a new language of sculptural figuration, as exemplified by Boy with Frog, 2009, a steel sculpture painted white. Until recently, it drew a lot of attention in Venice, where it was installed at the Punta della Dogana. The oversized naked boy is handling his counterpart from the animal kingdom with a vitality bordering on the brutal; the sculpture is true to life and yet stylized. The almost classicistic poise and the stupendous quality of the sculpture's execution—a heavyweight, it looks light and graceful—lends it a certain timelessness; looking at it, many people would not evenrecognize it as contemporary art.

Curator: Bernhard Mendes Bürgi

 

Special Event:

Jun 14, 5pm | Vernissage

 

 

  • Artists:
    Charles Ray
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  • Open:
    Sunday, 15 June 2014
  • Close:
    Sunday, 28 September 2014
  • Address:
    Kunstmuseum Basel, St. Alban-Graben 16, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 061 206 62 50
  • Web:
    Kunstmuseum Basel
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 10am - 6pm
  • Closing day:
    Mon
  • Admission:
    CHF 15, reduced CHF 10
  • Photo credits:
    Charles Ray, Boy with Frog, 2009. Courtesy of Kustmuseum Basel
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Audemars Piguet Collector's Lounge

Audemars Piguet presents its exclusive new lounge created by leading French designer Mathieu Lehanneur as well as a new piece by Austrian video artist Kurt Hentschläger. Inspired by Audemars Piguet's home in Le Brassus in the Vallée de Joux, the innovative design by Lehanneur will provide the setting for a reflective video piece by Hentschläger and an exhibition of exceptional historic and contemporary timepieces, including a display of six new models of the Royal Oak Offshore in 42 mm.

On the occasion of the 45th Art Basel, Audemars Piguet announces the launch of the annual Audemars Piguet Art Commission. Overseen each year by an internationally renowned guest curator invited by the brand, this new commissioning programme will support the creation of one major artwork annually by an emerging or midcareer artist. The artwork will emphasise the visual and conceptual expression of complexity, precision, and creativity. Audemars Piguet will not only provide the monetary support to develop and present each project, but it will also help the selected artist by providing access to advanced tools, craft expertise and the sophisticated technology necessary to realise the work.
The commissions will be unveiled on a rotating basis at the three international locations of Art Basel in Hong Kong, Miami Beach and Basel, where Audemars Piguet has, since 2013, been an Associate Partner. The selected artist will be announced later this year with the first work to be unveiled a the Art Basel show in Basel in 2015. The annual commissions are expected to tour after their Art Basel debut, and, where possible, they will be exhibited at Audemars Piguet's home in the Vallée de Joux, in Switzerland.
For each annual commission, a shortlist of artists will be invited to Audemars Piguet's home in Le Brassus to learn about the brand's 140-year tradition of precision, expert craftsmanship and innovation. The selected artist will work with the guest curator and Audemars Piguet on realising the work.

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V come Villa Giulia l’Alfabeto di Massimo Campigli

Nel ricordare la visita al museo di Villa Giulia, Campigli parla di “coup del foudre”: colpo di fulmine per la civiltà etrusca, e conseguente punto di svolta nella sua arte.

Tutto ciò che aveva dipinto fino a quel momento verrà da lui stesso disprezzato, e possibilmente distrutto. Siamo nel 1928, Campigli ha 33 anni ed è in viaggio verso la Romania insieme alla prima moglie, la pittrice Magdalena Radulescu. La sosta a Roma, con la scoperta di Villa Giulia, risveglia nell’artista una sensibilità che già gli apparteneva, ma che mancava di consapevolezza. Le emozioni suscitate dall’esperienza romana lo portarono ad un immediato mutamento di stile. Ricorda Campigli: “Nella mia pittura, alle donne monumentali subentrarono le donnine. Amai questa umanità piccola sorridente e che fa sorridere. Trovai invidiabile il sonno beato sui sarcofagi di queste altre odalische di terra cotta e il loro modo di esser morte. Nei miei quadri entrò una pagana felicità tanto nello spirito dei soggetti che nello spirito del lavoro che si fece più libero e lirico”.

Paola Campolongo

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Una pennellata di musica dentro il colore

Dopo il grande successo riscosso dal primo appuntamento, giovedì 5 giugno dalle ore 21.30 il jazz torna a essere protagonista di uno straordinario evento nel giardino di Palazzo dei Diamanti. Anche questa volta acquistando il biglietto della mostra Matisse, la figura per la serata, il pubblico avrà l’opportunità di visitare la rassegna e di assistere al concerto.

Il nome del gruppo che si esibirà ai Diamanti è Icarus Quartet. Un ensemble unico, pensato espressamente dal Gruppo dei 10 come chiusura originale della ricca rassegna musicale Tutte le Direzioni in Springtime e come evento collaterale della mostra Matisse, la figura.

A far volare il pubblico nel colore di Matisse e nelle note del jazz ci penserà il gruppo composto da Marco Tamburinialla tromba, Riccardo Fioravanti al basso, Giovanni Bertelli alla chitarra ed Ellade Bandini alla batteria.

Il concerto non si potrà prenotare, i posti andranno a esaurimento. La mostra rimarrà aperta fino alle 24.00(chiusura biglietteria 23.30), permettendo al pubblico di visitarla sia prima che dopo il concerto. In caso di pioggia l'evento si terrà nel Salone d'Onore della Pinacoteca Nazionale, al I piano di Palazzo dei Diamanti.

Alle 21.00 il Gruppo dei 10 presenterà anche il programma della rassegna musicale estiva Direzione Comacchio 2014.

A partire dal 5 giugno e fino alla data di chiusura (domenica 15 giugno), Matisse, la figura è aperta tutti i giornifino alle 23.00, per dare a tutti l'opportunità di visitare la rassegna nella splendida cornice di Palazzo dei Diamanti by night.

Informazioni

Ufficio Informazioni e Prenotazioni 

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"Acuta e illuminante" la mostra ai Diamanti: ultimi giorni di apertura!

Ferrara e Londra le sedi segnalate dal «New York Times» per visitare «due mostre che celebrano Matisse in tutte le sue forme»

Un lungo articolo dell'autorevole quotidiano presenta così l'esposizione di Palazzo dei Diamanti, Matisse. La figura, assieme alla rassegna Henri Matisse: The Cut-Outs allestita in uno dei templi dell'arte moderna, la Tate Modern di Londra. La mostra ferrarese, giudicata dal «New York Times» «acuta e illuminante», mette a fuoco il cruciale interesse dell'artista per la figura lungo tutta la sua carriera grazie ad una sequenza di emblematici capolavori. La mostra londinese si concentra invece sull'epilogo di questa vicenda, il lavoro con le gouaches découpées.

Leggi l'articolo del New York Times qui 

Sono rimasti pochi giorni per visitare la mostra a Ferrara, che chiude domenica 15 giugno

Per offrire al pubblico un'opportunità in più, fino a domenica Palazzo dei Diamanti rimarrà eccezionalmente aperto tutti i giorni sino alle ore 23.00 (chiusura della biglietteria alle ore 22.30): un'occasione irrepetibile per una suggestiva visita by night ai capolavori di Matisse!

Per Informazioni e prenotazioni 

tel. 0532 244949

www.palazzodiamanti.it

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Volta 10

VOLTA is Basel's renowned platform for presenting the vision of contemporary art galleries of global prestige whose artists represent new and relevant positions for curators and collectors alike.

Conceived to bridge a gap between Basel's pre-existing fairs, VOLTA showcases galleries that choose to work with the most exciting emerging artists. These galleries must keep deeply meaningful connections with their artists and follow them throughout their careers. In turn, select galleries exhibit in the airy rotunda surroundings of Basel's Markthalle, elevating their own platforms for an experience mutually beneficial to fair visitors and the galleries alike.
This year Volta is at its 10th editions, encouraged by the response of collectors and curators during the last editions solo presentations and carefully considered booths.

VOLTA was co-founded by three dealers, Kavi Gupta, Friedrich Loock and Uli Voges, and art critic Amanda Coulson in 2005.

Preview Agenda:

Mon, June 16 | 10am - 2pm | Guest of honor preview
Mon, June 16 | 12noon - 2pm | VIP / Press
Mon, June 16 | 2pm - 10pm | Public Vernissage

For guided tours please contact Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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  • Open:
    Monday, 16 June 2014
  • Close:
    Friday, 21 March 2014
  • Address:
    Markthalle, St. Jakobs-Strasse 397
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Web:
    Volta 10
  • Opening hour:
    12noon - 8pm
  • Admission:
    General: 17CHF | Student and Groups (+10): 12CHF | FREE admission with VOLTA VIP Card, Art Basel, SCOPE and THE SOLO PROJECT
  • Photo credits:
    Courtesy of Volta
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Liste

What began as an initiative by young gallerists in 1996, developed into one of the most important fairs for contemporary young art in the world. For 18 years, the fair has been making relevant contributions to the promotion of young artists and galleries. The intentionally low number of 66 galleries and the high level of sophistication of those galleries are reasons for LISTE's extraordinary success, international reputation and drawing power.

For the past 9 years, the Performance Project has been an integral part of the fair. It is important to LISTE to provide a platform for performance, a contemporary art genre that often struggles in the art market. The Performance Project's curator is Fabian Schöneich, Basel.

Special Event:

Jun 16, 12noon - 5pm | Preview

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  • Open:
    Tuesday, 17 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Warteck pp, Burgweg 15
  • Web:
    Liste
  • Photo credits:
    Courtesy of Liste
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Design Miami

Design Miami is the global forum for design. Each fair brings together the most influential collectors, gallerists, designers, curators and critics from around the world in celebration of design culture and commerce.

The annual highlight of the global design calendar returns to Basel in June with more than 50 galleries from across Europe and as far afield as Seoul, Moscow, Western Cape and Shanghai are coming together topresent exceptional contemporary, modern and historic works.

Bringing their expertise to bear on fields as diverse as Soviet Art Deco, South African neo craft, Korean new organicism and the design aesthetic of post-war North European artist colonies, the carefully selected galleries featured in Design Miami/Basel 2014 are set to revitalize our understanding of collectible design. This year's exhibits will include museum-standard works of mid-century American, Italian andScandinavian design, studio ceramics and artist jewelry, as well as cutting edgedisplays from the stars of tomorrow.

At the heart of Design Miami/ Basel 2014 is a celebration of exchanging ideas – both between disciplines and between cultures. Here we find the designer as sculptor in the work of Yonel Lebovici shown by Galerie Chastel-Maréchal and the artist as jeweler in the work of Claude Lalanne at Louisa Guinness Gallery. Exploring the aesthetic exchange between East and West, the fair looks back to orientalist French furniture of the eighteenth and nineteenth centuries at Steinitz, and forward to crossovers of contemporary design culture on display at Pearl Lam Galleries and Tomás Alonso's spectacular tea garden, installed at Victor Hunt Designart Dealer.

Design Miami/ Basel 2014 launches Design At Large, an exhibition platform that presents monumental installations that surpass the scope of the gallery booth. At each fair, a new curator will make a selection of works for the program. Selected works will be presented around the center oculus on Design Miami/ Basel's first floor.

Special Events:
Jun 16, Preview Day by invitation only: 12noon - 5pm, collector's preview

Jun 16, 5pm - 8pm | Vernissage

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  • Open:
    Tuesday, 17 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Hall 1.1, Messe, Basel
  • Web:
    Design Miami
  • Admission:
    General Admission CHF 25; Students & Senior Citizens CHF 20; Combination Ticket CHF 60
  • Transport:
    From both the SBB|SNCF and the DB|Badischer Bahnhof stations, you can take Tram No. 2 to Messeplatz. From the DB|Badischer Bahnhof station, you can also take Tram No. 6 to Messeplatz. From the SBB|SNCF station, you can take Tram No. 1 to Riehenring.
  • Photo credits:
    Courtesy of Design Miami
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Unlimited

Unlimited is Art Basel's pioneering exhibition platform for projects that transcend the limitations of a classical art-show stand. The innovative work includes out-sized sculpture and paintings, video projections, large-scale installations, and live performances. Unlimited is curated by New York-based curator Gianni Jetzer.

Special Event:

Jun 16, 4pm - 7pm | Opening by Invitation only

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  • Open:
    Thursday, 19 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Messeplatz, Basel
  • Web:
    Art Basel
  • Photo credits:
    Courtesy of Art Basel
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Zurich Contemporary Art Weekend June 14 - 15

A special weekend that sees all the galleries in town welcoming the art crowd until late. The most exciting shows of the season open on June 14th, the weekend before Art Basel.

Special Events:

June 14, 2014
Eva Presenhuber - Carroll Dunham, 5pm – 8pm, Opening
Peter Kilchmann - Erika Verzutti: Painted Ladies, 5pm – 8pm, Opening
Hauser & Wirth - Mark Bradford: My Head Became a Rock, 6pm – 8pm, Opening
Eva Presenhuber - Valentin Carron: Ciao Muddy Plain, 5pm – 8pm, Opening

June 15, 2015
Mai 36 - Thomas Ruff: New Work, 11am – 4pm, Opening

  • Artists:
    Various
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  • Open:
    Saturday, 14 June 2014
  • Close:
    Sunday, 15 June 2014
  • Address:
    Zurich, Switzerland
  • Web:
    The Zurich Galleries
  • Photo credits:
    Carroll Dunham, courtesy of Galerie Eva Presenhuber; Slavs and Tatars, courtesy of Kunsthalle Zurich; Charlotte Herzig, Mural View, 2013, acrylic paint on canvas, 150 x 120 cm, courtesy of BolteLang Galerie; Valentin Carron, Eva, courtesy of Eva Presenhuber
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Gerhard Richter

Gerhard Richter is considered to be the most important artist of our times. In the sixty years of his career, he has produced an oeuvre distinguished by the variety of its themes and styles.

The show at the Fondation Beyeler is the largest ever devoted to the artist in Switzerland, and brings together – for the first time – works created as series, cycles and rooms from every period of Richter's career. It includes figurative portraits, still lifes and landscapes, and abstract paintings in which the artist has drawn upon a changing repertoire of shapes and colors.

With 100 paintings, 60 overpainted photographs, and 2 glass objects, the exhibition conveys a comprehensive overview of the spectrum of Richter's painting, in all its dimensions and techniques.

Special event:

20 Jun, 7.30pm - 10pm | Private viewing

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  • Open:
    Sunday, 18 May 2014
  • Close:
    Sunday, 07 September 2014
  • Address:
    Fondation Beyeler, Baselstrasse 101 Riehen, Basel
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
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  • Phone:
    +41 61 645 97 00
  • Web:
    Fondation Beyeler
  • Opening hour:
    Daily 9am – 7pm (during Art Basel)
  • Admission:
    CHF 25 / reduced on Mondays (full day) and Wednesdays (after 5pm) CHF 20; groups (min 20 people) and disabled visitors with ID CHF 20 / CHF 16; students under 30 CHF 12; family pass CHF 50 / CHF 40; children 11 – 19 yrs. CHF 6; free for children under 11 yrs. and Art Club Members. PUBLIC GUIDED TOURS CHF 7 + Museum admission
  • Transport:
    Fondation Beyeler
  • Photo credits:
    1. Gerhard Richter Wald, 2005 Öl auf Leinwand, 197 cm x 132 cm The Museum of Modern Art, New York, Schenkung von Warren und Mitzi Eisenberg sowie Leonard und Susan Feinstein, 2006 © 2014 Gerhard Richter; 2. Gerhard Richter Betty, 1988 Öl auf Leinwand, 102 cm x 72 cm Saint Louis Art Museum, Funds given by Mr. and Mrs. R. Crosby Kemper Jr. through the Crosby Kemper Foundations, The Arthur and Helen Baer Charitable Foundation, Mr. and Mrs. Van-Lear Black III, Anabeth Calkins and John Weil, Mr. and Mrs. Gary Wolff, the Honorable and Mrs. Thomas F. Eagleton; Museum Purchase, Dr. and Mrs. Harold J. Joseph, and Mrs. Edward Mallinckrodt, by exchange © 2014 Gerhard Richter; 3. Gerhard Richter Ella, 2007 Öl auf Leinwand, 40 cm x 31 cm Privatsammlung © 2014 Gerhard Richter; 4. Gerhard Richter Bach (3), 1992 Öl auf Leinwand, 300 cm x 300 cm Moderna Museet, Stockholm, erworben mit einem Beitrag von Moderna Museet Vänner, 1994 © 2014 Gerhard Richter
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14 Rooms

Fondation Beyeler, Art Basel and Theater Basel join together to announce '14 Rooms', a major live-art exhibition to be staged in Basel from June 14 to 23, 2014.

Curated by Klaus Biesenbach and Hans Ulrich Obrist, the exhibition will feature performative works by 14 artists.

Curators Klaus Biesenbach, Director of MoMA PS1 and Chief Curator at Large at The Museum of Modern Art, and Hans Ulrich Obrist, Co-director of Exhibitions and Programmes and Director of International Projects at the Serpentine Gallery, have invited 14 international artists to each activate a room, exploring the relationship between space, time and physicality with an artwork whose 'material' is a human being. Giving visitors an insight into a more performative and interactive practice, visitors will encounter a new situation within each of the 14 rooms, engaging in a diverse series of immersive and intimate experiences.

Conceived specifically for Basel, Ed Atkins, Dominique Gonzalez-Foerster and Otobong Nkanga will create new works for the show. Alongside these world premieres, historical and rarely seen works by acclaimed artists from around the world will be brought to Basel.
'14 Rooms' will include Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla's 'Revolving Door' (2011), in which a group of dancers spontaneously form a line and begin to rotate around the room in a circular motion, sweeping up visitors as they move around the space.
In his exploration of social boundaries and socio-cultural inequalities, Santiago Sierra places a succession of war veterans, from varied past conflicts, standing facing one corner of a 5-5-meter room and instructed to only move from their post once solemnly replaced by another veteran mimicking the changing of the guard. Damien Hirst's largely unkown early work 'Hans, Georg' (1992), consisting of a rotating cast of identical twins sitting below two of his own identical dot paintings, will be restaged at the show. Marina Abramović's 'Luminosity' (1997) places a performer on a bicycle seat fixed onto a wall bathed in harsh light, exploring themes of loneliness and spiritual elevation.

  • Artists:
    Marina Abramović
    Allora and CalzadillaEd AtkinsDominique Gonzalez FoersterDamien HirstOtobong NkangaRoman OndákSantiago SierraXu Zhen
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  • Open:
    Saturday, 14 June 2014
  • Close:
    Sunday, 22 June 2014
  • Address:
    Hall 3 of Messe Basel, walking distance from Messeplatz.
  • Web:
    Art Basel
  • Opening hour:
    Daily 10am - 7pm; June 15, 2014, 10am - 5pm
  • Admission:
    Day Ticket (return entry): CHF 18; Reduced Day Ticket for Students/Seniors: CHF 12; Combination Ticket (available to purchase onsite only): CHF 55; Groups of 10 people or more: CHF 15 per person; Admission is free for guided school classes and for children up to 16, when accompanied by a parent. Tickets to 14 Rooms can be purchased at the show venue or through 14rooms.net starting from end of April.
  • Photo credits:
    Allora & Calzadilla, Revolving Door, 2011,Photo credit Howard Barlow; Damien Hirst, Marian and Julian, 1992, Courtesy Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2012; Marina Abramović, Luminosity, courtesy Manchester City Galleries; Roman Ondák, Swap, 2011, courtesy Manchester City Galleries; Xu Zhen, In Just the Blink of an Eye, 2005, courtesy Manchester City Galleries
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45th Art Basel: an interview with Marc Spiegler

Mara Sartore: Art Basel is today the leading fair in Europe, Americas and Asia, which are in your vision the challenges for the next future?

Marc Spiegler: The art world is changing so rapidly that like everyone we have to sprint to stay on top of what's going on with the newest art scenes, galleries and artists. What's particular to Art Basel is that we're in the middle of building a bridge that spans between the cultural scenes of East and West. It's endlessly exciting to watch what flows across that bridge.

Mara: Could you briefly tell us the main characteristics of each one of the 3 Art Basel?

Marc: What makes each show unique is the region in which they take place. In Hong Kong over 50% of our exhibitors have galleries in Asia and the Asia Pacific. In Miami Beach there is a definite American and Latin American flavor, and at our show in Basel you see a majority of the galleries coming from Europe. Each show's individuality becomes most obvious outside of the exhibition halls, as the cities also greatly influence the character of our shows. Hong Kong is a metropolis, Miami Beach has a distinctly Latin edge and Basel is very European, with its rich cultural history and tradition and with its incredible array of museums and art institutions.

Mara: In which specific area of interest you see the future development of Art Basel, to say it in a simpler way, in which direction you think you still want to grow?

Marc: We don’t have plans to establish any more Art Basel shows. Our fair focus is on really establishing the Hong Kong show as we look to its third year in March 2015. 

Mara: Could you tell us 3 things we shouldn’t miss this year at Art Basel?

Marc:

1) The Statements sector, dedicated to younger galleries, which this year moves into Hall 2 alongside the Galleries sector, giving this younger generation a more prominent placement within the show. The Lower East Side of New York and Berlin are – not surprisingly – very well-represented.

2) Unlimited is always ‘not to be missed’, and this year will feature 78 large-scale projects, including Anthony Caro’s very last sculptures ‘River Run’ (2013), Carl Andre’s 100-meter long floor work ‘Steel Peneplain’ (1982) and Hanne Darboven’s historically super-significant work ‘Kinder Dieser Welt / Children of the World’ (1990-1996).

3) ‘14 Rooms’, our collaboration with the Fondation Beyeler and Theater Basel, a perfomative exhibition two minutes from Messeplatz, right behind Unlimited. Curated by Klaus Biesenbach and Hans Ulrich Obrist. The 14 artists cover four continents and five generations: Marina Abramović, Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Ed Atkins, Dominique Gonzalez-Foerster, Damien Hirst, Joan Jonas, Laura Lima, Bruce Nauman, Otobong Nkanga, Roman Ondák, Yoko Ono, Tino Sehgal, Santiago Sierra, and Xu Zhen. Two more works join the architectural environment conceived by Herzog & de Meuron. Jordan Wolfson’s acting as an epilogue, John Baldessari’s as an archival documentation. Both challenge the very notions of live art and the human experience as set out for '14 Rooms'.

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  • Web:
    Art Basel
  • Photo credits:
    Marc Spiegler Director Courtesy Art Basel
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Matera e la Scultura Contemporanea

Tornano nei Sassi di Matera le grandi mostre di scultura organizzate dal circolo La Scaletta.

Tornano per dare un segnale di superamento della crisi e, soprattutto, per confermare la vitalità degli artisti lucani che dentro e fuori della loro terra hanno mantenuto un profondo rapporto con l'arte contemporanea. Un rapporto non marginale, ma ricco di creatività e di linguaggi assolutamente significativi. Né poteva essere diversamente in un territorio che aveva visto, tra gli altri, irrompere, negli anni '50, i fratelli Andrea e Pietro Cascella con l'arredo ceramico della chiesa di Ludovico Quaroni al borgo La Martella e la dirompente presenza nei rioni Sassi e sul prospiciente altipiano murgico delle undici grandi sculture di Pietro Consagra denominate "i ferri di Matera", oggi visibili nel parco Rossini di Monza. In quella occasione, nel 1978, Consagra con Andrea Cascella, Bonalumi, Carmi, Castellani, Dadamaino, Dorazio, Franchina, Nigro, Perilli, Pozzati, Rotella, Santomaso e Turcato, oltre Giuseppe Appella ed i soci del circolo La Scaletta, redassero e diffusero l'importante documento in difesa dell'arte e dei centri storici chiamato "la carta di Matera". 

Da quella esperienza prese corpo l'idea di creare negli antichi rioni materani un annuale appuntamento con la scultura contemporanea. Il circolo La Scaletta aveva in quegl'anni perfezionato il recupero di un singolare percorso rupestre che inglobava due chiese scavate nella roccia nell'ottavo e nel XI secolo. Fu così che nel 1987 nacque una straordinaria fusione tra la calcarenite della Madonna delle Virtù e di San Nicola dei Greci e le opere di scultura degli artisti contemporanei. 

I visitatori della prima mostra dedicata a Fausto Melotti rimasero affascinati dalla magia creata da arte e ambiente che si rincorrevano per dare ad ognuno un plus valore, in quella straordinaria cornice di sole, roccia e uomini che fanno dei Sassi di Matera un luogo magico.

Cominciò così l'avventura delle "grandi mostre nei Sassi di Matera" che hanno visto esposte le opere di grandi artisti italiani e stranieri. 

Manifestazioni di questo spessore, tra le tante ricadute culturali, sono certamente di conforto, di sprone, poi di confronto e quindi di crescita delle sensibilità artistiche presenti nel territorio, al pari delle esperienze che, in un mondo sempre più raggiungibile, gli stessi artisti possono avere.

Così è nata la ventisettesima edizione delle grandi mostre nei Sassi dedicata ad un gruppo significativo di scultori lucani, scelti dalla curatrice Beatrice Buscaroli, che si svolgerà nel tradizionale percorso rupestre dal 15 giugno al 18 ottobre 2014.

Dario Carmentano, Franco Di Pede, Donato Linzalata, Francesco Marino di Teana, Pier Francesco Mastroberti, Rocco Molinari, Giulio Orioli, Antonio Paradiso, Francesco Pesce, Donato Rizzi, Salvatore Sebaste, Margherita Serra e Lorenzo Viggiano con le loro opere confermeranno che un territorio, una città, può definirsi culturale se, oltre le opportune importazioni, produce cultura in maniera autonoma. Matera può in questo modo aggiungere un altro tassello alla costruzione della ambizione ad essere prescelta quale Capitale Europea della Cultura 2019.

Curatrice della mostra e del catalogo è Beatrice Buscaroli docente di Storia dell’arte contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Bologna, membro del Consiglio Superiore MIBAC, già commissario per la "Quadriennale di Roma" e curatore del "Padiglione Italia" alla Biennale di Venezia.

Il catalogo con le foto delle opere esposte e le biografie degli artisti è realizzato dalle prestigiose edizioni di Giuseppe Barile.

La mostra, sostenuta da Total E&P Italia in veste di Main Sponsor, è gestita dai soci del circolo La Scaletta confluiti nella impresa culturale"Cave Heritage".

Informazioni

Circolo Culturale "La Scaletta" tel. 0835.336726 - E-mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.;

www.lascaletta.net

Coop. Cave Heritage cell. 377.4448885 - E-mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Orari: 10 -20 fino al 30 settembre

Dal 1 ottobre 10-13-30; 15-18

Ingresso: 5 intero; 3,50 ridotto

Ufficio stampa:

Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499

www.studioesseci.net ; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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My Art Guide Basel 2014

I am delighted to announce the publication of the printed edition of My Art Guide Basel 2014, please check out all our distribution points in town here.

The My Art Guide Basel 2014 App is now available for iOS and Android. As you may know, the My Art Guides Apps appears as two versions: download here the free online app and / or download herethe $1.99 offline pro app that you can use while in Basel without roaming charges.

To be prepared for the super-busy calendar of events, you can visit the My Art Guide Basel 2014 website, where you will find the information constantly updated throughout the week.

As a reminder, from the June 17th we will be sending you our daily newsletter with the 4/5 top not-to-be-missed happenings of the day.

Enjoy the Art Week,

Mara Sartore

Editor-in-Chief

My Art Guides

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Uruguay

La Aldea Feliz. Episodes of modernization in Uruguay is the Uruguayan contribution to the 14th International Architecture Exhibition – la Biennale di Venezia.
In 1914, while Europe was launched into the Great War, Uruguay tried to build a modernization project willing to achieve the enlightenment values. A "dream of the reason", though sometimes full of monsters or, in any case, an only partially fulfilled dream.

If modernity is a time without gods or destiny, a gap in history that challenges and demands men to build their present and future, the history of modernization in Uruguay can be read in its more heroic side through a series of projects that in one way or another tried to make real the same freedom desires.

In the centre of this whirlwind called modernity, of the wind that can break the "angel of history´s" wings, the architects played a leading role: they occupied leadership positions in government, flooded with proposals the public administration and were involved in the springs of liberal economics. But above all, they projected on each stroke and each line, the forms and relationships of a new world that needed to be built in the shelter of Reason, Ethics and Sensitivity.

La Aldea Feliz proposes to interrogate a hundred years of modernization in Uruguay touring twenty episodes that in different forms exposes the most secret ambitions of the modern dream and also its nightmares.
The Curatorial project can be summarized in two operations: first, the construction of a historical-critical hypothesis and its deployment through the set of episodes that shape the catalogue. Secondly, the installation of an exhibition capable of offering the visitor an experience coherent with the previous point.

The exhibition is conceived as a sort of archive deployed in the pavilion space, an accumulation of materials ranging from raw documents (plans, models, drawings) to the historiographical interpretation. A document repository that invites contemporary "flaneurs" of the globalized era to tour a hundred years of a mundane story.

Curatorial team: Emilio Nisivoccia, Martín Craciun, Jorge Gambini, Santiago Medero, Mary Méndez, Jorge Nudelman

Commissioner: Daniela Freiberg

Collaborators:

Jorge Francisco Liernur, Patricio del Real, Lucio de Souza, Lorena Logiuratto, Jorge Sierra, Leandro Villalba, Nicolás Rudolph (guest redactors).

Martín Cajade – oficina 206u / María Camila Castellano – Jimena Germil – María Victoria López – Ana Rodriguez Serpa (rendering and modelling).

Laura Nozar (image and design interactive app).
SUBITO, Jmac Garín (José Ramón García Inchorbe) (programming, tech support).
LabFab MVD, Marcelo Payssé, Paulo Pereyra, Lucia Meirelles, Juan Pablo Portillo (architecture models).

Monocromo (catalogue design).

Mónica Santana, Patricia Antuña, Laura Rajchman, 4d Content english, Nicolás Rudolph, Daniela Freiberg, Nicholas Sibille (translations)

Carolina Giraldi (modelling assistance).
Mariana Díaz (general assistance).

Supporters:

School of Architecture - University of the Republic
Education and Culture Ministry
Ministry of Foreign Affairs

Uruguay Embassy in Italy

Special Event:

6 Jun, 4.45pm | Opening

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Mail:
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    ; Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +598 2400 1106
  • Web:
    La Aldea Feliz
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Mon
  • Admission:
    Biennale Ticket
  • Transport:
    Giardini stop
  • Photo credits:
    Caption video #1, #2, #3. Courtesy of the Curatorial team
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Great Britain

The British Council will present the exhibition ‘A Clockwork Jerusalem’ in the British Pavilion at the 14th International Architecture Exhibition – Venice Biennale.

The Project will explore the diverse cultural influences that shaped and were shaped by British Modernism in the post war era and over the last 100 years.

A Clockwork Jerusalem’s curatorial team, comprising FAT Architecture and Crimson Architectural Historians, has outlined their plans: "A Clockwork Jerusalem explores how a specifically British form of Modernism emerged from a modernity that combined traditions of the romantic, sublime and pastoral with a fascination and fear of the industrial, technology and science fiction to create new visions of society.

Taking the large scale projects of the 50’s, 60’s and 70’s as a point of departure, the exhibition explores the mature flowering of British Modernism, the moment it was at its most socially, politically and architecturally ambitious but also the moment that witnessed its collapse.

The exhibition tells the story of how British modernity emerged out of an unlikely combination of interests and how these modern visions continue to create our physical and imaginative landscapes. From Stonehenge to council estates, from Ebenezer Howard to Cliff Richard, from ruins and destruction to back-to-the-land rural fantasies, through architecture, records, books and adverts, A Clockwork Jerusalem explores the culture and products of British modernity as an architectural project and as a wider cultural experience."

To coincide with what will be the longest running International Architecture Exhibition to date in Venice, the British Council has launched its Venice Fellowships Programme in partnership with 15 architecture schools and arts institutions from the UK and beyond. The programme offers 50 students a unique one month work-study opportunity during the Biennale.

Founded by Sam Jacob, Sean Griffiths and Charles Holland in London, FAT Architecture was conceived to develop architectural culture through design, research and teaching. FAT's work has been characterised by a highly conceptual approach, combining the practical demands of architecture with critical and provocative thinking.

Crimson Architectural Historians is a Rotterdam-based practice that functions as a hybrid planning, design and research facility. Since contributing to the planning for the extension of the railway and neighbourhood in Utrecht’s Leidse Rijn, the office has been involved in the production of numerous books and papers on urban planning.

Special Events:

Thursday, June 5, 10:30am | Press Talk and Tour
Thursday June 5, 4pm | Official Opening ceremony
Friday, June 6, 12pm – 1pm | Talk: A Clockwork Jerusalem
Friday June 6, 3pm – 4pm | Talk: Is there such as thing as National Architecture?

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Web:
    British Council - Venice Biennale
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Photo credits:
    1. Kevin Cummins: Princess Parkway, Hulme, Manchester, 06 January 1979; 2. Kevin Cummins: Joy Division, Hulme, Manchester, 06 January 1979. Courtesy of the British Council
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Chile

Isolated in upright position, a large-concrete panel stands on the center of theChilean Pavilion at the 2014 Venice International Architecture Exhibition. This was one of the first ever produced by the Chilean KPD plant—an industry to produce prefabricated housing donated in 1972 by the Soviet Union to the Chilean road to socialism led by president Salvador Allende.

Monolith Controversies is a work by Pedro Alonso and Hugo Palmarola based in a research project documenting the 153 housing blocks built in Chile by the KPD plant, as well as the technical, typological and conceptual reconstruction of twenty-eight large-concrete panel systems developed and disseminated worldwide between 1931 and 1981.

This piece of concrete represents a relatively marginal tradition in the historiographies of modern architecture despite the fact that more than 170 million large-concrete panel apartments were built worldwide during the second half of the twentieth century. Thus the panel becomes fundamental symbol to the absorption of modernity proposed as the concept for the 2014 Venice International Architecture Exhibition.

The Chilean Pavilion at the 14th International Architecture Exhibition is the result of collaboration between the curators and a team composed by Gonzalo Puga, José Hernández, Felipe Aravena, Micol Riva and Martín Bravo, with the participation of Gianfranco Foschino as invited artist.

Commissioner: Cristóbal Molina (National Council of Culture and the Arts of Chile)

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Arsenale, Castello, 30122 Venezia
  • Web:
    Monolith Controversies
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Ticket
  • Photo credits:
    1. A window panel is the protagonist of a ceremony at the KPD factory, Quilpué, photo by Nolberto Salinas González (1974); 2. Allende signing a panel, photo by Nolberto Salinas González (1972-1974); 3. Commemorative KPD panel standing at the entrance of the plant, photo published in Jimena; Staggered axonometric drawing of Chilean KPD System (1972-1975), credits Pedro Alonso and Hugo Palmarola
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Belgium

The concept of the interior is fundamental in architectural design. Behind the permanence of buildings’ façades, all sorts of transformations, adjustments and modifications are carried out.

From this perspective, a study of our interiors provides valuable information about the new challenges to which architectural practice must rise. Obliging us to counter the notion of modernity as an all-consuming phenomenon, it reveals a vernacular architecture in which modernity itself is being consumed and absorbed.

Focusing on the home, Interiors. Notes and Figures records and analyzes the domestic landscapes that result from this process of transformation. The curatorial team spent five months taking thousands of photographs of home interiors throughout Belgium. The study attempts to devise a vocabulary and to reveal the attitudes that, beyond pure form, define a culture that is specific to these transformations.

An interpretation of the research findings will be presented inside the Belgian Pavilion and the photos, notes and figures have been collated in a catalogue, resembling a manual, that will be published at the opening of the pavilion.

Commissioners: Sébastien Martinez Barat, Bernard Dubois, Sarah Levy, Judith Wielander.

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Ticket
  • Photo credits:
    1. Habay-la-Vieille, 1930, semi-detached house, owner; 2. Habay-la-Vieille, 1971, attached house, tenant. Photo by Maxime Delvaux
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Turkey

This year, Istanbul Foundation for Culture and Arts (IKSV) commissioned the first National Pavilion of Turkey at Venice Architecture Biennale, choosing Murat Tabanlıoğlu as Curator, whose Project will be titled ‘Places of Memory’.

Departing from three areas of Istanbul, Taksim-Salıpazarı, Bâb-ı Âli and Büyükdere Boulevard, places that acted as thresholds during different stages of the curator’s life, the project will focus on the concept of place itself, incorporated with the subjective vision of the exhibitors in the team, Ali Taptık, Alper Derinboğaz, Candaş Şişman, Metehan Özcan and Serkan Taycan.

Murat Tabanlıoğlu explained the conceptual framework of the project : “Rather than conducting a historical account of modern epoch in Turkey, presenting an exhaustive catalogue, or trying to capture its unique local attributes, ‘Places of Memory’attempts to explore the main theme of the biennial via perceptions and experiences.

The project idea departs from three areas of Istanbul: the first comprises Taksim, where I was born and grew up. Taksim is also an important square, with a constantly changing appearance because of partial and inconsistent interventions. The Atatürk Cultural Center, situated on the narrower end of the square, is a symbol of modern architecture in Turkey. My father, Hayati Tabanlıoğlu, was the architect. This first area spreads out across a wider zone, and continues downhill from the square to the coast, passes along the warehouses designed by Sedad Hakkı Eldem, an important representative of 20th century architecture in Turkey, reaching Salıpazarı harbor. Like many other areas in Istanbul, this area, too, is undergoing transformation. The GalataPort project (a master plan proposal, 2001) developed by Tabanlıoğlu Architects for the area and the Istanbul Museum of Modern Art, which we transformed from a warehouse into a museum (2004), were among projects that triggered change in this area.

The second area is Bâb-ı Âli, where I spent my youth. Starting in Sirkeci, the area used to host the headquarters of important newspapers and printing houses in Turkey along two sides of the Cağaloğlu slope. I used to pass through this world every day since I studied in a high school in the same area.

The final one is Büyükdere Boulevard and its environs. This area, once lined with fields and orchards, later with light industry buildings, today is in juxtaposition with the Central Business District, featuring high-rise buildings especially between Levent-Maslak axes that connect main transportation routes of the city.

We chose not to write in advance the story that might emerge from this project. We will see the outcome together. This is a conscious decision that keeps us on edge, but one that also holds potentials.”

A series of panels will be held in the 14th International Architecture Exhibition of la Biennale di Venezia with the participant countries. Turkey will participate to this panel with a large international student workshop. Murat Tabanlıoğlu is getting organised for the programme with graduate students who are enrolled to his studio in the 2014 spring semester at Istanbul Bilgi University Architectural Design Department. A group of students from Politecnico di Milano and students from various architecture schools in Turkey will participate to the workshop programme that includes an exhibition and discussion of student works in Venice during the biennial.

A book, designed by Aslı Altay (Future Anecdotes Istanbul) is prepared to accompany the project based on interviews with Murat Tabanlıoğlu, Pelin Derviş (Project Coordinatorr), Ali Taptık, Alper Derinboğaz, Candaş Şişman, Metehan Özcan andSerkan Taycan, conducted by Luca Molinari, the curator of the Italian Pavilion at the 12th International Architecture Exhibition of la Biennale di Venezia in 2010.

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Sale d'Armi Nord, Arsenale, Castello, 30122, Venezia
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    212 334 08 43
  • Web:
    Pavilion of Turkey
  • Photo credits:
    1. View from the observation deck of Sapphire, Levent, Istanbul, 2014, photo by Ali Taptik, courtesy of the artist; 2. Notes on ‘Places of Memory’, 2014, photo by Ali Taptik, courtesy of the artist; 3. Murat Tabanlıoğlu, Curator. Courtesy of IKSV
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Israel

Urburb, a neologism referring to the contemporary mesh of urban and suburban sprawl, is the end result of one hundred years of modernist planning in Israel. The urburb is a fragmented mosaic composed of early twentieth century garden-city, agrarian settlements, mid-century social housing, and the generic residential typologies of the past two decades.

This hybrid manifests the conflicting demands of the modernist machine functioning in the old-new land: to create small egalitarian communities while accommodating large and diverse population, to spread-out while closing-in, and to reconnect to the land but to do so through a top-down planning system that treats the surface as a clean sheet of paper.

This top-down approach is emblematic not only of the Zionist ideal of centralized planning, but also of the modernist desire to constantly reshape and reinvent the present. The Urburb is more than an architectural phenomenon, it is a state of mind and a form of life. Today, in the wake of one hundred years of modernism, it is time to explore its dynamics and understand the life it has fostered.

The installation explores these themes this not only through the data displayed but also through its performative affect. The visitor enters a modernist construction site, filled with automatic machines that sketch on sand, erase, and sketch again. Each scenario takes about three to five minutes, and every printer presents a few scenarios grouped under one theme—overplanning, evolution of buildings, pattern language, and erase and print dynamics.

Participants: Ori Scialom, Roy Brand, Keren Yeala Golan
Commissioner: Michal Gov, Arad Turgeman.
Curators: Ori Scialom, Roy Brand, Keren Yeala Golan.
Deputy Curator: Edith Kofsky

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  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Ticket
  • Transport:
    Giardini stop
  • Photo credits:
    Courtesy of the Curatorial Team
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Netherlands

The Dutch contribution to la Biennale Architettura 2014 is "Open: A Bakema Celebration", a critical rethinking of the idea of the open society through the work ofJaap Bakema. Bakema was a leading voice in the post-war avant-gardes of 20th-century architecture: CIAM and its successor Team 10.
The shifting roles of the state and the market, the architect and the individual citizen are scrutinised in an installation that utilises a multiplicity of media: models, historical correspondence, photography, drawings, TV material and films as well as the 'Post Box for the Open Society', an online platform for architects and designers to share new ideas for the open society.

Jaap Bakema was a partner in the Rotterdam office Van den Broek, he and his team were responsible for some of the most monumental proposals for the Dutch welfare state, such as the famed design for a new-town extension of Amsterdam called Plan for Pampus (1964). Together with Aldo van Eyck and Herman Hertzberger he was a member of the now- famous editorial board of the Dutch journal Forum in the years 1959–1963, which sought to renew modern architecture by pioneering the interrelations of architecture, planning, the arts, history and the social sciences.
The archive of Van den Broek en Bakema is housed in the collection of Het Nieuwe Instituut, one of the world's largest architecture collections.

Open: A Bakema Celebration constitutes one of the first activities of the Jaap Bakema Study Centre, founded in October 2013 by Het Nieuwe Instituut and Delft University of Technology. Its research programme consists of, among others, a broadly conceived study of the history and contemporary relevance of structuralism in architecture in relation to systems theory and the social sciences.

Curators: Guus Beumer and Dirk van den Heuvel

Partners: Ministry of Education, Culture and Science, Embassy of the Kingdom of The Netherlands in Italy, Delft University of Technology, Foundation Rietveld Pavilion Venice, ArchiNed, Volume

Special Events:

5 - 6 Jun | Press preview

6 Jun, 6pm | Opening

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +31 104 401 200
  • Web:
    Open: A Bakema Celebration
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Mon
  • Transport:
    Giardini stop
  • Photo credits:
    1. Elements, 2003 – 2014, Johannes Schwartz; 2. Photo of the model for the Town Hall in Marl Germany, 1957, collection Het Nieuwe Instituut, BAKE ph22, Van den Broek en Bakema Architects; 3. Town Hall Marl, 2014, photographer Johannes Schwartz, architecture Van den Broek en Bakema Architects; 4. Pampus Extension Plan, Amsterdam, 1964, collectie Het Nieuwe Instituut, BROX 1411t5-2, Van den Broek en Bakema Architects; 5. Housing scheme Lekkumerend in Leeuwarden The Netherlands, 1962, collection Het Nieuwe Instituut, BROX_1337t339- 1, Van den Broek en Bakema Architects; 6. Hansaviertel Tower Block, Berlin, 2014, photographer Johannes Schwartz, architecture Van den Broek en Bakema Architects. Courtesy of Het Nieuwe Instituut
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Luxembourg

‘Modernity - loved, hated or ignored?’ is the title of the exhibition curated by Stéphane Laruade, Bohumil Kostohryz, Sophie Langevin, Nuno Lucas Da Costa and organized by Fondation de L’Architecture et de l’Ingénierie au Luxembourg for theLuxembourg national Participation at 2014 Venice Biennale.

In the curators’ statement it can be read: “How has modernity come to dominate everyday experience? How do we view the buildings that we pass every day? Do we reject them or embrace them? Or are we merely indifferent to them?

Like special agent Dale Cooper arriving in unknown territory in the small border town of Twin Peaks in the famous TV series by David Lynch, Jane Doe arrives in Luxembourg, where five investigations await her. Each investigation has the same goal, that of retracing the meandering path followed by human beings in their insatiable quest for modernity. This journey through space and time is an encounter with progress and resistance, openness and withdrawal.

In contrast with contemporary amnesia, the goal is to resurrect events that formed the memory of a place by means of press reports, personal accounts and documents retrieved from archives. The pieces of evidence gathered in the course of the investigation combine to form parallel stories which are ultimately combined to form a huge puzzle.”

The exhibition will be hosted in the spaces of the Palace Ca’ del Duca, Corte del Duca Sforza, San Marco 3052.

Vernissage June 6th, 7pm.

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Ca’ del Duca, Corte del Duca Sforza, San Marco 3052, 30121 Venice
  • Web:
    Modernity-Loved, Hated or Ignored?
  • Opening hour:
    11am - 7pm
  • Closing day:
    Tuesday
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Cyprus

Anatomy of the Wallpaper undertakes to present a creative and a retrospective reconstruction of the island’s history, and specifically of its capital, Nicosia.

Due to Cyprus’s strategic location, the island has suffered throughout its history from invaders, conquerors and colonial powers, who all left their marks indelibly on the island, and predominantly on the form and the structure of its settlements. Nicosia constitutes a city of innumerable historical, social and cultural layers. It has been constructed in the same way as history, persistently by the 'victors', and according to the victor's history. Those, who control the physical space, always control the cultural space.

The story of the city is presented in the form of an allegory. In such a literary device, there is an immense power to illustrate multifaceted ideas and concepts, in such ways, that are easily accessible and tangible to its viewers.

The Wallpaper constitutes an illustration over an immaterial and intangible element. With the passage of time, new physical layers are inserted on the Wallpaper, thus, from its earliest form, being immaterialized and intangible, it is transfigured afterwards, into a physical barrier. It encom-passes thickness, then is formatted into a Wall, and then into a Space. Part of the Wallpaper will be exposed at the exhibition space, in a one to one scale, in its crucial form, whilst it is decorticating, and allowing the viewer to reveal different stories of time.

Commissioner: Petros Dymiotis - Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of the Republic of Cyprus
Curators: Michael Hadjistyllis, Stefanos Roimpas

Official Opening: June 5th, 7pm

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Palazzo Malipiero, (2nd Floor), San Marco 3198 (Campo San Samuele)
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Web:
    Anatomy of the Wall_Paper
  • Opening hour:
    10am - 6pm
  • Closing day:
    Monday
  • Admission:
    Free
  • Transport:
    San Samuele stop
  • Photo credits:
    Michael Hadjistyllis, Stefanos Roimpas: Anatomy of the Wallpaper, 2014 / the Wallpaper
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New Zealand

New Zealand’s inaugural national entry into the Venice Biennale is in the hands of a team led by one of the country’s most experienced and respected architects: David Mitchell, a recipient of the New Zealand Institute of Architects Gold Medal for career achievement, won the NZIA-organized competition to find a Creative Director for the New Zealand Exhibition in the 2014 Biennale (7 June - 23 November).

In responding to Rem Koolhaas’ theme, ‘Absorbing Modernity: 1914-2014’, participants in the 14th Venice Architecture Biennale were asked to consider what has been lost – “the erasure of national characteristics” – and what may still be found – “the survival of unique national features and mentalities”. Is difference possible in the age of globalisation?

According to John Walsh, communications director of the New Zealand Institute of Architects, “the theme is intended to provoke. But also making a stand against the conceptual vagueness of recent Venice Architectural Biennales in which themes have encouraged elastic interpretation rather than precise address. Koolhaas wants this year’s Biennale to deal with the relationship between modernity and national styles of architecture. Is modernity incompatible with national styles or the preservation of national architectural traditions? Is modernity synonymous with homogeneity? In a time of globalization, is the where of architecture increasingly irrelevant?"

"Among New Zealand architects, David Mitchell is ideally placed to reply to these questions. After all, in the course of a long career he has himself absorbed a fair amount of modernity. His career started not long after that moment in New Zealand architecture when modernity was self-consciously indigenized by the Group, and like many intelligent architects in outlier countries he has been acutely aware of both international developments and local practice realities, and the inevitable negotiation between these two poles. In short, the focus of this year’s Biennale seems to be entirely congruent with Mitchell’s career-long concerns."
The design of the New Zealand exhibition, which Mitchell, after Rudyard Kipling, has titled 'Last, Loneliest, Loveliest', will be consistent with its content. The focus of the exhibition, which will occupy the ground floor of the centrally located Palazzo Pisani Santa Marina is a lightweight structure, the sides of which will be imprinted with images and drawings of New Zealand buildings.

The exhibition proposes that a great unsung Pacific architecture continues in New Zealand, both in the buildings of the Māori, who reached New Zealand 800 years ago, and also in buildings designed under the influence of modernity.

David Mitchell stated: “in New Zealand the architectural history of the past hundred years reveals both the influence of dominant international styles and of the architectural traditions of the Pacific. The Pacific gene in our architecture is what makes it different. It survived colonialism and it is increasingly distinctive. In contrast to European architecture, grounded in mass and solidity, Pacific architecture is a lightweight architecture of posts and beams and panels and big roofs.”

Drawing on David Mitchell’s 40 years of practice, and decades of research into Pacific architecture, ‘Last, Loneliest, Loveliest’ is an argument for a Pacific point of difference. In New Zealand, the architectural history of the past hundred years reveals the influence of international styles, the survival of Pacific building traditions and, in buildings such as the Auckland Art Gallery (2012), the emergence of a cross-over architecture – a particular mutation of modernity.

Special Event:

4 Jun, 6pm - 8pm | Commissioner cocktail party

5 Jun, 5.45pm | Opening

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Palazzo Pisani S. Marina  Cannaregio, 6103/A, 30121 Venezia
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    021 276 7447
  • Web:
    New Zealand Institute of Architects - Venice Biennale
  • Photo credits:
    1. Auckland War Memorial Museum, designed by Grierson, Aimer & Draffin, 1929, photographer unknown, image courtesy of Auckland War Memorial Museum – Tāmaki Paenga Hira (reference: Draffin Album 458(2) n28); 2. The extension to Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, designed by Francis-Jones Morehen Thorp in association with Archimedia, 2012, photo by Patrick Reynolds © Patrick Reynolds; 3. The Transitional (‘Cardboard’) Cathedral, Shigeru Ban Architects, 2013, Christchurch, photo by Patrick Reynolds © Patrick Reynolds.
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Switzerland

‘Lucius Burckhardt and Cedric Price – A stroll through a fun palace’ is a multi-faceted project by Hans Ulrich Obrist to be presented by the Swiss Arts Council Pro Helvetia at the Swiss Pavilion in the Giardini from 7 June to 23 November 2014 for the Venice Biennale.

The exhibition will revisit the recent past of architecture and reflecting on its future in the 21st century, through retrospectives of Lucius Burckhardt (1925–2003) andCedric Price (1934–2003), two of the most visionary thinkers of the 20th century, who redefined architecture as revolving around people, space and performance.

As Hans Ulrich Obrist stated, “we often invent the future with elements from the past. Lucius Burckhardt and Cedric Price were two great visionaries whose work resonates and inspires new generations in the 21st century. At the core of both their work is a practice of drawing. At the centre of the project will be the archives of drawings of Cedric and Lucius, of which different aspects will be revealed throughout the Biennale. ‘A stroll through a fun palace’ in collaboration with architects and artists will present a laboratory where the ideas of Cedric and Lucius can be toolboxes to invent the future.”

Lucius Burckhardt was a Swiss political economist, sociologist, art historian and planning theorist, known as founding father of ‘strollology’ – his science of the walk. He pioneered an interdisciplinary analysis of man-made environments, discussing both the visible and invisible aspects of our cities, landscapes, political processes and social relations, as well as the long-term effects of design and planning decisions.

Cedric Price was guided by a fundamental belief that architecture must ‘enable people to think the unthinkable’. His project Fun Palace (1960–61), conceived as a ‘laboratory of fun’ and ‘university of the streets’, though never realised, established him as one of the UK’s most innovative and thought-provoking architects.

Both Burckhardt and Price critiqued the traditional tertiary education system and were interested in rethinking the basic concept of a university. Following their revolutionary teaching methods, Obrist's ‘A stroll through a fun palace’ radically re-approaches the idea of the national pavilion, reconceiving it as a site for cross-disciplinary, interactive, international engagement. Acknowledging that it is not possible to present the complex practices of Burckhardt and Price through a static display of drawings, the exhibition aims for visitors to encounter the architects’ archives performatively.

The display on Lucius Burckhardt is co-curated by architects Herzog & de Meuron, in collaboration with the Lucius & Annemarie Burckhardt Foundation and Martin Schmitz Verlag, whilst the temporary archive of Cedric Price is co-curated by Mirko Zardini, director of the Canadian Centre for Architecture (CCA). To present the temporary archives, Herzog & de Meuron have devised a site-specific system located in the graphic room of the Swiss Pavilion, aiming to create a new system of knowledge and ideas. Visible through the glass walls but not accessible to the public, it is to be conceived as an object on display.

The space will be programmed according to a time-based dramaturgy, creating a changing mise-en-scène and an exhibition in constant motion. As the invention of new institutional forms was essential to Price and Burckhardt, the exhibition will also theoretically reflect on this endeavor. The opening days will feature a series of discussions on architecture, landscape design and modes of display. Several times a day Dorothea von Hantelmann will present vignettes on the past, present and future function of art institutions. The exhibition will also include contributions byDominique Gonzalez-Foerster, Philippe Parreno, Asad Raza and Tino Sehgal, whilst other contemporary artists and architects, such as Dan Graham, Liam Gillick and Koo Jeong-a, will present their homages to Burckhardt and Price.

Following Burckhardt’s and Price’s critique of the traditional university system, ‘A stroll through a fun palace’ will function as an architectural school under the leadership of Italian architect Stefano Boeri with Lorenza Baroncelli and Pierpaolo Tamburelli. It will welcome and connect students in a worldwide network of thinkers, schools and researchers, enabling them to reflect on how the contemporary landscape is changing. This network will produce a digital daily and a weekly print magazine titled The Tomorrow.

Atelier Bow-Wow will turn the courtyard of the Swiss Pavilion into a contemporary learning space inspired by the flexibility and innovation of Price’s airy structures, in which mobile furniture units will enable students and visitors to turn the space into an auditorium, library or studio as directed by their needs. Students are encouraged to consider the future of architecture through an engagement with Burckhardt's and Price's works and to question the current infrastructures for the production of knowledge within architectural institutions.

Special Event:

6 Jun, 5.30pm | Opening

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Phone:
    +41 44 267 71 71
  • Web:
    Swiss Pavilion
  • Photo credits:
    1. Lucius Burckhardt: Das Zebra streifen, 1993, photo by Angela Siever; 2. Cedric Price: Fun Palace Interior perspective, 1964, Cedric Price fonds, Canadian Centre for Architecture (Montréal). Courtesy of Swiss Arts Council
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Phyllis Lambert Golden Lion for Lifetime Achievement

Phyllis Lambert has been chosen to be the recipient of the Golden Lion for Lifetime Achievement of the 14th International Architecture Exhibition Fundamentals.

"Not as an architect, but as a client and custodian, Phyllis Lambert has made a huge contribution to architecture. Without her participation, one of the few realizations in the 20th century of perfection on earth – the Seagram Building in New York – would not have happened. Her creation of the Canadian Centre for Architecture in Montreal combines rare vision with rare generosity to preserve crucial episodes of architecture's heritage and to study them under ideal conditions. Architects make architecture; Phyllis Lambert made architects...". With these words Paolo Baratta, chair of the Venice Biennale Board, and Rem Koolhaas, director of the Architecture Biennale, explained their decision.

The Golden Lion will be officially awarded to Phyllis Lambert on Saturday June 7th, 2014 in the Giardini of la Biennale, during the opening and award ceremony of the 14th International Architecture Exhibition.

Phyllis Lambert, architect, author, lecturer, scholar, curator, conservationist, citizen activist and critic of architecture and urbanism, is Founding Director Emeritus of the Canadian Centre for Architecture (CCA), Montréal. She is recognized internationally for her continuing contribution in advancing contemporary architecture, and for her concern for the social issues of urban conservation and the role of architecture in the public realm.

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Saturday, 07 June 2014
  • Address:
    Giardini, Castello, 30122 Venezia
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +39 041 521 8711
  • Web:
    La Biennale di Venezia
  • Opening hour:
    11am
  • Transport:
    Giardini stop
  • Photo credits:
    Courtesy of Venice Biennal
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Biennale di Antiquariato di Roma, presentazione

Doge srl 

è lieta di invitarla alla 

Presentazione della prossima edizione della 

Biennale di Antiquariato di Roma

Giovedì 19 giugno 2014, ore 11

ROMA, Associazione della Stampa Estera in Italia

Sala Conferenze 

Via dell'Umiltà, 83/C - Roma

Roma torna ad ospitare la Biennale Internazionale di Antiquariato, in programma dall’1 al 6 ottobre 2014, fiore all’occhiello delle iniziative culturali nel calendario di Palazzo Venezia.

La nuova edizione, che promette di essere la migliore delle otto sinora organizzate, porterà nella Capitale una selezione dei migliori antiquari provenienti da tutto il mondo e, ne siamo certi, attirerà un pubblico attento e di livello, capace di apprezzare la vera qualità, la rarità e la raffinatezza degli oggetti e delle opere esposte.

Collezionisti, direttori di musei, buyer nazionali ed internazionali già in passato hanno considerato la Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma una tappa obbligatoria, contribuendo così ad accrescere il successo della mostra, e molti di essi hanno già dimostrato interesse per l’edizione 2014.

L’organizzazione della mostra, l’Associazione per Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma in stretta collaborazione con la Soprintendenza per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della Città di Roma, hanno scelto nuovamente la splendida cornice di Palazzo Venezia per la preziosità dei suoi interni ricchi di opere di inestimabile valore storico ed artistico e per la possibilità di contribuire al loro mantenimento.

Grazie ai ricavi della manifestazione ed al contributo degli espositori, infatti, anche quest’anno la Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma si impegnerà nel recupero e nel restauro di una delle opere conservate a Palazzo Venezia: un olio su tavola del Giovan Francesco Maineri raffigurante Il Compianto di Cristo Morto e Donatori, restituendole la giusta visibilità ed il giusto prestigio nel panorama artistico mondiale.

Ufficio stampa: Studio ESSECI | t. 049 663499 | Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.studioesseci.net

Coordinamento Media e Comunicazione: Anna Casasola | t. 328 8243460 | Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

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A Pordenone Pierpaolo Mittica: Racconti di un fotoreporter

Ulteriori informazioni ed immagini: www.studioesseci.net

Comunicato Stampa

Mittica nelle sue immagini non fa sconti. Racconta quanto di assurdo e di terribile l’uomo fa contro se stesso. In luoghi che per molti sono sinonimo di disastri non casuali, di guerre, nuove schiavitù e di abbruttimento; e che per altri non sono altro che usuali condizioni di esistenza, o meglio di tragica sopravvivenza.

Per questo la dura, emozionante mostra di 150 sue immagini che la pordenonese Galleria comunale Harry Bertoia propone da settembre 2014 al gennaio 2015, è di quelle che è necessario vedere. Non per osservare una altra faccia del mondo ma per essere coscienti che quello è esattamente il nostro mondo, perché quelle immagini raccontano ciò che anche a noi consente di godere uno status di privilegiati, anche in un momento storico che viviamo come difficile.

La mostra si intitola Ashes / Ceneri. Un titolo che certo fa riferimento ai devastanti effetti sociali e/o ecologici causati dallo sfruttamento degli uomini e dell’ambiente in varie parti del mondo. Ma, in positivo, indica l’urgenza di una svolta epocale e di una rinascita, proprio a partire dalla conoscenza di ciò che, anche negli ultimi decenni, è stato provocato da ciniche scelte politiche ed economiche. 

Pierpaolo Mittica è un fotografo particolarmente attento alle tematiche sociali e ambientali. Si è occupato soprattutto degli oppressi, degli ultimi e delle persone che non hanno diritto di parola nei luoghi più difficili del terzo mondo. E, negli ultimi anni, ha iniziato a indagare sui più gravi disastri ecologici che hanno afflitto l’umanità e distrutto l’ambiente. 

Per questa mostra, promossa ed organizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Pordenone, Mittica ha scelto di documentare 10 ordinarie emergenze: Balcani: dalla Bosnia al Kosovo, 1997-1999, Incredibile India, 2002-2005; Chernobyl l’eredità nascosta 2002-2007; Vite riciclate, 2007-2008; Kawah Ijen – Inferno, 2009; Piccoli schiavi, 2010; Fukushima No-Go Zone, 2011-2012; Karabash, Russia, 2013; Mayak 57, Russia 2013; Magnitogorsk, Russia 2013. Dieci indagini che rappresentano altrettanti violenti squarci di realtà, notissime o quasi sconosciute, dove la sofferenza, l’abbruttimento, la violenza sono regolare, accettata quotidianità. Dieci storie di contasti emozionali, di mondi dove “l’altro mondo”, quello dei ricchi, fa comunque capolino in un cartellone pubblicitario, in un marchio che propaga lontani status symbol. Luoghi, o meglio “non luoghi”, fatti di violenze, dove il sorriso di un bimbo dal davanzale di un tugurio sembra comunque esprimere speranza. O forse solo temporanea illusione.

Mittica viene definito come “fotografo umanista”, dove l’aggettivo si presta a interpretazioni affatto diverse. E’ pordenonese (qui è nato nel 1971) e qui, al CRAF ha ricevuto la sua preparazione scolastica proseguita con docenti come Charles - Henri Favrod, Naomi Rosenblum e Walter Rosenblum, che egli considera il suo mentore. Ma egli è ormai cittadino del mondo. 

Le sue fotografie sono state esposte in Europa, negli Stati Uniti e nel 2011 alla Biennale di Venezia; pubblicate da quotidiani e riviste italiani e stranieri, tra cui l’Espresso, Alias del Manifesto, Vogue Italia, Repubblica, Panorama, il Sole 24 ore, Photomagazine, Daylight Magazine, Japan Days International, Asahi Shinbum, The Telegraph, The Guardian. La mostra Chernobyl l’eredità nascosta è stata scelta nel 2006 dal Chernobyl National Museum di Kiev in Ucraina come mostra ufficiale per il ventennale del disastro di Chernobyl. L’elenco dei riconoscimenti che gli sono stati assegnati è lunghissimo e di assoluto prestigio, alle sue opere sono state dedicate monografie edite da editori specializzati di diversi Paese, così come le sue immagini sono patrimonio di grandi musei e collezioni internazionali.

Mittica si potrebbe correttamente definire come un fotografo “arrivato”. Ma, da grande reporter, egli è sempre in partenza. Per luoghi del pianeta in cui si consumino violenze, contro l’uomo o contro la Terra, che alla fin fine sono la medesima cosa.

“PIERPAOLO MITTICA. ASHES / CENERI. Racconti di un fotoreporter”. 

Pordenone, Galleria Harry Bertoia, Corso Vittorio Emanuele II, 60, - 13 settembre 2014 – 11 gennaio 2015. Mostra promossa dal Comune di Pordenone, Assessorato alla Cultura

con il Patrocinio del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia,

in collaborazione con Graphistudio, Coop Consumatori Nordest, Associazione Amici della Cultura, Associazione Culturale Thesis, 

con il sostegno di Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, Fondazione C.R.U.P., 

con il contributo di Friuladria Credit 

cura di Angelo Bertani

Catalogo edito da comune di Pordenone

con un intervento di Luis Sepulveda e testi critici di Naomi Rosenblum e di Charles-Henri Favrod. 

Orario di apertura:

martedi' > sabato 15.30 > 19.30

domenica 10.00 > 13.00 - 15.30 > 19.30

chiuso: i lunedì, 1 novembre, 25 dicembre e 1 gennaio 2014

Ingresso: intero € 3,00 – ridotto € 1,00 

Informazioni per il pubblico: UFFICIO CULTURA Tel: +39-0434-392916

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Sito: www.artemodernapordenone.it

Ufficio Stampa nazionale: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499, Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. www.studioesseci.net

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M9/Transforming the city

This year, as construction works commence, Fondazione di Venezia discloses the executive project that comprises an area of 9,200 m2 in Venezia Mestre.

M9 comprises a heterogeneous cluster of buildings: the newly built museum, a restored former convent from the sixteenth century and a renovated 1960s office building. The museum, the first in Europe entirely devoted to the history and culture of the Twentieth Century, consists of a main volume together with a smaller service and administration building. The buildings are carefully harmonised with their environment in scale, proportion, materiality and colour, such that they blend with the fabric of the city. Chromatic coherence is offered by the ceramic façade cladding whose polychromy is drawn from historical plasterwork in the surroundings. Between the two main buildings, a plaza creates a common focus that invites pedestrians into a new route through the fabric of the city.

The main building houses the public functions of the Museum – the permanent exhibition about the history in the Twentieth Century, a gallery for temporary exhibitions, educational spaces, a media library, a lecture theatre, a café, bookshop and the foyer.

Fondazione di Venezia intends to create a narrative and interactive museum, a continually changing institution that will be dedicated to physical and virtual visitors as active protagonists of the museum, thanks to multi-sensory equipment that will form part of the exhibition. The core of the architectural project will combine excellent gallery conditions with advanced sustainable solutions and the sensual architecture that is the signature style of Sauerbruch Hutton's studio. M9 will be one of the first museums in Italy LEED Gold certified.

Special Event:

5 Jun, 10am – 5pm | Press preview with the curators

5 Jun, 6pm – 9pm | Opening

Curators:

Louisa Hutton, Matthias Sauerbruch

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 28 September 2014
  • Address:
    Dorsoduro, Rio Novo 3488/U, Venice
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +41 2201211
  • Web:
    Fondazione di Venezia
  • Opening hour:
    Mon - Fri | 10am – 8pm; Sat | 10am – 5pm
  • Closing day:
    Sun
  • Admission:
    Free
  • Photo credits:
    Courtesy of Fondazione di Venezia
  • Pubblicato in ARTE

Young Architects in Africa (Y.Y.A)

The Young Architects in Africa (Y.Y.A) competition and exhibition series aim to highlight African projects creativity, and help a rising generation of young architects achieve worldwide recognition. The exhibition endeavours to emphasize the social, environmental and participative approach displayed in the submitted projects, representative of a new way of thinking the community in Africa.

The exhibition features the three laureates and nine nominees' projects designated by an international jury among 194 projects submitted by candidates from 26 African countries and residing in Africa but also the United States, Canada, Brazil, Germany, France, Belgium, the Netherlands, Tunisia, and China.
A bilingual catalogue will feature all projects from the YAA competition candidates.

AS. Architecture - Studio has founded the CA'ASI to promote dialogue between architecture, contemporary art, and the public from the Biennale di Venezia. AS.Architecture-Studio defines architecture as «an art which is socially committed and engaged in the construction of mankind's living environment». It is based on team work and shared knowledge.

Special Events:

5 Jun, 3pm | Vernissage

6 Jun, 3pm | Press Preview

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 31 August 2014
  • Address:
    Campiello Santa Maria Nova, Cannaregio 6024, Venice
  • Phone:
    +39 041 24 10 939
  • Web:
    Ca’ Asi
  • Opening hour:
    Wed - Mon | 11am - 6pm
  • Closing day:
    Tue
  • Photo credits:
    Courtesy of CA’ASI
  • Pubblicato in ARTE

Fundamentally Hong Kong? DELTA FOUR 1984 - 2044

The Hong Kong Institute of Architects (HKIA) and Hong Kong Arts Development Council (ADC) jointly organize the exhibition titled
"Fundamentally Hong Kong? - DELTA FOUR 1984 - 2044 ".

Four short films will show, through human eyes, stories and people who live and move among Hong Kong and neighbouring Pearl River Delta, the most complex, controversial and contemporary spatial developments in history, traveling through borders and crossings, land and water, home and community, marriage and departure. An experience of Hong Kong and its neighbour cities shall be intertwined in an ending screening.
The camera, essentially a critique of the masterplan, is here to tell missing connections and deliberations in social mobility, social infrastructure, and social innovation in need.

Special Events:

5 June | Opening Ceremony
6 June | 1pm - 3.45, International Salon: "Soft Asia" and "Lost in West Kowloon"

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Arsenale, Campo della Tana, Castello 2126, Venice
  • Mail:
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  • Phone:
    +852 2805 7335
  • Web:
    Fundamentally Hong Kong?
  • Opening hour:
    Tue - Thu, Sun | 10.30am – 6.30pm; Fri - Sat | 10.30am - 8.30pm
  • Closing day:
    Mon
  • Photo credits:
    Courtesy of Hong Kong Institute of Architects (HKIA) and Hong Kong Arts Development Council
  • Pubblicato in ARTE

Moskva: urban space

In creating the retrospective, the team has explored how, while the face of a twentieth century city is largely determined by its architecture, today's urban singularity is more so based on the "connective tissue" that is the public spaces, and the ways in which these spaces have become equally important markers of contemporary metropolis identities.

MOSKVA: urban space will take place in the exhibition spaces as well as the inner courtyards of Santa Maria della Pietá, covering approximately 700 square meters. In keeping with the dissimilarity of the spaces, the segment of the exhibition which highlights the city's past unfolds with inverted prisms hanging from the ceiling, and photographs of iconic buildings, like the experimental housing complexes of the Avant Garde era, colossal Empire-style palace of haute Stalinism and Modernism's "standardized construction units". Staging Moscow's present architectural conditions, the exhibition focuses on public space, exemplified by the ambitious project of Zaryadye Park. A recreated fragment of the proposed park leads onto Moscow's future central park of the 21st century, illustrating its current debate on paradigms and re-appropriations of public spaces.

Special Events:

6 Jun

10 am | Press Preview
11 am | Opening Conference: "Between Architecture. Public space and the urban commons."
1 pm | Exhibition preview by invitation or prior accreditation

  •  
  • Open:
    Saturday, 07 June 2014
  • Close:
    Sunday, 23 November 2014
  • Address:
    Santa Maria della Pietà, Castello 3701, Venice
  • Mail:
    Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.
  • Phone:
    +7 915 148 58 53
  • Web:
    Moskva
  • Opening hour:
    Tue - Sun | 10am - 6pm
  • Closing day:
    Mon
  • Photo credits:
    Courtesy of Moscow Committee for Architecture and Urban Development
  • Pubblicato in ARTE

Salon Suisse 2014: The next 100 years – Scenarios for an Alpine City State

Initiated and organized by the Swiss Arts Council Pro Helvetia, the Salon Suisse is a programme of talks and events supplementing the exhibition at the Swiss Pavilion.

It takes place at the Palazzo Trevisan degli Ulivi in the heart of Venice’s old town, offering a platform for exchange on contemporary architecture and thought in a relaxed atmosphere.

This year Salon Suisse, entitled The next 100 years – Scenarios for an Alpine City State, will be curated by Zurich-based architects and urbanists Hiromi Hosoya andMarkus Schaefer.

Hosoya Schaefer was established in 2003 and specializes in architecture, urban design and research. The office has worked on a wide spectrum of international projects including a 230-ha masterplan in Ljubljana, an office building and a department store in Milano or train stations in Toronto. It recently was awarded a Red Dot Grand Prix for Mobiglobe, a research and communications project on sustainable mobility for Autostadt, a subsidiary of Volkswagen. In Switzerland, the office won first-prizes for the Airport Engadin and Warmbächliweg, a housing development in Bern, and now has its first architectural projects under construction. In 2011, the office concluded a regional study ‘Metrobild’ for the Metropolitan region of Zürich and several urban design studies and projects throughout Switzerland. In 2012, Hosoya Schaefer Architects organized the professionally and publically acclaimed symposium, ‘Learning From Tokyo’ at the Architecture Forum in Zurich and published its findings in cooperation with the magazine Arch+.

The Salon Suisse is a talks and events programme free and open to everyone. 

Partner of Salon Suisse is Laufen Bathrooms AG.

OPENING DAY - Inaugural Session
Saturday, June 7th: 11am – Inaugural hearing on the possible “Scenarios for an Alpine State”

SALON 1: Design – The Nature of Cities
Thursday, September 4th: 6pm - Time and Infrastructure
Friday, September 5th: 6pm – Systems, People and Power
Saturday, September 6th: 6pm – Scale, Progress and Durability

SALON 2: Build – The Reality of Cities
Thursday, October 9th: 6pm – Intensions, Rules and Politics
Friday, October 10th: 6pm – Plans, Programs and Participation
Saturday, October 11th: 6pm – Interactions, Commons and Public Space

SALON 3: Use – The Culture of Cities
Thursday, October 30th: 6pm – Cooperative, Open and Resilient
Friday, October 31st: 6pm – Communal, Collective and Constitutive
Saturday, November 1st: 6pm – Identity, Ideas and Institutions

CLOSING WEEKEND - Final Assembly
A session to summarize and edit the results of the previous Salons in collaboration with writers and journalists
Thursday, November 20th: 6pm – Plot, Play and Participation
Friday, November 21st: 6pm – Narratives, Descriptions and Scenarios
Saturday, November 22nd: 6pm – Open Editorial Meeting and Party

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  • Address:
    Salon Suisse, Dorsoduro 809, 30121, Venezia
  • Web:
    Salon Suisse
  • Photo credits:
    1. Palazzo Trevisani degli Ulivi © Swiss Arts Council Pro Helvetia; 2. Hiromi Hosoya and Markus Schaefer, photo by Joe Schmid. Courtesy of Swiss Arts Council
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